Femme avec Écharpe Bronze - Europe XX Siècle

Huile sur ardoise. Peinte sur une épaisse dalle d'ardoise, la scène présente le moment dramatique où Marie, entourée d'un groupe de femmes pieuses, pleure sur le corps de son Fils descendu de la Croix : elle s'abandonne dramatiquement dans les bras des deux femmes derrière elle, tandis qu'au sein de son ventre repose le corps inerte du Fils, sur la main duquel pleure une troisième femme ; au-dessus, un groupe d'anges qui regardent du ciel ouvert, d'où jaillit la Lumière divine, participent à la lamentation. Marie est la seule figure qui porte des vêtements aux couleurs vives, qui contrastent avec la couleur cireuse du corps du Christ reposant sur ses genoux, tandis que les autres femmes portent des vêtements aux couleurs ternes, tout aussi neutres sont les corps des petits anges. Les figures sont placées sur un fond sombre, dans lequel l'ouverture du sépulcre est à peine visible : l'effet chromatique est rendu grâce également à la base picturale utilisée, l'ardoise, une pierre également connue sous le nom de "tableau noir", comme la plus d'importantes carrières d'ardoise sont situées près de la ville de Lavagna en Ligurie. La modalité picturale rappelle les oeuvres de Pietro Mera dit le Flamand, peintre originaire de Bruxelles qui vécut entre le XVIe et le XVIIe siècle : actif longtemps à Venise, travaillant de 1570 à 1603 au service du Cardinal d'Este, Mera a largement utilisé l'ardoise comme support pictural pour certaines de ses œuvres. Le matériau avec sa couleur sombre caractéristique a permis à l'artiste de créer des contrastes lumineux intenses et de mettre en valeur les personnages, représentés avec une gamme chromatique lumineuse et éclairés par des touches de lumière brillantes. En bon état, le tableau est présenté dans un cadre ancien.

Presbytres Iohannis Abissinorum Imperii description

Gravure aquarellée. Il appartient au célèbre atlas "Theatrum Orbis Terrarum", publié pour la première fois par Ortelius en 1570, puis reproduit à de nombreuses reprises au fil des décennies. En bas à droite, il y a une indication du lieu décrit, l'empire abyssin, et qui l'a fait, le prêtre Johannes : Ortelius a toujours rigoureusement documenté la provenance des cartes géographiques qu'il a imprimées. Ci-dessus à gauche une brève généalogie des dirigeants de cet empire et la date de 1572. Pour l'exactitude et la précision scientifique de ses cartes, Ortelius est considéré comme l'un des fondateurs de la géographie historique. La gravure est en bon état, présente quelques gore d'humidité et la pliure centrale du livre d'origine. Il est présenté dans un cadre élégant.

Italie Renaissance

Sculpture en bois de châtaignier avec des résidus de laque polychrome représentant Sainte Lucie. La soucoupe aux yeux tenus dans la main gauche ramène au saint sicilien.

Rideau en soie d'origine appliqué sur un cadre en bois. Le grand tableau servait d'élément pictural décoratif ; à l'intérieur d'un cadre doré peint de volutes et volutes, sur fond vert, une composition de fleurs et de feuilles est peinte, partant du vase en bas au centre en continuité avec les décors du cadre. La toile présente une petite déchirure en bas à gauche.

Portrait d'un enfant

Huile sur toile. Signé en bas à droite. Peintre palermitain, Francesco Camarda s'est distingué pour la peinture figurative, dédiée au portrait et au nu, et surtout pour la peinture animalière, dans le sillage de la production réaliste des frères Palizzi. Il a su exprimer une peinture avec une couleur vive et fraîche. Dans cette petite toile est proposé le portrait d'un enfant assis sur une chaise, cagoulé pour encadrer le visage dodu et souriant, le regard direct, les petites mains dodues posées sur les genoux dans une pose fière et résolue. L'oeuvre est présentée dans un cadre contemporain.

Femmes en prière

Gravure, monotype. En bas au crayon, à droite la signature, à gauche le titre. L'artiste vénitien Tullio Silvestri a constamment exprimé dans sa production les modules de la peinture lagunaire de la fin du XIXe siècle, avec ses implications symbolistes, caractérisées par un signe lâche et rapide, en "action directe". Il a créé de nombreux monotypes, dont il était un interprète habile. Il aimait dépeindre des moments de la vie du pays, des faits et des personnages populaires ; il peint des processions, des aperçus, des personnages de taverne, des musiciens ambulants, représente des repasseuses, des paysannes, des dentellières, des joueurs de cartes et, comme dans le monotype proposé ici, des femmes en prière. L'oeuvre est présentée dans un cadre.

