Huile sur Table par G. C. Vinzio Italie XX Siècle - Libeccio

Huile sur toile. La grande composition, non signée, propose un ensemble d'aliments sur la table d'une cuisine simple : un grand panier rempli de légumes du jardin, également éparpillés à l'étage inférieur, une assiette de fromages, deux poissons déjà nettoyés ; puis se détache, sur le mur du fond, l'autel à l'image sacrée... flanquée d'une tresse d'ail ! Le tableau est présenté dans un cadre doré de la première moitié du XXe siècle.

Portrait d'un enfant

Huile sur toile. Signé en bas à droite. Peintre palermitain, Francesco Camarda s'est distingué pour la peinture figurative, dédiée au portrait et au nu, et surtout pour la peinture animalière, dans le sillage de la production réaliste des frères Palizzi. Il a su exprimer une peinture avec une couleur vive et fraîche. Dans cette petite toile est proposé le portrait d'un enfant assis sur une chaise, cagoulé pour encadrer le visage dodu et souriant, le regard direct, les petites mains dodues posées sur les genoux dans une pose fière et résolue. L'oeuvre est présentée dans un cadre contemporain.

Nu de femme

Huile sur toile. Signé en bas à droite. Istvan Mero était un peintre impressionniste hongrois formé d'abord à Budapest, puis à Paris et à Munich. Sa production picturale propose souvent des sujets figuratifs populaires, comme ce portrait féminin représentant une jeune femme nue prise entre les draps, ... en lisant un journal, perdant tout sens érotique pour souligner un moment d'intimité domestique. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre contemporain avec de petits manques.

Paysage fluvial

Huile sur panneau dur. Signé en bas à gauche. Peintre, sculpteur et architecte, Carlo Bonomi, après une formation à l'Académie de Brera, ouvre un atelier à Milan avec Carlo Carrà, Giannino Castiglioni et Barilli. Sa peinture se caractérise par des couleurs vives - jaune, rouge et brûlé - étalées de substance matérielle, comme s'il pressentait une troisième dimension dans la peinture. Il a créé des œuvres de taille monumentale, pleines de personnages, vus dans leur vie quotidienne : des gens humbles et industrieux, avec de profondes motivations religieuses et humaines. Il n'a jamais oublié, au contraire, il a plutôt exalté son extraction populaire. Dans cette oeuvre l'artiste propose un grand paysage de campagne où coule une rivière, peut-être le Tessin des lieux habités par l'artiste : contrairement à beaucoup de ses autres oeuvres, les couleurs, qui privilégient les gammes de vert, jaune et bleu, se déploient avec coups de pinceau larges dans des tons doux, sans contrastes. L'oeuvre est encadrée.

