Huile sur Carton par Mario M. Foggia Italie XX Siècle

Mont Rose Macugnaga

Huile sur carton pressé. Signé en bas à gauche. Au dos une autre signature au crayon, avec le titre et l'étiquette avec numérotation. Bel aperçu de Macugnana, la localité de montagne de la vallée de l'Ossola où le peintre a vécu jusqu'à sa mort et qu'il a souvent représenté dans ses œuvres. Né à Mantoue, Moretti Foggia s'est formé à l'Académie de Brera comme élève de Cesare Tallone et Mosè bianchi. Peintre paysagiste et portraitiste, il peint à l'huile, à la détrempe, à l'aquarelle et à la fresque. Ses peintures sont présentes dans la collection du Quirinale et dans des galeries publiques et privées en Italie, en Suisse, aux États-Unis et en Amérique latine. Voyageur infatigable, il séjourna longtemps en Orient où il réalisa de nombreuses études de costumes et de paysages exposés à Londres, Paris et Bruxelles. Il a participé à diverses expositions collectives nationales et internationales, entre 1922 et 1954 il a donné vie à 10 personnels avec un grand succès auprès du public et de la critique. L'œuvre est présentée dans un cadre contemporain.

Huile sur Toile par Noel Quintavalle Italie 1950

Marmittone se marie 1950

Huile sur toile. Signé et daté en bas à gauche. Un cartouche de la galerie Ranzini à Milan se trouve arrière, il est relatif à l'exposition personnelle de l'artiste qui s'est tenue en novembre 1950, qui indique le titre de l'œuvre. C'est un sujet original et insolite du peintre ligure, qui s'inspire d'une bande dessinée publiée à partir de 1928 dans le Corriere dei Piccoli, qui raconte les aventures du simple soldat Marmittone, un type pas trop brillant mais de bonne volonté qui, en raison à gaffes ou simplement par pure malchance, finit en prison à la fin de chaque aventure. L'œuvre de Noelqui est d'un genre fantastique : les deux protagonistes de la scène, Marmittone et sa fiancée, sont flanqués de personnages aux allures d'animaux, le contexte est représenté par des maisons géométriquement définies aux contours simples, les couleurs sont vives et gaies. Il semble presque l'illustration d'un conte pour enfants, qui renvoie à l'activité d'écrivain, également de contes de fées et de nouvelles, dans laquelle s'est aventuré Noelqui. Noel Quintavalle (connu sous le pseudonyme Noelqui), originaire de Ferrare mais élevé et formé artistiquement à Milan, était un artiste aux multiples facettes. Diplômé en architecture, il est autodidacte dans les arts, mais après la grande guerre à laquelle il participe activement, il se distingue rapidement et expose dans de nombreuses expositions nationales et internationales ; entre-temps, il exerça également l'activité littéraire susmentionnée, publiant divers volumes (satire, contes de fées, brefs souvenirs de guerre) et s'intéressa également à la sculpture et à la xylographie. Sa production picturale, d'abord pointilliste, est ensuite influencée par la synthèse de la peinture moderne. Les sujets qui lui sont les plus chers sont le portrait et le paysage. L'oeuvre présentée est dans un cadre contemporain, avec quelques petits défauts.

Huile sur Table par Gino Romiti Italie 1937

Canal du Calambrone 1937

Huile sur la table. Signé et daté en bas à droite, également daté de l'époque fasciste XV. Au dos se trouve un double cartouche de la Galerie Salvetti, avec le titre de l'œuvre et son exposition à l'exposition personnelle de l'artiste qui s'est déroulée du 30 novembre au 16 décembre 1937. L'artiste de Livourne Gino Romiti s'est déplacé parmi les courants de l'époque pour atteindre enfin, vers les années trente, un style personnel composé d'atmosphères détendue et combinaisons de couleurs jamais excessive avec une texture picturale précise. Sa production est principalement composée de sujets inspirés des paysages et marines, des jardins, des routes de campagne de sa province ; cette œuvre présente également un aperçu de la campagne entre les provinces de Livourne et celle de Pise, plate mais riche en végétation et traversée par un canal gonflé d'eau. L'œuvre est présentée dans un cadre contemporain.

