Jacob Reçoit la Tunique Sanglante de Joseph - Jacob reçoit la tunique ensanglantée de Joseph

Huile sur toile. XVIIIème siècle. Les deux paysages disposés le long de la côte maritime, sont remplis par les nombreux bateaux amarrés, parmi lesquels on peut voir à la fois des galions de guerre et des bateaux de pêche, et sont animés par de nombreuses figurines engagées dans leurs activités maritimes. Dans l'un des deux se détachent sur la droite les ruines d'un petit château. Ces peintures font partie d'une importante production paysagère diffusée au XVIIIe siècle, qui aimait à insérer des ruines et des vestiges d'une époque révolue, notamment classique, dans des paysages et des aperçus de la vie actuelle; le genre pictural du capriccio architectural a voulu proposer un monde suspendu entre réalité et fantaisie agitée, où les personnages, petits et sommaires, vivent dans un scénario irréel car archaïque, désuet, et la pauvreté et la simplicité du présent contrastent avec l'opulence de the vestiges of the past. Restaurés et rentoilés, les deux tableaux sont présentés dans des cadres contemporains en bois sculpté et doré.

Peinture à l'huile sur toile. XVIIIème siècle. Les deux tableaux proposent des vues dominées par d'imposantes ruines architecturales animées par des personnages populaires ; dans l'un, situé près d'un port de mer, un obélisque se dresse au centre, qui se dresse parallèlement aux mâts des bateaux derrière lui et à la colonne avec la statue d'un chevalier à droite ; dans l'autre tableau, les vestiges imposants d'un palais classique en ruine dominent le doux paysage fluvial. Les deux tableaux font partie d'une grande production du XVIIIe siècle répartie surtout dans la région de la Vénétie, qui proposait un monde suspendu entre réalité et fantaisie agitée, où les personnages, petits et sommaires, vivent dans un scénario irréel parce qu'archaïque, dépassé et poverty and simplicity of the present contrasts with the opulence of the vestiges of the past. Les tableaux, restaurés et rentoilés, sont présentés dans des cadres contemporains en bois sculpté et doré.

Huile sur toile. XVIIIème siècle. Les deux scènes, animées par de nombreuses figurines de voyageurs et roturiers. elles sont dominées dans le demi-champ droit par d'importantes structures architecturales, de palais ou de temples classiques, en ruines mais toujours imposantes ; à gauche s'ouvre un vaste paysage, traversé par un ruisseau. Les peintures font partie de cette grande production de ce sujet pictural qui s'est répandu au XVIIIe siècle en particulier dans la région de la Vénétie, qui proposait un monde suspendu entre réalité et fantaisie agitée, où les personnages, petits et sommaires, vivent dans un scénario irréel car archaïque , outdated, and the poverty and simplicity of the present contrasts with the opulence of the vestiges of the past. Restaurés et rentoilés, les deux tableaux sont présentés dans un cadre contemporain en bois sculpté et doré.

Huile sur toile. École toscane de la fin des années 1500 - début des années 1600. La toile fait partie d'une grande production sacrée, qui exaltait la gloire de Marie et des saints proches du client. Au centre, Marie est assise sur un trône avec son petit fils dans ses bras, tandis qu'au-dessus, du ciel ouvert, le Père Éternel la bénit, avec le globe terrestre dans ses mains, symbole de sa puissance sur le monde ; Il est flanqué de deux anges. De chaque côté du trône se trouvent deux saints : à gauche, San Domenico di Guzman, vêtu de l'habit dominicain et tenant un lys et un livre dans ses mains ; à droite, dans son habit caractéristique, saint François d'Assise, tenant la croix en forme de Tau et de livre, et sur les mains duquel on voit les signes des stigmates. L'ensemble de la scène est caractérisé par la nature statique des personnages encore typiques de la période de la Renaissance, par des couleurs vives et par des traits composés et délicats des visages. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre ancien.

Huile sur toile. Ecole napolitaine du XVIIIe siècle. La scène, située près de la mer, est dominée par un grand complexe de ruines architecturales, avec des statues, des arcs, des jardins suspendus, et animé par de nombreuses figurines de roturiers avides d'activités diverses. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre ancien.

