Lot de 14 Appliques Métal Italie '900

Visage

Technique mixte sur toile. Signé en bas à droite. Dans la vaste production artistique de Giacomo Manzù, excellent sculpteur, on trouve également de rares peintures sur toile et de nombreux dessins sur papier, parmi lesquels le visage humain est l'un des sujets les plus récurrents, notamment celui de son épouse Inge Schabel, muse et modèle préféré de l'artiste. Le visage dessiné ici, bien qu'à peine esquissé de quelques traits réalisés en techniques mixtes, exprime une intense expressivité. L'œuvre est présentée dans un cadre.

Peinture à l'huile sur toile. Signé en bas à droite et au dos. Ezio Pastorio, originaire de Crémone mais transplanté en Valseriana après ses études, est considéré comme « un grand maître de l'art italien du XXe siècle, qui a su renouveler le langage artistique du paysage tout en conservant un lien fort avec la peinture du XIXe siècle ». Sa production est post-impressionniste, notamment dans la grande production paysagère qui représente la vallée du Pô et Bergame, la lagune vénitienne et quelques vues parisiennes, admirées lors de certains voyages. Dans ses œuvres, Pastorio crée des atmosphères suggestives en utilisant des gammes infinies de couleurs, qui s'harmonisent et parfois même contrastent, mais toujours présentées comme une transparence qui annule le caractère statique de la représentation et avec une délicatesse qui exprime sa fervente religiosité envers la nature et le créé. Les sujets floraux sont moins fréquents dans sa production, comme ce vase plein de marguerites, qui reflète également toute la capacité expressive de l'artiste et son savant usage de la couleur. L'œuvre, issue d'une collection privée, est présentée dans un cadre.

Paysage avec Rivière 1906

Peinture à l'huile sur toile. Signé en bas à gauche. L'artiste d'origine romaine Cesare Maggi s'est imposé comme un peintre paysagiste pointilliste, représentant des paysages alpins de l'Engadine et de la Vallée d'Aoste, souvent animés par l';inclusion de personnages et d'animaux. Devenu ami du peintre Giacomo Grosso à Turin en 1901, il s'oriente alors avec succès vers le genre du portrait, délaissant la technique pointilliste. Tout en privilégiant toujours les vues de haute montagne, il élargit ses sujets en s'engageant également dans les marines et les natures mortes. Dans cette œuvre, toujours de la première période, Maggi dépeint un aperçu de la campagne traversée par une rivière calme, bordée de rangées d'arbres dénudés et de petites collines herbeuses, derrière laquelle dominent les fermes : déjà plus liées aux techniques divisionnistes, les l'œuvre est plutôt caractérisée par des mélanges de couleurs denses et opaques, dans lesquels la terre, l'eau et les fermes se superposent dans un continuum rompu uniquement par la bande de ciel au-dessus. L'oeuvre est présentée dans un cadre d'époque.

Trois Figures

Peinture à l'huile sur toile. Signé en bas à gauche. Au dos se trouve un cachet de la Galleria Palmieri historique de Milan (aujourd'hui n'existe plus). L'œuvre propose les personnages typiques de la peinture satirique de Franz Borghèse : ce sont des figures qui rappellent, dans leurs gestes et leurs vêtements, les sujets de 1910, représentés avec des traits et des poses presque caricaturales et sarcastiques. La production de Borghèse en effet, après une période initiale caractérisée par une peinture sombre et profonde, presque dramatique, du XVIIIe siècle transformée en une peinture de satire et de sarcasme, accentuée par une palette chromatique lumineuse, qui s'adressait en particulier à la bourgeoisie du tournant du siècle. le siècle. Les trois personnages de cette œuvre, deux hommes et une dame, sont représentés de côté marchant en file indienne dans leurs élégants vêtements de ville : les expressions sérieuses, les regards lointains, semblent souligner l'indifférence mutuelle, ainsi que l'ennui et la vacuité des personnages. leur vie qui contraste avec les couleurs vives et vives. L'œuvre est présentée dans un cadre.

Le chemin de San Rocco (Camogli)

Huile sur carton. Signé en bas à gauche. Au dos ce titre au crayon. Peintre paysagiste extrêmement original qui expérimente la peinture à l'huile mais aussi l'aquarelle et la gravure, Raul Viviani se rapproche beaucoup de la peinture divisionniste, développant cependant sa technique personnelle, caractérisée par de très fins filaments de couleur en forme de fines virgules, qui définissent le structures de ses paysages. Avec son transfert en Ligurie, qui fait du paysage de cette région le protagoniste de ses œuvres, sa technique change, s'éloignant du divisionnisme originel pour s'ouvrir à un coup de pinceau large et sommaire, qui aboutit finalement dans la dernière période à une production de nature mort aux couleurs violentes et contrastées. Ce paysage peut également être placé dans la période ligure, qui offre un aperçu d'une localité ligure bien connue, encore rendue dans le style caractéristique de Viviani, fait de coups de pinceau en filaments fins, superposés à des taches de couleur vive, dans les gammes chromatiques. des couleurs de la nature. Dans le cadre.