Domenico De Bernardi

Paysage

Huile sur table. Signé et daté en bas à gauche. Au dos ce timbre "Domenico De Bernardi -Besozzo", pour authentification. La peinture de De Bernardi s'inscrit dans la tradition paysagère lombarde du XIXe-XXe siècle. Il a toujours vécu à Besozzo, sa ville natale dans la province de Varèse, mais il a beaucoup voyagé, en Italie et hors d'Italie, recueillant des impressions et cherchant, pour les revivre dans son travail, de nouveaux paysages ; il a notamment puisé de nouvelles suggestions d'un voyage en Libye dans les années trente, dont il est revenu avec une palette plus vivante et méditerranéenne. Le paysage était le genre qu'il préférait, mais il était aussi souvent attiré, avec des résultats tout aussi significatifs, par la « nature morte ». Le petit paysage présenté ici est un aperçu de collines sur lesquelles se détachent des sommets plus élevés en arrière-plan, peut-être précisément les zones préalpines d'origine de l'artiste ; un petit village remplit le centre de la scène, dans lequel se détachent particulièrement les vastes clôtures de culture. L'œuvre est présentée dans un cadre contemporain.

Virgile Audagna

Nu féminin

Sculpture en terre cuite vernissée. La sculpture représente une jeune femme assise, mais sans jambes et bras : on devine la position assise avec appui sur les bras, la tête tournée vers le haut, souriante, se laissant illuminer par la lumière. Ben fait partie de la riche production sculpturale de Virgilio Audagna, qui a donné une large place au nu féminin, proposé dans de multiples poses et expressions. Le sculpteur Virgilio Audagna a réalisé aussi bien de grands monuments que des œuvres de petit format. Actif non seulement en Italie mais aussi à l'étranger, où il séjourna souvent, il eut également l'occasion de réaliser des modèles de médailles, de sujets sacrés et profanes, pour commémorer de nombreux événements. En plus d'être sculpteur, il était dessinateur et peintre.

Panneaux de Plafond Tempera sur Toile Moitié '900

Tempera sur toile. Milieu '900. Les quatre grands panneaux décoratifs sont formés pour délimiter le trou central pour lustre. Ils sont décorés d’un motif en guirlande foliacée, avec des fruits et des rubans, qui dans les panneaux montés ensemble réalise une couronne; sur chaque panneau apparaît ensuite un putto, destiné à jouer sur la guirlande. Le motif est de goût néoclassique. Le décor global mesure 350 x 240 cm

Le roi David joue de la harpe

La toile représente le roi David jouant de la harpe. Représenté avec des traits éthiopiens, le tableau souligne la descendance directe du peuple de la lignée davidique. Elle fait partie d'un groupe de sept œuvres arrivées en Italie à la fin des années 30 ; ils ont été achetés directement sur place, comme nous l'avons reconstitué à partir de la correspondance et des photos de famille, par l'avocat xxx, grand-père des propriétaires, qui a été envoyé comme représentant légal d'une société de production italienne en 1935 en Éthiopie, et de là il a été expulsé en 1938 par le général Graziani parce qu'il était considéré comme anti-fasciste. Les toiles sont restées dans la collection familiale, dans le palais familial, et sont maintenant re-proposées dans toute leur puissance expressive. L'Éthiopie a une histoire très particulière : située entre l'Afrique et l'Asie, et entre la Méditerranée et l'océan Indien, elle a été un carrefour et un point de rencontre de différentes cultures, également stimulé par des flux commerciaux constants et intenses. Cinq siècles avant JC, la dynastie d'Axoum fut établie ; sous ce règne, au IVe siècle après Jésus-Christ, le christianisme s'établit comme religion d'État, dans sa version copte orthodoxe. Les textes sacrés médiévaux parlent aussi, cependant, d'une relation directe avec l'une des dix tribus juives, réfugiées en Éthiopie, dont la lignée royale est issue de la reine de Saba. Et en fait, en Éthiopie, la lignée Falascià vit encore aujourd'hui, des Juifs noirs dont les premiers enregistrements historiques remontent à 600 après JC. L'Éthiopie était donc un rempart judéo-chrétien, avec des influences africaines, mais à considérer presque comme le bord sud de la culture méditerranéenne.

Scène de bataille

l'art de l'ethiopie, de 1935 ca.

