Aphrodite Sculpture Bronze Italie XX Siècle

S. Giovanni del Tempio Sacile 1910

Peinture à l'huile sur toile. Signé et daté en bas à gauche. Au verso sur le cadre, le titre et encore la date. Né à Venise en 1872, Vittore Antonio Cargnel s'inscrit à l'Académie de Venise, mais sa formation se déroule surtout dans l'atelier de Cesare Laurenti, peintre connu et estimé à tendance symboliste, et dans l'observation des œuvres de Ciardi , Favretto et Nono. Il a participé aux trois premières éditions de la Biennale de Venise, avec des œuvres de caractère entre le symboliste et l'intimiste ; par la suite sa production, essentiellement paysagère, est devenue particulièrement attentive aux variations atmosphériques. En 1910, il s'installe à Sacile, où il est resté jusqu'à la défaite de Caporetto, pour ensuite retourner à Milan où il est resté jusqu'à sa mort en 1931. L'œuvre proposée ici présente un aperçu du hameau de Sacile, s. Giovanni del Tempio, avec la petite église du même nom, vers laquelle, un jour d'hiver, se dirigent des figures indistinctes. L'oeuvre est présentée dans un cadre contemporain.

Huile sur table. fin 19ème - début 20ème siècle. Le panneau rappelle la production d'art sacré des modèles du XIVe siècle, tant dans la composition des figures que dans la réalisation sur fond d'or, qui se poursuit dans le cadre contemporain. Dans la composition, qui est statique, Marie est au centre avec l'Enfant dans ses bras, tandis que deux saints regardent derrière elle, un franciscain à droite, un vieillard à gauche, tous deux avec l'anse d'une sacoche de pèlerin. .

Paysage avec montagnes

Huile sur table. Signé en bas à droite. Au dos, le rouleau de "l'Atelier d'Art Salvetti" à Milan. Stefano Bersani, artiste et poète lombard, s'est consacré à la peinture de la vie, même la plus humble et la plus commune ; en effet, parmi ses œuvres, outre divers paysages lombards, comme celui-ci proposé qui a la chaîne alpine en arrière-plan, également des scènes des champs avec des figures de paysans, des animaux de ferme, des figures folkloriques. Il participe à de nombreux concours, expose dans de nombreuses galeries lombardes et est très sollicité dans les maisons nobles, où il est également peintre d'intérieur. L'oeuvre est présentée dans un cadre contemporain.

Couple dans les bois

Huile sur table. Signature en bas à droite. Panerai était un peintre, professeur et illustrateur italien, originaire de Florence, où il a étudié à l'Académie des Beaux-Arts ayant comme maître Giovanni Fattori qui l'a initié à la peinture de paysage naturaliste de la Maremme toscane. Il est également attiré par le thème militaire, avec des scènes de la vie militaire et maritime, et s'illustre comme un peintre animalier, doué d'une sensibilité aiguë. Son style renvoie à un impressionnisme sommaire, facile, frais, vif. Le travail est présenté dans un cadre de style.

Blanchisseuses

Huile sur toile. Signé en bas à droite. Riche en lumières et en couleurs, le tableau offre un moment impressionniste de la vie quotidienne de deux lavandières, concentrées sur leur travail au bord d'un canal de la ville. L'œuvre fait référence aux influences impressionnistes que Flumiani, artiste de Trieste, a ramenées de son séjour d'étude à Munich et de sa rencontre avec son concitoyen Umberto Veruda (1868-1904) : le coup de pinceau court et rapide mais large semble impressionniste recherche le jeu de la lumière et des couleurs, tandis que la tonalité des couleurs reste dans la région de la Vénétie. La production d'Ugo Flumiani se caractérise précisément par une production paysagère de marine : ses sujets de prédilection sont les vues de la lagune vénitienne, les villages au bord de la mer ou les bateaux qui naviguent placidement, en tout cas toujours des sujets dans lesquels des surfaces aquatiques peuvent apparaître, dans lesquels l'artiste peut font résonner des vibrations chromatiques et lumineuses. Le paysage est toujours le protagoniste des œuvres de Flumiani, même là où des figures humaines sont insérées : même les deux lavandières du tableau présenté ici font partie du paysage, elles sont insérées de manière harmonieuse et continue, sans interruptions ni chromatiques ni lignes. L'oeuvre est présentée dans un cadre contemporain.

Dindes

Huile sur contreplaqué. Signé en bas à droite. Au verso il y a un cartouche avec l'indication N.9 et le titre. Artiste livournais du groupe Labronico, Giovanni Lomi s'est consacré à la production de figures et de paysages, exprimant un fort lyrisme notamment dans les marinas. Il était aussi un bon baryton et savait allier l'amour de la musique à celui de la peinture. Ayant grandi à la campagne dans une famille d'origine sociale pauvre, il a développé un amour pour la nature et les animaux, qui ont souvent été les sujets de ses œuvres. Le travail est présenté dans un cadre de style.

