Huile sur Toile Sujet Sacré Italie XVII Siècle

Peinture à l'huile sur toile. Les deux tableaux, certainement jumeaux en termes de typologie de sujet et de méthodes picturales, offrent deux aperçus paysagers typiques de la production nordique des XVIIe-XVIIIe siècles, avec de grands espaces de campagne habités par des fermes près des cours d'eau, des figures de paysans et de roturiers attentifs à leur travail. , les montagnes bleues en arrière-plan, précédées de douces collines et surmontées d'un ciel bleu brodé de nuages blancs. Déjà rentoilés et restaurés, les deux tableaux présentent des taches de couleur et d'opacité. Ils sont présentés dans des cadres élégants.

Scène de Sacrifice à Vénus

Aquarelle sur papier. En bas à gauche le nom Giuseppe Cades, Bien qu'au dos, en plus de l'attribution, le titre "Le serment de la Vestale" soit proposé, la scène propose plutôt une jeune fille qui offre des guirlandes de fleurs à la statue de la déesse Vénus, traditionnellement représentée discrète, qui tient le voile d'une main pour couvrir les reins tandis que l'autre va couvrir la poitrine, et la tête aux cheveux froncés et ornés de fleurs. Derrière la jeune fille, un jeune homme regarde la scène, tandis qu'un troisième regarde derrière la colonne du temple : il semble donc une scène de supplication à la déesse, lui demandant de favoriser l'amour des deux jeunes hommes : selon les deux grecs et de tradition romaine, les jeunes avant les noces se consacraient à cette déesse, considérée comme protectrice du mariage et de la fidélité conjugale. L'œuvre semble proche de la production de Giuseppe Cades, qui dans la décennie 1780-90 devint l'une des personnalités les plus connues et les plus appréciées du monde artistique romain, et fut également dessinateur et graveur. L'oeuvre est présentée dans un cadre.

Huile sur toile. Le visage de la Vierge rappelle dans le mode de représentation les peintures de Giovanni Battista Salvi dit le Sassoferrato (1609 -1685), dont le style a été largement repris aux Xviiie et Xixe siècles. Au dos de la peinture se trouve un cartouche avec numéro d’inventaire (N. 193) et le nom du collectionneur Giuseppe Bertarelli (1804-1875), commerçant et philanthrope milanais, connu pour les donations d’œuvres d’art importantes à la Pinacothèque Ambrosiana. La peinture est en première toile; nécessite une restauration pour les petites chutes de couleur et deux petits trous. Il est présenté dans un cadre cohérent.

Sant'Antonio Abate et San Paolo l'Ermite

Huile sur toile. C'est un vaste paysage nordique, dominé par des pics rocheux à gauche et un lac avec une île centrale à droite ; au premier plan quelques figures qui racontent la légende de San Paolo Eremita, à gauche, et de Sant'Antonio abate, à droite avec un centaure. La Légende dorée de Jacopo da Varagine raconte que Saint Antoine l'Abbé rendit visite à Paul l'ermite, qui pendant quarante ans avait vécu dans la solitude nourri par un corbeau qui lui apportait du pain chaque jour. Sant'Antonio a demandé des nouvelles d'un centaure, qui également dans cette scène lui montre le chemin à suivre avec son bras. L'oeuvre, restaurée et rentoilée, est présentée dans un cadre de style.

Huile sur toile. École de l'Italie centrale. Scène riche en dynamisme typique du style baroque, centrée sur les figures de Marie et de l'Enfant, entourées de personnages en adoration : à droite saint Joseph, à gauche deux bergers et au-dessus un groupe d'anges encenseurs. La peinture, qui a déjà été restaurée et regarnisée, montre de petites gouttes diffuses de couleur. Présenté dans un cadre élégant.

Huile sur toile. école italienne. La composition présente un ensemble de fruits (pastèque, poires, pêches et grenades) et de légumes (une grosse citrouille et des choux-fleurs à gauche) posés librement sur une étagère ; à droite, probablement debout sur l'échelle du poulailler que l'on devine à peine, se tient une fière poule. La composition, déjà regarnie et restaurée, a besoin d'être nettoyée et restaurée en raison de légères pertes de couleur. Il est présenté dans un cadre élégant.

Huile sur toile. Ecole flamande. La Madeleine est représentée selon ses attributs iconographiques traditionnels : dans le désert, nue et les cheveux longs détachés, avec le livre des Saintes Écritures et dans une attitude de contemplation extatique ; à côté d'elle, le crâne comme un "memento mori", c'est-à-dire un rappel de la fugacité de la vie. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre en bois anciens réadaptés.

Huile sur toile. L'école-centre de l'Italie. Le Saint d'Assise, est représenté dans la contemplation du Crucifix, selon un de ses représentations traditionnelles, des itinérants dans la campagne ombrienne. La peinture déjà restauré et ritelato, nécessite un nettoyage supplémentaire. Il est présenté dans le cadre de l'ancienne adapté.

Huile sur toile. Ecole italienne du nord du XVIIe siècle. Le jeune homme est représenté posant avec des livres à ses côtés et à la main, indiquant sa propension à l'étude ; les armoiries héraldiques de la famille noble à laquelle appartient le jeune homme sont représentées en haut à droite. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre d'époque.

La naissance de Vénus vers 1720

Dessin à la plume et à l'encre brune sur papier. Au dos, il y a une indication du début des années 1900 qui fait référence au dessin comme préparation aux décorations et aux fenêtres. Il y a aussi une étiquette en papier d'une collection privée historique. C'est l'une des premières esquisses préparatoires à la scène de "La Naissance de Vénus", dont on connaît les esquisses successives, agrandies et enrichies de détails. L'esquisse est présentée dans un cadre du XIXe siècle.

Huile sur toile. Scène flamboyante qui représente le moment où un puma femelle assaille deux chiens de garde qui, bien que libérés de la chaîne, succombent à l'attaque soudaine. Déjà restauré et révisé, il doit être nettoyé. Présenté dans un cadre de style doré.

Peinture à l'huile sur toile. Ecole italienne du nord du XVIIIe siècle. Une particularité de cette scène est la présentation des personnages concentrés dans la partie inférieure de la toile, tandis que dans la partie supérieure domine à gauche la grande structure architecturale, qui se veut la grotte, mais qui est une haute et imposante structure en bois structure, flanquée à droite par l'obscurité de la nuit, interrompue par la brèche de lumière ouverte dans le ciel, d'où sortent les anges. Les personnages sont disposés à converger, le long d'une ligne oblique montant vers la gauche, en direction de la Sainte Famille, en particulier vers Marie et l'Enfant, qui sont sur la même diagonale que le faisceau de lumière céleste. A droite de la Sainte Famille, les Mages, avec leur cortège de serviteurs et d'animaux, derrière lesquels s'ouvre un paysage qui évoque les terres lointaines dont ils sont issus. Le tableau est animé par le jeu des couleurs et des lumières, avec une alternance de lumières et d'ombres, de couleurs vives et de fonds sombres. Il s'agit d'une réplique avec des variantes (notamment l'ajout de l'imposante structure architecturale qui double la scène) de l'Adoration des Mages peinte à la fin du XVIIe siècle par Andrea Celesti dans l'église de Limone del Garda. Plusieurs exemplaires de cette œuvre ont été réalisés, dont l'un, tout à fait similaire dans sa composition et son arrière-plan à celui présenté ici, bien que plus nébuleux, se trouve dans la galerie Repossi à Chiari. Cela permet de placer l'œuvre dans la région de Brescia. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un beau cadre doré de la fin du XIXème siècle.