La femme au chien, 1924

Aquatinte en couleurs. Signé en bas à gauche et à droite au crayon ; numéro de série 160/200 en bas à gauche. Pierre Bonnard, peintre, graveur et photographe français, a commencé à peindre pendant ses études de droit à Paris, mais a rapidement abandonné l'art de la médecine légale pour se consacrer uniquement à la peinture. En 1888, à l'Académie Julian à Paris, Pierre Bonnard fonde avec Paul Sérusier, Maurice Denis et Paul Ranson, le groupe de peintres Nabis (Prophètes), groupe qui s'inspire des œuvres et de la poétique de Paul Gauguin dans leurs idéaux esthétiques., pour le dépassement du naturalisme impressionniste par un retour à l'art primitif et japonais. En 1891, Pierre Bonnard crée sa première étiquette pour une entreprise viticole, des lithographies pour "La Revue Blanche" (où les Nabis se sont rencontrés) et conçoit également des projets de mobilier et de décoration de paravents impliquant Toulouse-Lautrec avec la qualité décorative de ses peintures et sa personnalité personnelle. utilisation de la couleur. En 1892, il expose certains de ses panneaux décoratifs au Salon des Indépendants, commençant à intéresser les critiques d'art. Peu à peu, le peintre abandonne les tons gris académiques et expérimente avec enthousiasme la rencontre de l'art avec le monde des choses banales colorées. Ses œuvres, bientôt reconnaissables aux couleurs irisées, aux lignes lumineuses et à la perspective ouverte, furent largement appréciées. En 1896, il organise sa première exposition personnelle et sa renommée s'étend à l'Europe avec des expositions en Suède et en Norvège. Passé sous l'influence du courant de l'Art nouveau, Bonnard s'est intéressé aux estampes japonaises, très en vogue dans le monde artistique parisien à la fin du XIXe siècle, au point d'en porter quelques traits dans ses toiles : Bonnard sera surnommé le " Nabi japonais". Avec son ami Edouard Vuillard, il développe également un nouvel intérêt pour les scènes d'intérieurs domestiques intimistes, un genre qui deviendra connu sous le nom d'"Intimisme" et qui propose le monde parisien dans les années précédant la Première Guerre mondiale. En 1910, Pierre Bonnard découvre le sud de la France et commence ainsi à peindre des paysages lumineux. Au cours des vingt dernières années de sa carrière artistique, il a continué à peindre, allant dans tous les sujets et dans toutes les techniques qui lui plaisaient, créant des peintures décoratives mais aussi de nombreux croquis et dessins, des œuvres lithographiques en couleurs ou en noir et blanc, des affiches, des illustrations pour livres et magazines qui ont influencé l'art moderne. L'aquatinte présentée ici fait partie d'une importante production des années 1920 de ce sujet, la "femme au chien", proposé dans de nombreuses variantes. Il est présenté dans un cadre.

Les Bouches de Naples gemissent de Terreur ou de Plaisir 1969

Encre sur papier. Signature, date et titre ci-dessous. Accompagné d'une authentification sur photo de la Galleria Giò Marconi à Milan et d'un cachet d'archives privées. C'est le dessin du jeune artiste qui est rapidement devenu l'un des représentants les plus importants du surréalisme mondial, qui était poète et peintre, mais aussi cinéaste, critique d'art et de cinéma, photographe et dessinateur humoristique. Né dans le nord de la France, il s'installe en 1927 à Paris, où il entre en contact avec un groupe de jeunes poètes et philosophes, avec lesquels il fonde le mouvement du ''Grand Jeu'' : le jeu est compris comme un art de vivre. Depuis 1928 il collabore à des textes, des poèmes et des dessins pour la revue du mouvement et entre-temps il collabore comme éditeur et reporter à divers journaux parisiens. En 1932, ayant épuisé l'expérience du `` Grand Jeu '', il passe à le mouvement surréaliste, collaborant à ses publications et participant à ses expositions. Son humour se tourne vers l'insolite et la cruauté, dérisoire de plus en plus de l'absurdité du quotidien, du côté tragique de l'existence commune, auquel l'esprit et l'inconscient se rebellent, tentant d'accéder à l'inobservable. Connaît Salvador Dalí. En 1939, il débute également son activité de cinéaste.En 1941, sa première exposition personnelle a lieu à Paris : le premier acheteur est Pablo Picasso. Participe à toutes les expositions surréalistes, dont celle internationale de 1947 à Paris. En 1951, pour des raisons tenant à la discipline interne du groupe, il abandonne avec d'autres le mouvement surréaliste, tout en continuant à en pratiquer la poétique. En 1955, il se passionne également pour la photographie. Depuis 1968, il se consacre presque exclusivement à la peinture, abandonnant l'activité de dessinateur humoristique. La même année, il s'installe définitivement à Milan : en Italie, il expose dans diverses expositions personnelles, celles de Milan à la Galleria Marconi. L'œuvre présentée ici, un dessin de jeunesse, provient d'une importante collection privée milanaise. Il est présenté dans un cadre.

