A. Molinari Attr. Huile sur Toile Italie XVII-XVIII Siècle - Aaron avec Moïse devant le Pharaon

Huile sur toile. École nord-européenne. C'est une drôle de scène allégorique d'amour profane, qui vise à démontrer comment toutes les personnes, de toute classe sociale et de tous âges, peuvent tomber dans le piège de tomber amoureux. Le fond de la toile est occupé par un énorme filet de garde, le filet de panier utilisé dans certains types de pêche, au-dessus de l'embouchure duquel se trouve un putto violoniste, déterminé à jouer; le piège est bondé de couples, tandis qu'un défilé d'autres le dépasse pour atteindre son entrée. Parmi eux se trouvent des couples de personnes âgées et de jeunes, des couples de riches et de pauvres, des nobles, des bourgeois et des prolétaires: tous ont des expressions joyeuses et légères, se regardent avec amour ou regardent avec bienveillance le bonheur des autres. À l'intérieur du pot, il y a même un couple de membres de la famille royale, qui correspondent en traits et en vêtements à l'électeur palatin de Rhénanie, Giovanni Guglielmo du Palatinat-Neuburg et à sa deuxième épouse Anna Maria Luisa de'Medici. Au dos du tableau se trouve une étiquette portant une attribution historique à Jan Frans Douven (1656-1727): l'artiste hollandais qui à partir de 1682 s'installe à Düsseldorf en tant que peintre officiel à la cour de l'électeur palatin de Rhénanie, créant principalement des scènes de la vie quotidienne du prince et de sa seconde épouse. L'étiquette confirmerait donc la zone d'attribution à un artiste du XVIIe-XVIIIe siècle du nord de l'Europe. La peinture provient d'une collection historique milanaise. Il a des traces de restaurations et un patch. Dans un cadre élégant.

Jésus Devant Caïfa

Huile sur toile. Le tableau reprend l'œuvre du maître hollandais Gerrit Van Honthorst, créé en 1617 et aujourd'hui conservé à la National Gallery de Londres. Néerlandais de naissance, van Honthorst arrive à Rome peu après la mort du Caravage, dont il assimile le style, ce qui lui vaut le surnom de "Gherardo delle Notti". A Rome, l'artiste a été accueilli par la famille Giustiniani, qui a commandé l'œuvre pour sa collection privée, où elle est restée jusqu'en 1804. D'abord apportée à Paris dans la collection Bonaparte, après de nouveaux changements de propriétaire, elle est finalement arrivée à Londres en 1922. Le tableau raconte l'épisode dramatique de la rencontre entre le prêtre Caïphe et Jésus, lors de son La passion. Toute la partie supérieure est occupée par l'obscurité : le vide, le néant, concentrent l'attention sur les deux protagonistes et sur le drame qui se déroule. La scène est très statique, presque figée dans un moment précis, l'acte accusateur du prêtre contre le Christ, soulignant l'intensité du drame intérieur profondément douloureux. Dans la scène, Caïphe est à gauche, assis à la table sur laquelle est posé le livre de la loi juive, et lève le doigt d'un ton accusateur ; Jésus est à droite, debout, les mains liées, dans une attitude humble. Au centre une bougie, seule source de lumière, qui fait le lien entre le visage de Caïphe et celui de Jésus, qui se rencontrent dans un jeu de regards selon une ligne diagonale, et dont la lumière artificielle souligne impitoyablement l'expressivité, Contraste grotesque et colérique celui du prêtre, souffrant, mais lumineux et posé celui du Christ. En arrière-plan, derrière les deux protagonistes, se trouvent les figures d'autres grands prêtres. Ils ne sont que des ombres dans l'obscurité, en attente de jugement et leurs visages sont plongés dans l'obscurité qui augmente la tension. L'empreinte caravagesque se perçoit clairement dans le contraste des lumières et des ombres, dans l'intensité des regards. La toile proposée ici, environ la moitié de la taille de l'original, mais fidèle dans ses formes stylistiques et interprétatives, a probablement été commandée dans des formats plus petits par ceux qui avaient apprécié l'original au Palazzo Giustiniani. Il a été restauré et regarni au XIXe siècle. Certains noms sont écrits au dos, indiquant la propriété. Cadre en style.

