Pêcheuse de Crevettes Jean Garnier Bronze France XX Siècle

Autoportrait 1970

Lithographie en couleurs. En bas à droite la signature au crayon, à gauche le numéro de série 72/110 et le cachet en relief de l'imprimeur Alberto Caprini ; au centre le titre. Le grand maître initiateur de l'art métaphysique, a peint de nombreux autoportraits, pour le représenter dans différentes phases et âges de la vie, dans différents costumes et différents horizons, qui témoignent également des différentes phases picturales traversées par l'artiste. Cet autoportrait, qui le voit ironiquement se présenter comme un gentleman du XVIIe siècle, appartient à la période tardive où il revient à la peinture classique et au réalisme avec un effet XVIIe siècle. L'oeuvre est présentée dans un cadre.

Peinture à l'huile sur toile. Signé M. Ronchi et daté 1955 en bas à droite. Au verso se trouve l'indication "La Madonna di via Solari 3, Milan", qui situerait l'original dont cette toile s'inspire. Il propose une maternité qui est en tout cas une image sacrée, une traditionnelle Vierge à l'Enfant, bien que placée dans un environnement profane, assise sur un balcon d'où l'on a une large vue sur la ville en contrebas. La signature ferait référence à Marino Ronchi, un artiste milanais (1921 -2015) qui était un peintre de fresques et un peintre, mais avec un style progressivement plus abstrait. L'oeuvre est présentée dans un cadre d'époque.

Huile sur toile. La grande scène de style, reprend les compositions picturales des XVIIe et XVIIIe siècles, les soi-disant caprices architecturaux, qui plaçaient d'anciennes structures architecturales, souvent en ruines, au sein d'un paysage italien animé par des personnages populaires. Le même sujet se retrouve dans cette grande toile à fort impact décoratif. Il est présenté dans un cadre élégant.

Huile sur carton entoilé. En bas à droite, il y a une signature d'attribution incohérente et l'emplacement Venise. C'est un coin vénitien face à la mer, surplombant probablement le canal de la Giudecca, avec un quai encombré de diverses figures féminines, vêtues de vêtements de la première moitié des années 1900, attendant peut-être un bateau. Une gondole amarrée peut être vue vers la gauche. L'œuvre est présentée dans un cadre contemporain.

Technique mixte sur toile. Signé en bas à droite. La peinture de Kodra, peintre albanais formé artistiquement en Italie et actif dans le contexte milanais, consiste en une interprétation personnelle, de type fantastique, du cubisme, avec la particularité que les décompositions typiques du cubisme analytique sont proposées selon une approche de son propre cubisme plus que synthétique. Le paysage marin représenté ici, avec des voiliers naviguant près d'une côte, fait partie d'une production plus tardive, dans laquelle le pays natal est souvent évoqué.

Vue de Vienne depuis le Belvedere

Techniques mixtes (acryliques et huiles) sur toile. Fabrication dans les années 60 et 70. Il s'agit d'une copie d'une des nombreuses vues de Vienne peintes par Bernardo Bellotto, plus connu sous le nom de Canaletto, entre 1758 et 1761, et conservées au Kunsthistorisches Museum de Vienne. La grande vue, animée par de nombreuses figures dans le style typique de la peinture vénitienne du XVIIIe siècle et de Canaletto en particulier, est prise depuis le Belvédère supérieur du palais du même nom, résidence d'été du prince Eugène de Savoie, construit sur une colline au sud du centre de la ville. Dans la vue, une série de grands édifices baroques apparaissent en arrière-plan derrière les jardins, en particulier de gauche à droite : tout droit à gauche avec son dôme monumental se trouve la Karlskirche (église de San Carlo Borromeo), le palais Schwarzenberg avec son exagéré proportions, l'Orangerie et le Belvédère Bas du Palais. Enfin sur la droite se trouve le couvent salésien. Derrière eux, plus loin encore en arrière-plan, on aperçoit le centre-ville avec ses fortifications et les flèches de la Stephansdom (cathédrale Saint-Étienne). Le tableau est présenté dans un cadre de la première moitié des années 1900. .

