Huile sur Toile Sujet Historique Angleterre XIX Siècle

Café arabe

Huile sur table. signé en bas à gauche. Un sujet orientaliste qui propose le café arabe comme un lieu également chargé de fumer le narguilé, une activité à laquelle deux hommes s'adonnent : la scène se déroule en extérieur, devant l'entrée voûtée de la salle, avec le minaret en arrière-plan. L'œuvre fait partie de la production la plus caractéristique de Fabio Fabbi, peintre bolognais qui, suite à ses voyages en Orient à partir de 1886, se consacra presque exclusivement à ce genre pictural, dans lequel il put associer les thèmes de l'exotisme et du voyage. avec une esquisse rapide et vivante. Dès le début des années 1900, Fabbi se consacre également à une carrière d'illustrateur, illustrant de nombreux romans de la littérature classique, mais préférant ceux d'aventure, notamment les romans salgariens, dans lesquels il a pu exprimer sa passion pour l'exotisme. Le travail proposé est présenté dans un cadre de style.

Huile sur toile. Non signé mais agréablement réalisé, le grand portrait présente une petite fille placée en plein air, sur un chemin à flanc de colline près d'un lac, entourée de fleurs printanières ; elle est vêtue de rose, tient une mandarine dans une main et un petit parasol dans l'autre assorti aux chaussettes et aux lys orange qui fleurissent le long du chemin, autour du cou elle porte un collier avec de grosses perles jaunes. Malgré la vivacité des couleurs et du décor, la petite fille est extrêmement sérieuse et posée, presque triste. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre d'époque.

Intérieur d'une Église

Peinture à l'huile sur toile. Signé au dos. Issu d'une riche famille vénitienne, Vittore Zanetti Zilla a commencé à peindre en autodidacte, en s'inspirant de Giacomo Favretto, un ami de la famille, avant de passer à l'Académie des Beaux-Arts de Venise sous la direction de Guglielmo Ciardi. En effet, sur son modèle, il passe des scènes de genre de sa première période à la peinture de paysage. Commençant à voyager, d'abord en Italie, il se rapproche de très près de l'école napolitaine ; à partir de 1898, il entame ses longs voyages à l'étranger, qui le rapprochent des instances paysagères européennes les plus répandues, l'amenant à adopter un langage pictural très moderne. Il monte ses premières expositions personnelles notamment dans la région allemande et autrichienne, où il connaît du succès ; la contamination étrangère se produit aussi dans le choix de la technique picturale, passant de l'aquarelle à la peinture à l'huile et enfin à la tempera, qui le caractérisera plus tard. Avec la Première Guerre mondiale, Zanetti Zilla retourne en Italie, d'abord à Florence puis à Milan, mais se rapproche de très près du genre du paysage vénitien et se passionne finalement pour la nature morte. Avec le passage à l'utilisation de la détrempe, Zanetti Zilla affine cette technique qui deviendra son trait distinctif : à travers des coups de pinceau larges et gras, il crée des œuvres aux couleurs intensément vives et voilées d'un éclat de porcelaine obtenu grâce au vernis à l'huile final. L'œuvre présentée propose l'intérieur d'une église avec des personnages en prière. La technique picturale exprime déjà cette contamination de la peinture nord-européenne, la situant déjà dans la période de la fin du XIXe-début du XXe siècle. Le tableau est présenté dans un cadre doré du début des années 1900.