Peinture à l'huile sur toile. La vue dégagée sur les Forums impériaux de Rome fait partie de la vaste production de paysage de la période Grand Tour, destinée aux riches aristocrates européens voyageant en Europe - et notamment en Italie, où a été considéré comme Rome un must - qui voulait un souvenir du lieux visités. Les Forums impériaux romains sont un complexe architectural composé d'une série de bâtiments et de places monumentaux, le centre de l'activité politique de la Rome antique, construit sur une période d'environ 150 ans, entre 46 av. et 113 après JC Malgré les agrandissements, les incendies, les restaurations et les reconstructions, durant l'Antiquité les Forums impériaux ont conservé intactes tant leur conformation architecturale que leur fonction. Leur destruction quasi définitive eut lieu à la Renaissance aux mains du pape Jules II (1503-1513), qui utilisa toute la zone comme carrière de matériaux à réutiliser dans la construction et la rénovation artistique de la ville qu'il a initiée. Les protestations d'artistes de premier plan tels que Raphaël et Michel-Ange ont été de peu d'utilité. Au cours des siècles suivants, diverses campagnes de fouilles ont été entreprises, avec une plus grande vigueur à partir du XIXe siècle, mais la zone a été complètement fouillée au début du XXe siècle et l'architecture ancienne a été presque complètement effacée pour faire place à la construction de via dei Fori Imperiali, qui relie la Piazza Venezia avec le Colisée. Le Forum a été redécouvert à partir du XVIe siècle également grâce aux peintres de vues romains qui, à l'époque, aimaient peindre les ruines émergeant dans la zone de pâturage. La vue proposée ici présente les Forums impériaux avant les fouilles commencées au XIXe siècle, alors que la route qui les traverse encore n'avait pas encore été construite : ils sont encore entourés d'une campagne verdoyante et les collines romaines se détachent en arrière-plan. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre restauré du XIXe siècle.

Huile sur toile. Dans la grande scène se déroulant à l'extérieur, le laboratoire d'un maréchal-ferrant se dresse sur le côté gauche, avec l'intention avec ses aides de travailler les fers d'un cheval pendant que le propriétaire s'occupe de lui ; au centre arrivent d'autres chevaliers avec leurs serviteurs qui se rendent chez l'artisan ; à droite quelques personnages populaires se reposant au bord de la route. En arrière-plan, un grand paysage fluvial s'ouvre à droite, tandis qu'à gauche, l'accès au village, dominé par un bâtiment délabré, avec diverses figures populaires occupées à leurs activités : la femme qui s'apprête à allaiter un enfant , tandis que l'autre fils se enfuit l'escalier, une autre femme accrocher les vêtements sur le balcon de la maison construite sur pilotis sur le rocher, tandis qu'un homme monte l'échelle. Il s'agit d'une œuvre réalisée avec une grande probabilité par un auteur flamand travaillant en Lombardie. Certaines références aux vêtements et à la construction indiquent certainement une contamination nord-européenne, tandis que d'autres détails indiquent l'emplacement de la construction lombarde. Le tableau provient d'une prestigieuse résidence historique d'une famille noble lombarde. Toujours sur la première toile, il présente quelques coupures et un trou dans la bande inférieure ; au dos quelques écussons d'une ancienne restauration. Il est présenté dans un mince cadre contemporain.

Huile sur toile. La grande scène se déroule à l'entrée d'un village près d'une halte pour les chevaux : de nombreux cavaliers sont à l'arrêt avec leurs bêtes, qui sont fournies par les domestiques et les villageois qui remplissent la mangeoire de foin ; l'un des serviteurs, à droite, fait abreuver les animaux dans le ruisseau voisin. Au fond, les maisons du village disposées le long de la rivière, qui se jette alors dans le paysage vallonné sur la droite. Il s'agit d'une œuvre réalisée avec une grande probabilité par un auteur flamand travaillant en Lombardie. Certaines références aux vêtements et à la construction indiquent certainement une contamination nord-européenne, tandis que d'autres détails indiquent l'emplacement de la construction lombarde. Le tableau provient d'une prestigieuse résidence historique d'une famille noble lombarde. Toujours sur la première toile, il présente quelques coupures dans la bande inférieure. Il est présenté dans un mince cadre contemporain.

Paysage d'Hiver avec personnages sur Glace

Peinture à l'huile sur toile. École flamande du XVII-XVIIIème siècle. Sur le cadre il y a une étiquette attribuant à Thomas Heeremans (mais avec une date erronée). La grande scène offre un paysage hivernal propre au territoire hollandais, car caractérisé par un canal gelé, à proximité d';un village, peuplé de nombreuses figures de patineurs, avides d'activités quotidiennes : le traîneau tiré par des chevaux pour le transport des personnes, l'homme qui pousse la « brouette » pleine de bois, l'enfant qui se pousse dans sa petite boîte ; d'autres personnages passent sur le talus le long du canal. Le ciel gris et froid d'une journée d'hiver plane sur tout. Le sujet était le récurrent dans la production du peintre hollandais Thomas Heeremans, qui a principalement peint des paysages d'hiver de sa terre, les reproduisant plusieurs fois en raison du succès obtenu, et incitant de nombreux autres artistes à l'imiter ; on pense donc que ce travail remonte à un imitateur des Heeremans, plutôt qu'à lui directement. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre d'époque.