Jacob Reçoit la Tunique Sanglante de Joseph - Jacob reçoit la tunique ensanglantée de Joseph

Vierge à l'Enfant le Père Anges et Saints

Huile sur toile. École toscane de la fin des années 1500 - début des années 1600. La toile fait partie d'une grande production sacrée, qui exaltait la gloire de Marie et des saints proches du client. Au centre, Marie est assise sur un trône avec son petit fils dans ses bras, tandis qu'au-dessus, du ciel ouvert, le Père Éternel la bénit, avec le globe terrestre dans ses mains, symbole de sa puissance sur le monde ; Il est flanqué de deux anges. De chaque côté du trône se trouvent deux saints : à gauche, San Domenico di Guzman, vêtu de l'habit dominicain et tenant un lys et un livre dans ses mains ; à droite, dans son habit caractéristique, saint François d'Assise, tenant la croix en forme de Tau et de livre, et sur les mains duquel on voit les signes des stigmates. L'ensemble de la scène est caractérisé par la nature statique des personnages encore typiques de la période de la Renaissance, par des couleurs vives et par des traits composés et délicats des visages. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre ancien.

Peinture à l'huile sur toile. Ecole italienne du XVIIIème siècle. Dans un paysage plutôt aride, avec des ruines architecturales à gauche et des sommets enneigés en arrière-plan à droite, quelques bergers passent le long du chemin, conduisant leurs troupeaux de vaches, moutons et chèvres. Dans le cadre du paysage nordique, la teinte rosée du ciel et le caractère pastoral de la scène donnent cette atmosphère idéaliste typique de la peinture de paysage du XVIIIe siècle, où la satisfaction du sentiment prévalait plutôt que l'intention de transposition réaliste. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre d'époque.

Peinture à l'huile sur toile. École flamande du XVIIe siècle. Déjà attribué à Jan Peeters (1624 -1677), le tableau s'inscrit pleinement dans le style et le genre de l'auteur qui, travaillant dans l'atelier de son père puis dans celui de son frère Bonaventura, se spécialise dans les marines, surtout dans la "Fortune di mare" , c'est-à-dire les accidents dus à la mer, et à tout autre événement causé en mer par des événements fortuits ou des obstacles insurmontables, qui donc en peinture deviennent des représentations de tempêtes avec des navires et des équipages à la merci des événements. C'est exactement de cela qu'il s'agit dans le tableau proposé ici : des navires, pleins d'hommes, sont à la merci des hautes vagues d'une tempête nocturne, près de la côte qui, avec ses rochers saillants, a déjà causé le naufrage de quelques petites embarcations . On perçoit la lutte des hommes, petits et sans défense, contre les forces de la nature, dominantes, violentes, sombres et hostiles, qui dominent et attaquent les bateaux tant de la mer que du ciel, sombre et noir. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre d'époque.

Peinture à l'huile sur toile. Ecole toscane du XVIIe siècle. Descendant d'une ancienne lignée lombarde d'Aquino (dans la province de Frosinone), Tommaso (né vers 1226) se rendit à Naples pour étudier, en 1243 il entra dans l'ordre des prédicateurs dominicains contre la volonté de ses proches, mais lors du voyage vers le nordiste a été arrêté par ses frères et retenu prisonnier pendant environ un an. Dans la scène, le jeune saint au centre, déjà vêtu de l'habit dominicain, est entouré des deux côtés par quatre personnages richement vêtus, précisément ses proches, dont probablement sa mère, qui le tiennent gentiment, l'embrassant presque, tout en faisant des gestes des mains et des regards affligés et amoureux tentent de le convaincre, le suppliant presque. Les personnages sont également placés dans une prison, comme l'indiquent les barreaux de la fenêtre de droite, pour souligner l'action coercitive effectuée. Riches et détaillés sont les détails des vêtements des personnages, avec des couleurs vives qui contrastent avec la robe de Thomas, des mouvements plastiques proprement au goût baroque. Déjà restauré et rentoilé, le tableau est en bon état, avec des craquelures évidentes. Il est présenté dans un cadre ancien relaqué et redoré.