Aperçu vénitien

Huile sur toile. Signé en bas à droite. Peintre, sculpteur et céramiste, l'artiste turinois Giovanni Riva a participé à de nombreuses revues et expositions nationales, dont la Biennale de Venise en 1940 et 1942. Parmi sa production de céramiste, on retiendra particulièrement les visages de nombreuses poupées Lenci. En peinture, il s'est surtout consacré à des aperçus de Turin, Milan et Venise, rendus avec une grande spontanéité et immédiateté, ainsi qu'à des scènes de genre. L'étude systématique de l'art ancien, l'adhésion aux idéaux de la Renaissance de la sculpture de Donatello, Michel-Ange et Giambologna ont poussé Giovanni Riva vers l'adoption d'un code expressif proche du goût du XIXe siècle romantique, plutôt que vers un dynamisme futuriste ou des visions surréalistes. . L'aperçu vénitien proposé ici est présenté dans un cadre de style.

Composition avec armure de sablier et livres

Huile sur table. Signé en bas à droite. Né à Milan en 1913 et formé à l'Académie de Brera (dont il deviendra plus tard professeur), Adriano Gajoni se passionne pour l'étude des peintres lombards du XVIIe siècle et de la peinture hollandaise et flamande du XVIIe siècle, dont il tire le réalisme méticuleux se laisse inspirer. D'une stricte observance figurative, Gajoni privilégie les paysages, les portraits et surtout les natures mortes, qu'il exprime dans des compositions féériques et allégoriques. Il a principalement pratiqué la peinture à l'huile sur bois et panneaux durs. Cette composition propose une armure, posée sur une table accompagnée de quelques textes enluminés et d'un sablier. Le goût des compositions aromatiques anciennes est redécouvert. Dans le cadre.

La route de campagne

Huile sur panneau dur. Signé en bas à gauche. S'étant installé enfant avec sa famille à Milan en 1898, encore très jeune, Raoul Viviani s'inscrit à l'Académie de Brera, où il étudie sous la direction de Giuseppe Mentessi (1857-1931). Parallèlement il fréquente l'école de nu de la Famille Artistique, avec laquelle il expose pour la première fois à l'âge de 17 ans, rencontrant immédiatement un grand succès auprès du public et de la critique, en tant que paysagiste à forte personnalité et modernité et pour son style très original caractérisé par de fortes expérimentations chromatiques. En 1912, il participe à la Biennale de Venise et participe par la suite à de nombreuses expositions nationales et internationales. À partir de 1926, il débute sa carrière dans le domaine de la critique d'art, écrivant pour divers journaux, mais son opposition au fascisme le pousse à choisir l'exil volontaire : en 1931, il s'installe en Uruguay, où il fonde et dirige l'Académie des beaux-arts de Montevideo. De retour à Milan en 1937, il reprend son activité de peintre et de critique. Dans les années 1950, il s'installe à Rapallo pour des raisons de santé et y reste jusqu'à sa mort. Peintre paysagiste extrêmement original, qui s'adonne à la peinture à l'huile mais aussi à l'aquarelle et à la gravure, est très proche de la peinture pointilliste, développant cependant sa propre technique personnelle, caractérisée par de très fins filaments de couleur en forme de virgules fines, qui définissent les structures de ses paysages. Avec son transfert en Ligurie, le paysage ligure devient le protagoniste de ses œuvres et aussi sa technique muette, s'éloignant du pointillisme originel pour s'ouvrir à un coup de pinceau large et sommaire, qui aboutit finalement à une production de natures mortes de violentes et contrastées couleurs. Dans cette œuvre où la caractéristique technique de Viviani est bien appréciée, le long du chemin de campagne qui longe le canal, apparaît une figure de femme, qui constitue une exception dans sa production, généralement dépourvue d'éléments figuratifs. Travail en cadre.