Peinture à l'huile sur toile. Signé en bas à droite "Morbelli". La scène se déroule dans un intérieur pauvre : debout de trois quarts, une femme, debout et encadrée dans l'ouverture sombre de la porte de derrière, s'approche d'une table sur laquelle se trouvent trois flacons différents ; la lumière entre par une fenêtre que l'on aperçoit sur le côté gauche, sous laquelle se trouve une boîte en bois. Particulier est le jeu des lignes du mobilier et des pièces de la pièce qui convergent des deux côtés et du haut vers la figure centrale, debout, sombre mais bien définie dans les contours non pas tant par des lignes, mais par le jeu de lumière et d'ombre. Le tableau, d'excellente main, rappelle l'œuvre picturale d'Angelo Morbelli (1853 -1919), l'un des grands artistes du pointillisme, qui s'est consacré à la représentation de figures et de scènes de matrice paysanne et populaire, dans le sillage de la littérature réaliste. . Le travail présenté est d' une excellente main, mais à notre avis l'attribution à Angelo Morbelli est pas durable, mais plutôt à un auteur Lombard anonyme inspiré par lui, et on croit que la conformité au style de Morbelli et sujets a probablement conduit à ajouter sa signature , pour rappeler au moins sa paternité d'inspiration. L'œuvre est présentée dans un cadre de style.

Huile sur toile. Il s'agit d'une représentation picturale d'un épisode tragique très probablement antisémitique. À droite un militaire en Russe uniforme, de retour à maison blessée, il se retrouve devant les yeux la scène dramatique de la famille massacrée, que le rabbin est en train de veiller en prière. La fenêtre cassé, les tiroirs retourné, montrent l'irruption forcée des assassins. À gauche du miroir nous trouvons une inscription en Hébreu qu'il pourrait suggérer la localisation ou la trace qui propose. Le mot pourrait être traduit avec du "Ciro", et il pourrait se référer à la zone de la Géorgie et Azerbaijan traversés par le Kura,fiume que de la Turquie il se jette dans le Mer Caspienne, note connue en le 800 comme Ciro. La peinture restaurée et réintolé est présenté en cadre de 800.

Peinture à l'huile sur toile. Le paysage romantique offre une campagne verdoyante près d'une rivière, sous un ciel de plomb plein de nuages gris ; sur le chemin au premier plan quelques chasseurs, à peine débarqués du bateau amarré, suivent leurs chiens vers le maquis des arbres. Le tableau, en bon état, est présenté dans un cadre contemporain, orné de volutes feuillagées aux angles, avec quelques manques et traces de restauration.

Le Voilier Astrea 1904

Gouache sur papier. Signé et daté 1904 en bas à droite. Sur la gauche le nom du navire. Antonio De Simone fait partie de la catégorie des maîtres marinistes, une catégorie qui est née depuis le XVIe siècle et a eu une grande ferveur dans les états de grandes traditions maritimes, de la Hollande à l'Angleterre, de la France à l'Espagne, en Italie et presque partout dans le reste de le continent européen, prenant comme sujet tout ce qui était lié à la vie maritime. La plus grande popularité de ce genre d'art a été atteinte au XIXe siècle et s'est poursuivie jusqu'aux années 1940, à la dernière période de la voile et de l'avènement des bateaux à vapeur. En Italie, les artistes des écoles de peinture et de la mer de Campanie et de la Ligurie ont produit de nombreux tableaux, dont certains sont des "portraits de navires": ce groupe comprend la production des frères napolitains De Simone, qui se sont spécialisés précisément dans les portraits de navires de luxe importants et célèbres, à la voile ou bateaux à vapeur. La gouache est présentée dans un cadre.

Huile sur toile. Dans les Annales de Tacite, la mort de Sénèque, commandée par l'empereur Néron, dont Sénèque fut le maître, est racontée en détail, avec l'accusation d'avoir participé à un complot contre lui. Le sujet a été largement représenté dans l' art, en raison du pathos intense qu'elle transmet: Sénèque - qui choisirent le suicide contre l' exécution par la main d'un bourreau - est représenté sur son lit de mort, avec le médecin qui l'aide dans le passage, tandis que. il dicte ses dernières volontés à son ami et sa femme Paolina pleure à ses pieds. Le tableau présente des pertes de couleur généralisées, qui nécessitent une restauration. Il est présenté dans un cadre doré contemporain du début des années 1900.