Scène boisée 1926

Technique mixte sur papier. Signé et daté en bas à droite. L'artiste turinois Mario Sturani a rejoint le mouvement futuriste dans sa jeunesse. À partir de 1927, il commence sa collaboration avec la fabrique de céramiques Lenci, où il parvient à renouveler le répertoire formel et décoratif de la céramique Lenci dans une tonalité anti-rhétorique, en évitant les traits stylistiques de l'art du régime. Même dans le domaine de la reproduction en série, Sturani a su exprimer la liberté inventive de l'inspiration artistique : sur les surfaces des vases, par exemple, il a transposé les sujets naturalistes qui lui étaient chers, les transfigurant parfois dans des tons fabuleux ; dans d'autres cas un certain goût déco, les rythmes dynamiques d'ascendance futuriste ou les décompositions cubistes, comme les élégantes stylisations du XXe siècle. Entre 1928 et 1930, Sturani peint une série de petits tableaux, aux tonalités intimistes, représentant des paysages ou des natures mortes. Pendant plus de trente ans, Sturani a également travaillé comme entomologiste, au sein de l'Institut d'entomologie agricole de l'université de Turin, et ses études ont également été largement appréciées par le monde académique pour la valeur scientifique et la rigueur méthodologique avec lesquelles elles ont été menées. . Le petit dessin présenté ici appartient à la première production de Sturani, avant même la collaboration avec la manufacture Lenci. Dans cet aperçu de la campagne avec des bois et des faons, on retrouve sa propension à transfuser les paysages qu'il reproduit dans une touche de conte de fées. Dans un cadre apparent.

Val d'Aoste

Huile sur contreplaqué. signé en bas à droite. Autre signature et titre au dos. Né à Côme, Giulio Cisari est diplômé de l'Académie de Brera, où il a également été professeur pendant de nombreuses années. Attiré par la couleur, il aborde d'abord la peinture de paysage, pour ensuite se consacrer au noir et blanc. Sous la direction d'A. De Carolis, il se perfectionne dans toutes les techniques de reproduction, de la lithographie à la gravure sur cuivre, trouvant son moyen d'expression préféré dans la gravure sur bois. Il était également illustrateur. Travail en cadre.

Impression sur papier. Rare affiche antiraciste qui, comme indiqué ci-dessous, a été publiée en supplément du magazine "MAI" de juin 68, dans la série "I manifesti di MAI di Giò" (Giorgio Tavaglione). C'est un manifeste des mouvements beat qui se sont répandus en Italie dans les années 1967-1968 : grâce à l'utilisation du polycographe, qui a permis l'impression de nombreux flyers, affiches, anthologies poétiques, petites plaquettes et surtout magazines, les jeunes beatniks qu'ils a créé une chaîne d'information alternative qui représentait le principal vecteur de diffusion des principes qui animaient le mouvement beat, par opposition aux circuits officiels de culture et de communication. Au sein des revues, et en général dans les diverses activités de beat, l'écriture poétique a assumé un rôle essentiel comme partie intégrante de la pratique de la dissidence, puisqu'elle représentait l'une des principales formes d'expression et d'affirmation d'un idéal de vie différent, ainsi que comme d'une autre idée de la collectivité. Giorgio Tavaglione était l'un des représentants artistiques les plus connus du mouvement beat : en tant que Giò autodidacte complet, il a conçu les affiches, les dépliants et les couvertures des premiers magazines underground italiens des années 1960 ; disparu pendant des années après un voyage en Inde, il réapparut par la suite comme dessinateur de tarots et de talismans dans la création desquels il transféra son excellente qualité graphique, son style typique minutieux et imaginatif, ésotérique et visionnaire. Travail en cadre.

Porte de grange en bois sculpté de style Dogon. Les Dogon du Mali font partie des plus anciennes cultures africaines, connues dans le monde entier pour leur création de portes, panneaux et volets en bois sculpté. Ces objets ont divers usages dans leur société : d'une part ils sont fabriqués comme fermeture des greniers (d'où le nom), d'autre part ils sont échangés comme cadeaux pour les anniversaires, les mariages, porte bonheur. Ces portes sont également utilisées pour les rites de passage et, lorsqu'elles font partie de l'architecture, les symboles qui y sont gravés donnent des indices sur la fonction de l'habitation qu'elles protègent.

Huile sur toile. Signature et date non identifiées en bas à droite. Image sacrée de goût ancien, présente Marie et l'Enfant Jésus décidés à concourir pour un petit pectoral : il semble que Marie essaie de l'enlever des mains du petit Jésus, qui le retient d'un air boudeur. C'est une scène d'intimité domestique, d'une relation mère-enfant très terrestre, à tel point que les deux personnages n'ont même pas d'auréole. Dans un cadre contemporain.

Sans titre 1964

Technique mixte sur papier. Signé et daté à gauche. L'œuvre appartient à la production des années 1960 d'Amilcare Rambelli, période au cours de laquelle l'artiste milanais, peintre, illustrateur mais surtout sculpteur, tourne sa production vers l'extérieur, à la recherche d'une implication de l'espace environnemental dans la relation entre les éléments de systèmes et structures de systèmes mécaniques : naît une séquence de conception qui prélude dans ses sculptures à des assemblages polymatériaux complexes où acier, cuivre, bronze, aluminium, plexiglas, fragments de dessin et films trouvent des équilibres inédits. Ce sont des œuvres qui tendent vers une mise en scène géométrique, techniquement innovantes et suggestives, qui attaquent l'espace en tous sens avec un dynamisme intense, témoignant de la recherche d'une consonance entre l'artiste et son temps. Dans les peintures de cette période, à laquelle appartient également l'œuvre présentée ici, Rambelli transpose sur papier ou sur toile les mêmes projets réalisés en tant que sculpteur. L'oeuvre est encadrée.