Portrait masculin de profil

Huile sur carton. signé en bas à droite, avec une dédicace "à l'ami G. Rutelli". D'origine modeste, Angelo Dall'Oca Bianca, même une fois devenu un artiste établi et apprécié, fréquentant le milieu artistique et culturel italien et international, a toujours maintenu le lien avec sa ville, source d'inspiration continue pour sa production artistique, et pour c'est pauvre; en 1939, il construit le village Dall'Oca à Vérone, au profit des pauvres de la ville, et en 1941, il fait un testament, léguant tout son argent et ses peintures à la ville de Vérone pour des œuvres caritatives. Sa peinture a toujours été d'un moule purement vériste, influencée surtout par le contact avec Giacomo Favretto qui lui a permis d'enrichir sa technique de peinture avec des couleurs vives et un style large et vaporeux, et par l'utilisation de la photographie comme mémoire pour la représentation de vérité. . L'œuvre, portrait d'un personnage masculin vu de profil, est vive dans les couleurs. Il est présenté dans un cadre élégant.

Paysage aux maisons 1875

Huile sur table. Signé et daté en bas à droite. Autre signature et date au dos. Artiste de la province de Pise, formé d'abord à l'Académie de sa ville puis à celle de Florence, grâce aux contacts avec Telemaco Signorini et Giovanni Fattori, Francesco Gioli a atterri sur la peinture d'après nature avec un sujet rural, créant des œuvres - comme le celui présenté ici - qui constitue l'expression du naturalisme toscan, dans lequel il a réussi à transmettre la nostalgie du passé et l'inconfort face à l'avancée du progrès. Au début du XXe siècle, il oriente sa production sur les vues florentines, accordant une importance particulière au rendu atmosphérique et luministique dans un sens impressionniste. L'oeuvre est présentée dans un cadre contemporain.

Visage de Madone 1942

Huile sur table. signé et daté en bas à droite. Le tableau reprend les modèles de la peinture toscane du XVe siècle, montrant la Madone à mi-corps avec un paysage en arrière-plan. Aldo Marzi était un artiste siennois qui partageait son activité entre la peinture et l'enseignement à l'Institut d'Art de sa ville. Il est surtout connu pour avoir réalisé certaines des bannières du Palio di Siena. Le travail est présenté dans un cadre de style.

Nu de femme

Huile sur toile. Signé en bas à droite. Istvan Mero était un peintre impressionniste hongrois formé d'abord à Budapest, puis à Paris et à Munich. Sa production picturale propose souvent des sujets figuratifs populaires, comme ce portrait féminin représentant une jeune femme nue prise entre les draps, ... en lisant un journal, perdant tout sens érotique pour souligner un moment d'intimité domestique. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre contemporain avec de petits manques.

Paysage avec fossile

Huile sur toile. Signature, date et titre au dos. C'est l'œuvre du peintre milanais Giulio Scapaticci, des artistes du courant pictural-politique qui au tournant des années 1950-1960 se définissait comme « Réalisme Existentiel ». Immédiatement considéré comme un artiste sensible aux questions existentielles, il se met à peindre le Milan des années 50 et 60 avec ses typiques maisons à balustrades, les fenêtres écaillées qui s'ouvrent sur un paysage urbain aux couleurs sombres, les banlieues industrielles grises et désolées, les bœufs écartelés et les poissons suspendus. sur les ongles. Au milieu des années 1970, il quitte Milan et s'installe à l'Oltrepò Pavese, où sa peinture se transforme, dépasse les précédentes expériences introspectives sombres et monochromatiques et dans ses peintures apparaît un monde rural fait de tons plus vifs et lumineux : fermes, natures, natures mortes, insectes, rivières, boucles sablonneuses au repos. De retour à Milan, il revient à partir des années 1980 pour dépeindre une humanité plus douloureuse, avec des insectes qui se transforment et s'installent pour couvrir des sensations de solitude et des silences volontaires. Le travail proposé ici fait partie de la production qui remonte aux années de l'Oltrepò Pavese. La scène est divisée en deux panneaux distincts : à gauche un aperçu de la campagne dominé en arrière-plan par le profil noir d'une ville industrielle, avec la silhouette d'un insecte au premier plan ; à droite, le cadavre d'un poisson, le fossile du titre. Les couleurs sont claires, mais une grisaille domine qui accentue la morosité de la scène. La peinture a un léger dommage en haut à droite. Il est présenté dans un cadre.

Aperçu d'une ville enneigée

Huile sur panneau dur. Signé en bas à droite. Né en 1905, Gaetano Valbusa a travaillé pendant plus de quarante ans comme ouvrier dans les Ateliers Mécaniques de Brescia, jusqu'à sa retraite, se consacrant à la peinture uniquement par passion. Peintre paysagiste, grâce aux voyages d'affaires, il a pu représenter des aperçus "en plein air" du monde entier, même si les aperçus des lieux de Brescia sont le sujet le plus récurrent. Affilié à l'Association des artistes de Brescia, il a pu exposer ses œuvres et se faire connaître de la critique. Dans ses toiles, les paysages sont imprégnés d'une grande sérénité et tranquillité, une élégie de souvenirs sereins de la vie réelle. L'aperçu proposé ici est présenté dans un cadre.