Huile sur Toile Sujet Sacré Italie XVI-XVII Siècle - Vierge à l'Enfant le Père Anges et Saints

Chasse au chevreuil

Huile sur toile. La scène, située dans une campagne boisée, près des ruines architecturales, est centrée sur le groupe de chasseurs vif et riche, vêtus à la manière des chevaliers, qui armés d'épées et de lances et avec l'aide des chiens donnent le coup de grâce au cerf maintenant blessé et angoissant. Le grand format met en valeur la clientèle importante, soulignée également par la combinaison avec un tableau similaire. Restauré et revu, il est présenté dans un cadre élégant.

Chasse au sanglier

Huile sur toile. La scène, située sur les pentes d'une montagne, près des rives d'une rivière où un pêcheur est déterminé à travailler, est centrée sur le groupe de chasseurs vif et riche, vêtus à la manière des chevaliers, armés d'épées. et lances et avec l'aide des chiens, ils donnent le coup final au sanglier maintenant blessé et angoissant. Le grand format met en valeur la clientèle importante, soulignée également par la combinaison avec un tableau similaire. Restauré et revu, il est présenté dans un cadre élégant.

Paysage d'Hiver avec personnages sur Glace

Peinture à l'huile sur toile. École flamande du XVII-XVIIIème siècle. Sur le cadre il y a une étiquette attribuant à Thomas Heeremans (mais avec une date erronée). La grande scène offre un paysage hivernal propre au territoire hollandais, car caractérisé par un canal gelé, à proximité d';un village, peuplé de nombreuses figures de patineurs, avides d'activités quotidiennes : le traîneau tiré par des chevaux pour le transport des personnes, l'homme qui pousse la « brouette » pleine de bois, l'enfant qui se pousse dans sa petite boîte ; d'autres personnages passent sur le talus le long du canal. Le ciel gris et froid d'une journée d'hiver plane sur tout. Le sujet était le récurrent dans la production du peintre hollandais Thomas Heeremans, qui a principalement peint des paysages d'hiver de sa terre, les reproduisant plusieurs fois en raison du succès obtenu, et incitant de nombreux autres artistes à l'imiter ; on pense donc que ce travail remonte à un imitateur des Heeremans, plutôt qu'à lui directement. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre d'époque.

Peinture à l'huile sur toile. Ecole italienne du XVIIIème siècle. Dans un paysage plutôt aride, avec des ruines architecturales à gauche et des sommets enneigés en arrière-plan à droite, quelques bergers passent le long du chemin, conduisant leurs troupeaux de vaches, moutons et chèvres. Dans le cadre du paysage nordique, la teinte rosée du ciel et le caractère pastoral de la scène donnent cette atmosphère idéaliste typique de la peinture de paysage du XVIIIe siècle, où la satisfaction du sentiment prévalait plutôt que l'intention de transposition réaliste. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre d'époque.

Le Conte d'Apollon et de Marsyas

Huile sur toile. Ecole italienne du nord du XVIIe siècle. La grande toile dérive d'une gravure de 1562 du Vénitien Giulio Sanuto, qui a fidèlement reproduit l'œuvre homonyme de Bronzino (1503-1572), actuellement conservée à l'Ermitage ; par rapport à l'original, la gravure ajoute le groupe des Muses et modifie le fond du paysage en introduisant des vues de villages. L'œuvre est divisée en quatre scènes, qui doivent être lues de droite à gauche. La première scène représente le concours musical entre Apollon et le Silène Marsyas, qui jouait si bien de la flûte qu'il était considéré comme supérieur au même dieu ; les deux prétendants se produisent, le dieu avec la lyre et le silène avec la flûte même à l'envers (pour augmenter la difficulté de l'entreprise), devant le roi Midas et la déesse Minerve, reconnaissable à ses attributs, le casque, la lance et le bouclier. Dans la deuxième scène, Apollon a l'intention d'écorcher Marsyas, pour le punir d'avoir remporté le concours musical; s'appuyer sur le sol à côté de lui, son manteau et sa lyre. Dans la troisième scène, c'est le roi Midas qui est puni par le dieu pour lui avoir préféré Marsyas : Apollon met les oreilles de l'âne sur Midas, tandis que Minerve regarde. Enfin, la quatrième scène, au premier plan à gauche, est caractérisée par une figure particulière, identifiée chez le fidèle serviteur et barbier du roi : puisque Midas lui avait ordonné de garder le secret sur ses oreilles d'âne, ne pouvant laisser à bout de souffle sinon, il a creusé un trou dans le sol et y a crié son secret ; à cet endroit, cependant, la légende raconte qu'un buisson de roseaux a poussé qui, avec le vent, a murmuré "Le roi Midas a des oreilles d'âne", révélant ainsi le secret redouté. La peinture a été précédemment restaurée et regarnie, mais nécessite actuellement une récupération de couleur supplémentaire. Au dos au crayon il y a une ancienne attribution à l'école de Ferrara ("Ercole da Ferrara"). Il est présenté dans un cadre de style fin XIXème.