La peinture, huile sur toile, est en réalité très probablement une scène qui chevauche divers sujets typiques très largement reproduits dans l'art traditionnel éthiopien du début des années 1900. Un thème récurrent est celui de la chasse aux esclaves. Un tableau similaire au nôtre pour l'agencement des scènes et la narration se trouve au musée de Brême et reprend l'histoire d'Iyassu, prince de la population amhara, qui combat après la mort de Menelik II le peuple des Gimirra, qui occupait le sud partie de l'Éthiopie. La peinture oppose les Amhara, vêtus et avec les commandants avec une sorte de chapeau à franges, aux « barbares » Gimirra, à moitié nus, qui sont tués et émasculés. L'expédition s'est terminée par l'acquisition d'environ 20 000 nouveaux esclaves. En fait, dans notre tableau, il y a aussi des citations qui font référence à l'action de Ras Tafari, qui en 1928, après le couronnement d'un négus, réprime la révolte des Galla, dans la province d'Uollo. Une autre mention est la présence de nombreux fusils, qui rappellent la bataille de 1930 avec la défaite définitive de Gugsa Oliè et la nomination ultérieure de Ras Tafari comme empereur. Ainsi le tableau, réalisé vers 1935 pour un client italien, résume à notre avis ces thèmes. Elle fait partie d'un groupe de sept œuvres arrivées en Italie à la fin des années 30 ; ils ont été achetés directement sur place, comme nous l'avons reconstitué à partir de la correspondance et des photos de famille, par l'avocat xxx, grand-père des propriétaires, qui a été envoyé comme représentant légal d'une société de production italienne en 1935 en Éthiopie, et de là il a été expulsé en 1938 par le général Graziani, parce qu'il était considéré comme anti-fasciste. Les toiles sont restées dans la collection familiale, dans le palais familial, et sont maintenant re-proposées dans toute leur puissance expressive. L'Éthiopie a une histoire très particulière : située entre l'Afrique et l'Asie, et entre la Méditerranée et l'océan Indien, elle a été un carrefour et un point de rencontre de différentes cultures, également stimulé par des flux commerciaux constants et intenses. Cinq siècles avant JC, la dynastie d'Axoum fut établie ; sous ce règne, au IVe siècle après Jésus-Christ, le christianisme s'établit comme religion d'État, dans sa version copte orthodoxe. Les textes sacrés médiévaux parlent aussi, cependant, d'une relation directe avec l'une des dix tribus juives, réfugiées en Éthiopie, dont la lignée royale est issue de la reine de Saba. Et en fait, en Éthiopie, la lignée Falascià vit encore aujourd'hui, des Juifs noirs dont les premiers enregistrements historiques remontent à 600 après JC. L'Éthiopie était donc un rempart judéo-chrétien, avec des influences africaines, mais à considérer presque comme le bord sud de la culture méditerranéenne.

La reine de Saba rencontre le roi Salomon

l'art de l'ethiopie, de 1935 ca.

La toile représente la rencontre entre la reine de Saba et du roi Salomon. La reine est représentée assise sur un trône, dans le centre de la scène, et de la gauche apparaît la suivante, ce qui apporte de riches cadeaux pour le roi. Salomon est assis sur son trône, caractérisé par l'image du lion sur le côté, derrière lui, est entré dans sa cour. Dans la partie sous-jacente, les musiciens soulignent le caractère de la fête de la réunion. Il fait partie d'un groupe de sept œuvres, qui sont arrivés en Italie à la fin des années 30; ont été achetés directement sur place , comme nous l'avons reconstruite à partir de la correspondance et de la famille, des photos, de l'avocat xxx, grand-père des propriétaires, qui a été envoyé en tant que représentant légal d'une société de production italienne en 1935, en Éthiopie, et à partir de là, il a été chassé en 1938 par le général Graziani, car il était considéré comme anti-fasciste. Les peintures sont restés dans la collection de la famille, dans le palais de la famille, et sont maintenant présentés dans toute leur force expressive. L'ethiopie a une histoire très particulière: elle est située entre l'Afrique et l'Asie, et entre la Méditerranée et l'Océan Indien, a été un carrefour et point de rencontre de différentes cultures, stimulés par l'intense et constant flux commerciaux. Cinq siècles avant jésus-Christ, ont stabilisé la dynastie d'Axoum; dans ce royaume, au quatrième siècle après jésus-Christ, le christianisme s'est établi comme religion d'état, dans sa version, le copte orthodoxe. Les textes sacrés de l'époque médiévale parler aussi, cependant, une relation directe avec l'un des dix tribus hébraïques, après avoir fui vers l'Ethiopie, de qui sortit la famille royale par le biais de la reine de Saba. Et en fait, en Ethiopie, vivent encore aujourd'hui), la ligne de la Falascià, les noirs, les juifs, dont la première mention historique remonte à 600 après jésus-Christ. L'éthiopie a ensuite été un bastion de la judéo-chrétien, avec des influences africaines, mais pour être considéré comme près de la bordure sud de la méditerranée de la culture.