La rencontre du centurion Corneille avec l'apôtre Pierre

Technique mixte sur papier (fusain, plume, encre brune, aquarelle et céruse). Signé Pasqual Otin en bas à gauche ; provenant d'une collection privée, on retrouve les marques des deux collections précédentes, Dalla Bella et Frigerio. Le travail est également accompagné d'une étude critique par le dr. Francesco Vincenti et un certificat d'authenticité de la Collection Orler. Il s'agit d'un dessin passionnant de Pasquale Ottino dit Pasqualotto, peintre véronais (le patronyme Otin correspond à l'expression vénitienne) qui, après une période de formation à Rome, s'est lancé dans une carrière de peintre à Vérone marquée « par le luminisme caravagesque décliné en le style vénitien avec l'utilisation d'un colorisme robuste ". Dans ce dessin également, la tendance Contre-Réforme est déjà perçue, pour le sens de l'enseignement immédiat, lié à l'expressivité dramatique des personnages. L'épisode raconté, tiré des Actes des Apôtres, voit un centurion romain qui implore la bénédiction de Pierre, à l'intérieur d'une pièce éclairée par la fenêtre et remplie d'autres personnages du journal, le préposé à droite et le serviteur qui apporte du pain et du vin sur le plateau de gauche. Central est le regard intense entre les deux protagonistes, accompagné d'un soupçon de sourire sur leurs lèvres, pour exprimer la joie de la rencontre du Salut. Le travail est encadré avec style.

Huile sur toile. XVIII -XIX siècle. Le thème sacré dans cette scène prend une connotation familière, pleine de tendresse et d'intimité très terrestres : dans un contexte presque exotique, qui évoque une oasis dans le désert pour les palmiers et une source d'eau dans un paysage aride et vallonné, dénudé, Joseph et Marie s'assoient pour se reposer pendant leur fuite en Égypte, pour échapper à la persécution d'Hérode ; la mère tient tendrement l'enfant Jésus sur ses genoux, le regarde tendrement et l'emmaillote, tandis que Joseph les observe satisfaits et détendus. Toute la scène est caractérisée par la dominance des couleurs brun-ocre, dont seule la robe de Maria diffère, dans ses couleurs bleues et rouges traditionnelles ; en arrière-plan, un ciel clair aux couleurs d'une aube qui vient de se lever, avec des nuances de rose. La toile a été appliquée sur un châssis neuf du milieu des années 1900 et placée dans un châssis de la même époque, qui présente quelques défauts.

Huile sur toile. Ecole italienne du XVIIIe siècle. C'est un grand paysage vallonné, riche en végétation et traversé par un petit ruisseau, le long duquel deux hommes, au centre de la scène ci-dessous, pêchent dans un bassin d'eau. Au-dessus d'eux, un ciel plein de nuages, qui s'estompent au loin, évoquant des pluies imminentes. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre doré du milieu des années 1900.

Huile sur table. Ecole italienne du nord (vénitienne ?) du XVIIIe siècle. La forme de la table suggère que le tableau faisait partie d'un ensemble d'ameublement, inséré dans une structure murale composite avec d'autres scènes mythologiques et allégoriques. Le tableau représente un épisode mythologique relaté dans les Métamorphoses d'Ovide : Mercure s'apprête à endormir Argus avec les mélodies persuasives de sa flûte, puis le tue sur ordre de Jupiter. Argos, le berger aux cent yeux et doté d'une grande force, avait été chargé par Junon de veiller sur la jeune Io, aimée de Jupiter et transformée par lui en génisse. Dans cette représentation, placée dans un paysage bucolique, Mercure peut être identifié avec son chapeau et ses chaussures ailées, tout en jouant de sa flûte, et Argus assis regardant la génisse blanche derrière lui : comme dans de nombreuses représentations de ce mythe, également dans des œuvres de grande renommée , Argo est dépeint comme un simple berger, sans cent yeux et sans dons particuliers. La dimension bucolique plutôt que dramatique souligne l'intention décorative du panneau, qui cherche à évoquer la légèreté plutôt que le pathos. L'ouvrage est en bon état.