Portrait de femme

Technique mixte (pastels et détrempe) sur carton. Signé en haut à gauche. Originaire d'Alessandria et formée à l'Académie des Beaux-Arts Albertina de Turin, elle se consacre principalement aux paysages, aux personnages, et surtout aux portraits, en les faisant de diverses personnalités du monde du spectacle et du cinéma italien. Dina Bellotti est également connue comme "la peintre des papes". À partir de la première moitié des années soixante-dix, en effet, il a réalisé des portraits de Paul VI et, plus tard, de Jean-Paul II, conservés au Vatican et utilisés comme images officielles des papes. Le portrait proposé ici est celui d'une dame raffinée, qui se laisse dépeindre dans une pose désinvolte et langoureuse : le blanc aux nuances bleues du chemisier de la femme se détache sur le camaïeu beige du fond, de la jupe, du fauteuil, qui s'estompent sans contraste jusque dans la couleur de la peau. Le tableau est présenté dans un cadre contemporain.

Visage masculin

Huile sur toile. Signé en bas à droite. L'artiste milanais Carlo Jacono était un illustrateur et un peintre : son style incomparable, la maîtrise dans l'exécution, la prolificité et la capacité artistique en plus de 50 ans de carrière, le savoir se prêter à différents genres et le grand succès auprès des lecteurs et des éditeurs fait de lui l'un des maîtres de l'illustration italienne et l'un des noms les plus appréciés et les plus connus de la scène de l'illustration nationale et internationale. On l'appelait aussi "l'Homme du cercle", pseudonyme dû à la mise en page de plusieurs de ses couvertures en rose, policier, science-fiction, italien, anglais, suédois, norvégien, américain (on rappelle, parmi tant d'autres, les couvertures de la série "Il giallo Mondadori"), ou plus simplement du seul nom de famille, Jacono, avec lequel il s'est signé. À partir de 1970, Jacono se lance également dans une carrière de peintre, exposant dans des expositions personnelles en Italie et à l'étranger, préférant une veine figurative à connotation romantique qui trouve son chef-d'œuvre dans la série "Les guerriers". Ils disaient de cette mise en scène : "ce sont des apparitions de guerriers d'autres temps, que l'imagination vient à réaliser jusque dans les traits infimes du visage, et à imaginer dans les actions les plus téméraires". Probablement le tableau présenté ici fait également partie de cette série : il s'agit du visage d'un guerrier nordique, comme on peut le déduire de la coiffe de fourrure qui encadre le visage fier et concentré dans lequel se détachent les yeux bleus froids, et du métal bruni collier gravé de signes graphiques faisant référence aux runes nordiques; mi-longueur, on voit les bretelles de l'armure. Le tableau est présenté dans un cadre.

Portrait du Dr. Libéro Mazza 1972

Huile sur toile. Signé et daté en bas à gauche. Au dos, écrit à la main "Portrait du Dr Libero Mazza, préfet de Milan, réalisé dans mon atelier", suivi de la signature supplémentaire de l'artiste et de la date. Vénitien mais milanais d'adoption, Attilio Melo a étudié à l'Académie de Brera et, avec son père, un peintre de fresques apprécié. Dès son plus jeune âge, il s'est imposé comme portraitiste; dans sa longue et brillante carrière, des personnalités de renommée nationale et internationale ont posé pour lui, issues d'univers différents : politiques (comme De Gasperi, Gronchi) et religieux (Cardinal Martini), artistes du monde du spectacle, de la musique, du théâtre (Ingrid Bergman , Frank Sinatra, Sophia Loren ....) et la danse (Rudolf Noureev). Il était aussi un paysagiste, même de lieux étrangers, mais privilégiant toujours le paysage de ses terres d'origine et d'inspiration, Milan et Venise. Son style est particulier, composé de longs coups de pinceau, presque des bandes de couleur, qui créent un cadre chromatique évocateur autour des personnages représentés. Le tableau proposé ici est présenté dans un cadre contemporain.