Vitrail d'Aligi Sassu Carton original à l'Huile '900

Sant'ambrogio

Carton original, à l'huile, pour la préparation du vitrail de l'église de Viggiù (Varese), pour lequel le maître a créé diverses œuvres. Cet ouvrage est accompagné d'un avis d'expert sur les photos, signé par Alessandro Grassi, un maître verrier qui, dans son atelier de vitrail artistique (qui a collaboré avec de nombreux architectes et artistes italiens et étrangers) a ensuite créé les dernières fenêtres en collaboration avec le maître. S. Ambrogio, saint patron de Milan, est représenté en tant qu'archevêque, en train de refuser l'entrée à l'église à l'empereur Théodose Ier, coupable de crimes graves, même s'il se prétend chrétien. dans le cadre.

Sculpture avec Technique Mixte par Pierluigi Rolando Italie 2001

Citadelle 2001

Sculpture technique mixte : fer, bois et photographies. Designer de renommée internationale, Pierluigi Rolando, diplômé en ingénierie textile et établi principalement dans l'industrie textile cachemire dans l'entreprise familiale, crée des vêtements qu'il définit lui-même comme des « sculptures en cachemire modelées sur le corps humain ». Au début des années 1970, il s'oriente vers le design avec des collections pour le sport actif et contribue à la naissance de la Fila. Dans son temps libre, il alterne intérêts sculpturaux et intérêts picturaux ; il invente des figures en polystyrène expansé et des collages en bois, carton et matériaux divers. Mais la sculpture a toujours été sa grande passion: depuis quarante ans l' art a été « vécu hystériques dans le temps libre », mais depuis 1993 , Rolando a choisi de se consacrer entièrement à l'aide de différents matériaux comme la terre cuite, en fer recyclé, bois, propose. divers sujets, avec des visages grotesques avec des expressions tendues et la souffrance, les mains fortes et caricaturales, symboles d'actes anciens et héroïques d'une époque lointaine, des personnages des religions et la mythologie. Son univers visionnaire est peuplé de guerriers, chefs et empereurs, chevaux totems et . créatures imaginaires, son art est suggestif, conte de fées, enchanté la citadelle présentée ici, qui exprime bien cette passion pour le mélange des matériaux très différents, a été créé après l'effondrement tragique des tours jumelles de New York, en Septembre 2001: les deux tours, symboles de la modernité, restent intacts à l'intérieur d'une plaque de métal tordue de décomposition et de décomposition, créée à travers une plaque de métal torsadée. La sculpture est présentée dans un écrin en plexiglas.

Technique Mixte sur Tissu Jenny Watson Contemporain

Sans titre

Technique mixte sur chutes de tissus, avec ajout d'éléments de divers matériaux. La toile carrée dessinée à l'huile présente une figure de femme à cheval ; la queue de cheval, à appliquer par dessus, est en poils synthétiques puis accompagnant le tableau, proposé à côté, une petite toile rectangulaire sur laquelle est inscrit un texte en anglais, comme un extrait de lettre, et un cendrier en céramique en forme de cheval. Jenny Watson est une artiste australienne (née et formée à Melbourne) qui a adopté différentes approches stylistiques de sa peinture, utilisant une gamme de matériaux et de tissus différents, tels que des éléments de velours et des collages, et combinant souvent des images et des mots. Les sujets qu'elle propose ont toujours eu tendance à être autobiographiques : à partir d'inspirations punk et féministes, Jenny Watson recrée un journal intime dans lequel chiffres et mots s'entremêlent pour composer de courts récits quotidiens. Son iconographie personnelle est composée d'autoportraits (la femme rousse n'est autre que l'artiste elle-même), de chevaux, de chats, d'intérieurs domestiques et de lettrages, rendus avec des coups de pinceaux très frais qui laissent beaucoup de place à l'imagination, voire si les chiffres sont rendus. d'une manière très rigide et fixe, comme pour dénoncer l'absence de mouvement social, en particulier envers les femmes. Ses œuvres sont souvent accompagnées de petites toiles colorées qui ramènent des descriptions poétiques de son travail, rendant le processus d'identification du spectateur immédiat. L'œuvre proposée ici a été présentée à une exposition personnelle de Jenny Watson qui s'est tenue en 2018 à Trente, au Raffaelli Art Studio, intitulée "Jenny autour du monde". Il est accompagné de photos montrant comment s'est déroulée sa présentation à cette exposition et le carton d'invitation à l'exposition des acquéreurs de l'œuvre est également joint. Ci-joint également un petit catalogue de l'exposition de l'artiste qui s'est tenue en 1993 à Côme.