Peinture à l'huile sur toile. École flamande du XVIIe siècle. Déjà attribué à Jan Peeters (1624 -1677), le tableau s'inscrit pleinement dans le style et le genre de l'auteur qui, travaillant dans l'atelier de son père puis dans celui de son frère Bonaventura, se spécialise dans les marines, surtout dans la "Fortune di mare" , c'est-à-dire les accidents dus à la mer, et à tout autre événement causé en mer par des événements fortuits ou des obstacles insurmontables, qui donc en peinture deviennent des représentations de tempêtes avec des navires et des équipages à la merci des événements. C'est exactement de cela qu'il s'agit dans le tableau proposé ici : des navires, pleins d'hommes, sont à la merci des hautes vagues d'une tempête nocturne, près de la côte qui, avec ses rochers saillants, a déjà causé le naufrage de quelques petites embarcations . On perçoit la lutte des hommes, petits et sans défense, contre les forces de la nature, dominantes, violentes, sombres et hostiles, qui dominent et attaquent les bateaux tant de la mer que du ciel, sombre et noir. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre d'époque.

Peinture à l'huile sur toile. Ecole toscane du XVIIe siècle. Descendant d'une ancienne lignée lombarde d'Aquino (dans la province de Frosinone), Tommaso (né vers 1226) se rendit à Naples pour étudier, en 1243 il entra dans l'ordre des prédicateurs dominicains contre la volonté de ses proches, mais lors du voyage vers le nordiste a été arrêté par ses frères et retenu prisonnier pendant environ un an. Dans la scène, le jeune saint au centre, déjà vêtu de l'habit dominicain, est entouré des deux côtés par quatre personnages richement vêtus, précisément ses proches, dont probablement sa mère, qui le tiennent gentiment, l'embrassant presque, tout en faisant des gestes des mains et des regards affligés et amoureux tentent de le convaincre, le suppliant presque. Les personnages sont également placés dans une prison, comme l'indiquent les barreaux de la fenêtre de droite, pour souligner l'action coercitive effectuée. Riches et détaillés sont les détails des vêtements des personnages, avec des couleurs vives qui contrastent avec la robe de Thomas, des mouvements plastiques proprement au goût baroque. Déjà restauré et rentoilé, le tableau est en bon état, avec des craquelures évidentes. Il est présenté dans un cadre ancien relaqué et redoré.

Amour et Psyché

Peinture à l'huile sur toile. Ecole italienne du nord du XVIIe siècle. La scène fait référence, avec quelques variantes mais de taille très proche, à une partie de la grande fresque intitulée « Banchetto degli dei » dans la Chambre de Cupidon (ou Chambre de Cupidon et Psyché) du Palazzo Té à Mantoue, une grande représentation de plus de neuf mètres fabriqués par Giulio Romano avec son atelier au XVIe siècle. La scène proposée (qui à Mantoue est située à droite du grand banquet) voit Cupidon et Psyché allongés sur un triclinium, tandis qu'une petite figure ailée les couronne de laurier et que deux nymphes lavent la main de Cupidon ; au fond à droite un groupe de satyres sacrifie une chèvre à l'autel d'une divinité, tandis qu'au centre, au loin, une ville brûle. Le banquet des dieux est le dernier moment du mythe des deux amants qui, après maintes épreuves et vicissitudes, obtiennent de Vénus la permission de se marier. L'oeuvre, restaurée et rentoilée, est présentée dans un cadre ancien.