Nature morte

Huile sur panneau en bois. Signé en haut à droite. Peintre paysagiste extrêmement original qui expérimente la peinture à l'huile mais aussi l'aquarelle et la gravure, Raul Viviani se rapproche beaucoup de la peinture pointilliste, développant cependant sa technique personnelle, caractérisée par de très fins filaments de couleur en forme de fines virgules, qui définissent le structures de ses paysages. Avec son transfert en Ligurie, qui fait du paysage de cette région le protagoniste de ses œuvres, sa technique change, s'éloignant du divisionnisme originel pour s'ouvrir à un coup de pinceau large et sommaire, qui aboutit finalement dans la dernière période à une production de nature mort aux couleurs violentes et contrastées. Cette nature morte, une composition de légumes et une bouteille aux couleurs vives, peut être replacée dans cette période. L'œuvre est présentée dans un cadre.

Huile sur table.Signé en bas à droite et à l'arrière Verschafeldt. Petites gouttes de couleur. Présenté dans un cadre contemporain, avec des lacunes.

Coquelicots en Vase 1948

Huile sur toile. Signé et daté en bas à gauche. Composition de coquelicots dans un vase, avec vierge en céramique sur la paroi arrière. Noel Quintavalle (connu sous le pseudonyme Noelqui), originaire de Ferrare mais élevé et formé artistiquement à Milan, était un artiste aux multiples facettes. Diplômé en architecture, il est autodidacte dans les arts, mais après la grande guerre à laquelle il participe activement, il se distingue rapidement et expose dans de nombreuses expositions nationales et internationales ; entre-temps, il mène également des activités littéraires en publiant divers volumes (satire, contes de fées, brefs souvenirs de guerre) et expérimente également la sculpture et la xylographie. Sa production picturale, d'abord pointilliste, est ensuite influencée par la synthèse de la peinture moderne. Les sujets qui lui sont les plus chers sont le portrait (avec une préférence pour certaines figures féminines, comme les danseuses) et le paysage. Sa production de sujets floraux remonte aux années 1940, liée à la période où il retrouve le besoin d'intériorité, se rapprochant des concepts esthétiques de l'art du « XXe siècle ». L'œuvre est présentée dans un cadre contemporain.

Fille

Huile sur table. Au dos il y a des traces de la signature et deux étiquettes de la galerie d'art la Bottega d'arte de Livourne et la Galleria Manzoni de Milan, portant le nom de l'auteur, le titre et les données techniques de l'œuvre. Livourne de naissance, Ludovico Tommasi a été formé auprès du courant Macchiaioli, développant une forte sensibilité pour la couleur, qui l'a amené à créer des œuvres réalistes imprégnées de chromatismes harmonieux. Le travail est présenté dans un cadre élégant.

Parc

Aquarelle sur papier. Signé en bas à droite. Au dos se trouve une étiquette de la galerie d'art Manzoni de Milan, avec les données de l'œuvre. Représentant de premier plan de la peinture lombarde du XIXe siècle, toujours liée à l'amour du "réel", Pompeo Mariani était également appelé "l'mpressionniste italien", en raison de l'nfluence dans ses œuvres de l'mpressionnisme français et de ces expériences, non seulement culturelles. , qui constitua l'époque de la Belle Époque, que l'artiste vécut entre Milan, Bordighera, Nice et Montecarlo. Dans cette petite aquarelle, Mariani offre un aperçu d'un parc de la ville, orné de statues le long de la porte. Le tableau est présenté dans un cadre d'époque.

Portrait de Femme

Peinture à l'huile sur toile. Signé en bas à droite. Portrait d'une jeune femme en robe de soirée noire, égayée par le grand châle fleuri qu'elle porte drapé sur une épaule. Workuvre de l'artiste romagnol Alberto Salietti, qui malgré avoir effectué la quasi-totalité de sa carrière artistique dans les domaines milanais et ligure, Alberto Salietti - peintre, graveur, mosaïste et peintre de fresques - est resté une référence pour les peintres romagnols, notamment entre les deux guerres. Déménagement avec sa famille à Milan, Salietti a assisté à l'Académie de Brera jusqu'en 1914. Après la Biennale de Venise en 1924 , il est devenu une partie du mouvement Novecento dont il est devenu secrétaire en 1925. En 1926 , il expose à la « Première exposition Novecento italienne » et En 1927, il fait partie des fondateurs du « Groupe des sept peintres modernes » avec Funi, Sironi, Tosi, Carrà, Marussig et Bernasconi. Peintre de portraits et de paysages, Salietti - qui a patiemment puisé dans les influences post-impressionnistes, sécessionnistes et du XXe siècle - a apporté une contribution originale à l'art italien de l'entre-deux-guerres, se distinguant par son adhésion joyeuse et optimiste à la réalité. Le tableau est présenté dans un cadre.

Scène de Duel 1915

Huile sur table. Signé en bas à gauche. Autre signature et date au dos. Riccardo Pellegrini, peintre milanais, fut l'élève de Domenico Morelli et formé dans le climat du romantisme. Il était paysagiste et peintre de genre, mais il a également créé de précieuses natures mortes, aux couleurs vives et au dessin précis et réaliste. Sa production paysagère puise dans les différents lieux qu'il a visités et vécus, en Italie et à l'étranger, notamment en Espagne et en France. Dans cette œuvre, Pellegrini propose une scène de genre, un duel à l'aube hors les murs d'un jardin, thème assez typique du genre romantique, surtout littéraire. Les figures dynamiques des duellistes, engagés dans l'acte violent et sanglant du duel, assistés des parrains et marraines, contrastent avec le calme du jardin et la délicatesse des buissons fleuris. Les jeux d'ombres et de lumières jouent bien, prolongeant les formes des personnages et de la végétation, déjà aux contours maigres. L'œuvre est présentée dans un cadre contemporain.