Quatre Femmes 1986

Eau-forte et aquatinte sur papier. Signé au crayon en bas à droite ; numéro de série 54/95 en bas à gauche. L'œuvre, créée en 1986, propose l'un des thèmes les plus récurrents de la production de Renato Guttuso, la femme, qu'il propose toujours de manière passionnée dans le ton, incisive et marquée dans le signe, pour capter le regard dans un sens érotique et sensuel. l'accent. La muse inspirante et protagoniste incontestée de nombreuses œuvres de l'artiste de Bagheria était Marta Marzotto, dont les traits se retrouvent également dans cette œuvre. Ce sont quatre femmes et pourtant elle n'en est qu';une ; ils sont proches l'un de l'autre presque se touchant, pourtant chacun ignore la présence de celui à côté. Il n'y a pas d'intention narrative chez Guttuso, mais les femmes se poursuivent à la surface de la feuille comme dans un cahier d'étude, notes pour les grandes compositions sur lesquelles travaille l'artiste. Ainsi, comme le caractérisent les études, ce qui intéresse ici Guttuso est de suivre le déroulement des signes jusqu'à ce qu'ils soient recomposés dans une synthèse qui les transforme en une image complète. L'eau-forte trace délicatement des contours et des lignes intérieures que quelques touches d'aquatinte colorent à peine ; ou jouer librement sur les masses complexes de cheveux qui ont toujours été un élément typiquement et exclusivement graphique pour Guttuso. La lithographie est montée sur un panneau avec un cadre apparent.

Paysage vallonné avec Cottage

Peinture à l'huile sur toile. Signé en bas à droite. Un aperçu de collines caractérisées par l'éclat de la couleur verte, dans une large gamme de nuances rehaussées par des bords doux, surmontées par le ciel bleu et interrompues uniquement par un chalet, qui reprend également les mêmes couleurs de la terre et de la campagne. C'est l'œuvre du jeune artiste milanais Amerigo Canegrati, qui connut une grande renommée dans les années trente, et est considéré parmi les représentants des courants picturaux lombards du XXe siècle italien ; sa peinture exprime de profondes qualités coloristiques tant dans les peintures de paysage que dans les compositions et les figures. Le travail est présenté dans un cadre de style.

Aperçu de Mandello Lario 1909

Huile sur toile. Signature et localisation (Mandello) en bas à gauche. Au dos signature supplémentaire, date et titre en toutes lettres. Riccardo Pellegrini, peintre milanais, fut l'élève de Domenico Morelli et fut éduqué dans le climat du romantisme. Il était paysagiste et peintre de genre, mais il créa aussi de précieuses natures mortes, aux couleurs vives et au dessin précis et réaliste. Sa production paysagère s'inspire des différents lieux qu'il a visités et vécus, en Italie et à l'étranger, notamment en Espagne et en France. Dans ce paysage, Pellegrini offre un aperçu de la montagne qui surplombe la ville sur les rives du lac de Côme : une montagne aride et nue, bien qu'habitée, avec la hutte au sommet et une figurine féminine qui remplit les seaux au ruisseau qui coule l'eau entre les rochers ; les couleurs sont celles des brumes hivernales, réparties presque transversalement entre le gris-bleu de la partie supérieure, avec des nuages chargés de pluie qui dominent les sommets de l'autre côté du lac (ce qui se sent, sans se voir), et le vert-brun du terrain qui occupe la moitié inférieure, avec les branches des arbres nus tendues pour relier les deux moitiés. Le calme des montagnes, le titre de l'œuvre, transparaît clairement et imprègne l'esprit de l'observateur. Le tableau est présenté dans un cadre contemporain.

Aperçu vénitien 1940

Huile sur panneau dur. Signé et daté en bas à droite. Le tableau fait partie de la production réaliste des années 1930-1940 de Pino Ponti, artiste vénitien formé à l'Académie avec Virgilio Guidi. Dans cette phase, sa peinture propose une représentation apparemment légère et improvisée de la réalité, qui est au contraire savamment élaborée et ambiguë. Après la guerre, à laquelle Pino Ponti participe en tant que partisan, sa peinture devient dramatique, de dénonciation, caractérisée par la présence de formes éparses, mais imprégnée d'une certaine agitation et d'accents grotesques. Le tableau est présenté dans un cadre.

Paysage surréaliste 1974

Technique mixte sur bois. Signé et daté en bas à droite. Autre signature et date au verso (1973, ne coïncidant pas pendant un an avec celle du verso). Bruno Artioli, artiste originaire de Nocera Umbra, était avant tout un paysagiste, qui interprétait à la fois avec un naturalisme classique et avec une pureté géométrique dans une touche abstraite. Dans cette deuxième clé de lecture, les regards de Bruno Artioli dépassent la réalité phénoménale pour acquérir un caractère totalement objectif, dénué de tout particularisme, les éléments du paysage finissant par se réduire à des formes pures et à des couleurs pures. L'œuvre présentée s'inscrit dans cette conception du paysage, clairsemé, géométrique, net dans chaque ligne ainsi que dans la subdivision des couleurs, qui conservent chacune leur identité propre et occupent un espace bien défini. Dans le cadre.