Jour de fête au Village

Huile sur toile. Au dos du tableau se trouvent quelques étiquettes : une provenant d'un marché anglais (probablement une vente aux enchères du début des années 1900) portant le titre ; une seconde d'une galerie milanaise via Montenapoleone (des années 1930) et enfin une étiquette d'une importante collection privée. La scène propose un moment de fête dans un village nordique : au centre de la rue, des hommes et des femmes dansent et discutent, tandis que d'autres s'assoient à des tables pour boire et jouer, enfants et animaux se poursuivent ; l'ambiance est animée et joyeuse. Le style pictural et les méthodes d'exécution sont compatibles avec la production de David Teniers III (fils de David Teniers II le Jeune), peintre flamand qui inclut dans sa production diverses scènes de fête et de vie villageoise. Restaurée et rentoilée à la fin du XIXe siècle, avec un cadre de la même époque.

Peinture à l'huile sur toile. Ecole d'Europe du Nord. La peinture dans des tons calme propose au spectateur, personnifiée par la figure de l'homme en bas à droite qui observe l' ascension d' une branche d'arbre, une scène de divertissement orgiaque entre les hommes et les femmes dans un paysage qui évoque Eden avec des animaux libres et en paix ( le paon, les lapins..). Parmi les autres, à gauche, un enfant joue avec des bulles de savon : l'intention d'opposer la fugacité de la vie aux plaisirs des sens est évidente ; haut dans les nuages, une divinité observe la scène, Chronos, le dieu du temps, qui avec sa faux souligne la mortalité humaine. Une étiquette sur le cadre attribue l'œuvre au Flamand Philippe-Augustin Immenraet (1627-1679), en raison de la proximité du paysage sujet à son style. L'œuvre, restaurée et rentoilée, présente une chute de couleur centrale. Il est présenté dans un cadre élégant.

Peinture à l'huile sur toile. Jean-Baptiste était représenté, enveloppé dans la traditionnelle peau de bête, assis sur un rocher contemplant le crucifix ; en bas à droite, une source d'eau, symbole baptismal, jaillit du rocher. Ses signes iconographiques traditionnels apparaissent alors, témoins de ses particularités missionnaires, bien que la pose du saint soit atypique, plus contemplative que celle d'un prédicateur. Les modalités picturales sont proches de l'école espagnole de dérivation à Murillo, le plus grand artiste espagnol du baroque religieux, qui imprégnait ses figures d'une intense interprétation psychologique. Le tableau, restauré et rentoilé, est présenté dans un cadre contemporain ancien, avec de petits manques.

Huile sur toile. Intense et de qualité, le tableau représente un monarque de la maison royale d'Écosse. Autour du portrait, dans un cadre ovale peint, il y a quelques écritures : le nom Rober (t) apparaît en haut à gauche, le titre Rex en bas à gauche et l'abréviation Scot à droite, qui signifie Scotorum ; l'écriture en haut à droite n'est pas identifiable, mais il semble qu'il s'agisse d'un acronyme. L'homme représenté porte un chapeau et une veste ornés de fourrure d'hermine, considérée comme la fourrure la plus noble réservée à la royauté. Il porte un pendentif en or autour du cou, qui représente deux feuilles avec le fruit du chardon, qui en héraldique symbolise l'Écosse. L'écriture et le pendentif font donc référence à un Robert d'Ecosse, probablement de la dynastie qui régna au XIVe siècle. Le portrait a également été exécuté dans la période romantique du XIXe siècle, en utilisant probablement des gravures anciennes pour s'inspirer. Restaurée et regarnisée, elle est présentée dans un cadre d'époque.

Mater Dolorosa

Huile sur toile. Copie du sujet réalisé par Titien, qui a fait trois autographes différents, différents par la pose de la Madone: 1. Mater Dolorosa avec ses mains ouvertes (huile sur marbre, au musée Prado à Madrid); 2. Mater Dolorosa avec ses mains jointes (huile sur panneau au musée Cerraibo à Madrid); 3. Mater Dolorosa avec ses mains ouvertes (huile sur panneau, passé aux enchères, New York, 06/04/2006). Ces œuvres remontent au milieu du XVI siècle, mais à la suite de ceux-ci et sur toile, autres variantes existent, attribuées à l'artiste Vénitien et son atelier. C'est bien connu que Titien ajoutait petits changements dans ses autographes réplications pour renforcer l'effet d'authenticité. Cette copie, datant du siècle suivant, est néanmoins d'une excellente qualité exécutive. Au dos, il y a un monogramme (dans la fenêtre de la toile) qu’est probablement la signature de l'artiste. Le tableau, restauré et remis en toile, est présenté dans un cadre antique.