Tempera sur papier, appliquée sur panneau dur. L'épisode biblique représenté, raconté dans le livre de l'Exode, raconte comment le jeune Moïse, à la cour du pharaon d'Égypte, défend les sept jeunes filles du prêtre Jetro, harcelées par certains bergers madianites alors qu'ils tirent de l'eau du puits. Suite à cette intervention, Moïse recevra comme épouse l'une des filles de Jetro, Sefora. Sujet largement re-proposé dans l'art, il est ici présenté avec une attention particulière à la composante portrait, avec une exacerbation particulière des traits expressifs, tant dans les visages que dans les poses, des personnages. La scène est très animée, avec la figure de Moïse au centre, vigoureux et combatif, qui sépare le champ en deux: à sa gauche les sept filles, chacune caractérisée par un comportement différent; à droite les bergers importuns, qui souffrent de la colère de Moïse. En arrière-plan, un paysage typique des productions du XVIIIe siècle, avec une ruine architecturale derrière le puits. L'œuvre est présentée dans un cadre en style.

Huile sur toile. Intense et de qualité, le tableau représente un monarque de la maison royale d'Écosse. Autour du portrait, dans un cadre ovale peint, il y a quelques écritures : le nom Rober (t) apparaît en haut à gauche, le titre Rex en bas à gauche et l'abréviation Scot à droite, qui signifie Scotorum ; l'écriture en haut à droite n'est pas identifiable, mais il semble qu'il s'agisse d'un acronyme. L'homme représenté porte un chapeau et une veste ornés de fourrure d'hermine, considérée comme la fourrure la plus noble réservée à la royauté. Il porte un pendentif en or autour du cou, qui représente deux feuilles avec le fruit du chardon, qui en héraldique symbolise l'Écosse. L'écriture et le pendentif font donc référence à un Robert d'Ecosse, probablement de la dynastie qui régna au XIVe siècle. Le portrait a également été exécuté dans la période romantique du XIXe siècle, en utilisant probablement des gravures anciennes pour s'inspirer. Restaurée et regarnisée, elle est présentée dans un cadre d'époque.

Huile sur toile. Ecole lombarde. Le tableau représente au premier plan à gauche, à l'ombre des feuillus, les deux saints assis sur des rochers, partageant un pain ; Saint Paul vêtu traditionnellement de peaux de bêtes, Saint Antoine l'abbé avec l'habit de l'ordre et le livre de prières à la main. Les deux saints ont souvent été représentés ensemble car ils ont de nombreux traits communs : tous deux ont vécu au IIIe siècle, tous deux égyptiens, très jeunes ont quitté tous leurs biens pour se consacrer à une vie de complète solitude, vivant dans la prière et la pauvreté. Sant'Antonio Abate était l'un des ermites les plus célèbres de l'histoire de l'Église. Saint Paul l'Ermite a également vécu toute sa vie dans le désert dans une solitude totale, selon le récit hagiographique, nourri uniquement du pain qu'un corbeau lui apportait régulièrement. À l'approche de sa mort, il reçut la visite de Sant'Antonio Abate, avec qui il partagea ce pain. Dans cette représentation, le contexte paysager ne fait pas référence aux terres désertiques d'Égypte, mais plutôt à celles-ci se situant dans un paysage nordique et alpin. A droite un paysage ermite, bien que verdoyant et avec un petit ruisseau en bas à droite. La peinture, déjà restaurée et regarnisée, présente un frisage très évident. Il est présenté dans un cadre élégant.

Huile sur toile. L'ensemble de la scène est jouée sur le clair-obscur du noir et du rouge, avec des flammes de feu qui fait toujours rage entre les tours et les clochers de la ville: au premier plan, les chiffres d'Énée avec son père Anchise sur son épaule, et son petit fils Ascagne à ses côtés alors qu'ils fuient la ville; à droite, au deuxième étage, le cheval de Troie. Bien que près du même objet d'Alessio De Marchis (1684-1752), la peinture se réfère également que le style de la peinture flamande. Restauré et ritelato. Il est présenté dans l'ancien cadre.