Paysage classique avec personnages du XVIIe siècle

Huile sur toile. Dans un grand paysage verdoyant où coule une rivière, un village émerge au centre ; au premier plan à droite, sur le chemin il y a un groupe de femmes, vêtues de tuniques colorées. la peinture reprend les modalités picturales de Gaspard Dughet, le peintre romain formé à l'école de Poussin, qui se consacra principalement à la production paysagère, avec une nouvelle liberté et un nouveau naturel visant à découvrir un monde réel et magique à la fois, païen Nature libre et sauvage. Dans la production de Dughet, les figures humaines n'ont jamais été dominantes, absentes au début de la production puis introduites uniquement à la demande de la clientèle, venant à adopter un type particulier de figures sans changements majeurs tout au long de sa carrière : des figures élégantes, à l'allure lâche, habillées d'une courte tunique vaguement ancienne, généralement anonyme et appartenant au peuple. De tels traits se retrouvent dans cet ouvrage, même si l'attribution à Dughet est incertaine, et l'on pense plutôt le placer dans son cercle. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre d'époque.

Tempera sur papier, appliquée sur panneau dur. L'épisode biblique représenté, raconté dans le livre de l'Exode, raconte comment le jeune Moïse, à la cour du pharaon d'Égypte, défend les sept jeunes filles du prêtre Jetro, harcelées par certains bergers madianites alors qu'ils tirent de l'eau du puits. Suite à cette intervention, Moïse recevra comme épouse l'une des filles de Jetro, Sefora. Sujet largement re-proposé dans l'art, il est ici présenté avec une attention particulière à la composante portrait, avec une exacerbation particulière des traits expressifs, tant dans les visages que dans les poses, des personnages. La scène est très animée, avec la figure de Moïse au centre, vigoureux et combatif, qui sépare le champ en deux: à sa gauche les sept filles, chacune caractérisée par un comportement différent; à droite les bergers importuns, qui souffrent de la colère de Moïse. En arrière-plan, un paysage typique des productions du XVIIIe siècle, avec une ruine architecturale derrière le puits. L'œuvre est présentée dans un cadre en style.

Peinture à l'huile sur toile. École lombarde. La riche dame représentée est accompagnée de l'inscription d'identification en haut à droite qui lit "Eleonora Lampuniana Nupta N.V. Bartolomei De Cornu 1478": il s'agit donc d'Eleonora Lampugnani, épouse de Bartolomeo Del Corno. La famille Lampugnani est une ancienne famille patricienne de Milan (le nom dérive du quartier Lampugnano), avec des résidences à Legnano et Busto Arsizio, et à laquelle Filippo Maria Visconti (duc de Milan) assigna le fief de Trecate au XVe siècle; le mari de la noble appartenait plutôt à la noble famille piémontaise Corno (à l'origine appelée Del Corno). La noble est représentée debout, dans une robe splendide richement brodée et ornée de dentelles; il repose sa main sur un précieux coffret incrusté d'ivoire, probablement un meuble à monnaie, symbole de richesse et de puissance, surmonté d'un vase à fleurs, plutôt symbole de vanité. La peinture a une restauration ancienne sur les mains, qui sont de qualité inférieure à celle du visage, des vêtements, du bocal en verre. Le tableau provient d'une ancienne collection lombarde. La date 1478 rapportée avec l'inscription, n'est pas très conforme aux vêtements du XVIe siècle: selon l'histoire de la famille d'origine du tableau, la date qui apparaissait avant la dernière restauration était 1578, et donc ce serait un changement par erreur du restaurateur.