Vièrge avec Enfant Huile sur Toile Italie XVIIe Siècle

Peinture à l'huile sur toile. Selon l'étiquette au dos, le tableau a été présenté à "l'exposition de peinture baroque vénitienne" de 1943, avec le titre "Au port au coucher du soleil"et l'attribution à Marco Ricci. L'attribution peut être motivée par la capacité exécutive qui, par des coups de pinceau rapides et lâches, parvient à rendre pleinement la réalité naturelle de la mer orageuse avec sensibilité. À cet égard, voir les images similaires publiées par Rodolfo Pallucchini dans l'article « Studi ricceschi : contribution à Marco » publié dans la revue Arte veneta (vol. IX, 1955). Les productions paysagères et marines de Ricci (qui, cependant, n'étaient pas sa production la plus étendue) se caractérisent par des lumières puissantes et émotionnelles, par des arbres secs et tordus, des rochers et des tours, des cumulus qui s'ouvrent soudainement dans de vagues éclairs de bleu, des vagues écumantes, un répertoire complexe qui transfigure la nature en une représentation dramatique et agitée, dans laquelle l'homme est également inséré comme un élément intégral. Dans ce tableau également, nous trouvons ces éléments très dramatiques mais en même temps scénographiques, avec quelques figures humaines, trois hommes sur un petit bateau au premier plan, qui se distinguent à peine de la mer et des rochers qui les entourent, ainsi que les navire sur la gauche coulant englouti par la mer. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre d'époque.

Chasse au chevreuil

Huile sur toile. La scène, située dans une campagne boisée, près des ruines architecturales, est centrée sur le groupe de chasseurs vif et riche, vêtus à la manière des chevaliers, qui armés d'épées et de lances et avec l'aide des chiens donnent le coup de grâce au cerf maintenant blessé et angoissant. Le grand format met en valeur la clientèle importante, soulignée également par la combinaison avec un tableau similaire. Restauré et revu, il est présenté dans un cadre élégant.

Paysage classique avec personnages du XVIIe siècle

Huile sur toile. Dans un grand paysage verdoyant où coule une rivière, un village émerge au centre ; au premier plan à droite, sur le chemin il y a un groupe de femmes, vêtues de tuniques colorées. la peinture reprend les modalités picturales de Gaspard Dughet, le peintre romain formé à l'école de Poussin, qui se consacra principalement à la production paysagère, avec une nouvelle liberté et un nouveau naturel visant à découvrir un monde réel et magique à la fois, païen Nature libre et sauvage. Dans la production de Dughet, les figures humaines n'ont jamais été dominantes, absentes au début de la production puis introduites uniquement à la demande de la clientèle, venant à adopter un type particulier de figures sans changements majeurs tout au long de sa carrière : des figures élégantes, à l'allure lâche, habillées d'une courte tunique vaguement ancienne, généralement anonyme et appartenant au peuple. De tels traits se retrouvent dans cet ouvrage, même si l'attribution à Dughet est incertaine, et l'on pense plutôt le placer dans son cercle. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre d'époque.

Peinture à l'huile sur toile. École lombarde. La riche dame représentée est accompagnée de l'inscription d'identification en haut à droite qui lit "Eleonora Lampuniana Nupta N.V. Bartolomei De Cornu 1478": il s'agit donc d'Eleonora Lampugnani, épouse de Bartolomeo Del Corno. La famille Lampugnani est une ancienne famille patricienne de Milan (le nom dérive du quartier Lampugnano), avec des résidences à Legnano et Busto Arsizio, et à laquelle Filippo Maria Visconti (duc de Milan) assigna le fief de Trecate au XVe siècle; le mari de la noble appartenait plutôt à la noble famille piémontaise Corno (à l'origine appelée Del Corno). La noble est représentée debout, dans une robe splendide richement brodée et ornée de dentelles; il repose sa main sur un précieux coffret incrusté d'ivoire, probablement un meuble à monnaie, symbole de richesse et de puissance, surmonté d'un vase à fleurs, plutôt symbole de vanité. La peinture a une restauration ancienne sur les mains, qui sont de qualité inférieure à celle du visage, des vêtements, du bocal en verre. Le tableau provient d'une ancienne collection lombarde. La date 1478 rapportée avec l'inscription, n'est pas très conforme aux vêtements du XVIe siècle: selon l'histoire de la famille d'origine du tableau, la date qui apparaissait avant la dernière restauration était 1578, et donc ce serait un changement par erreur du restaurateur.

Peinture à l'huile sur toile. École lombarde. C'est le portrait debout d'un homme en armure, dans une attitude fière, presque en mouvement, la main posée sur la poignée de son épée; en haut à gauche un blason; en bas à droite un cartouche peint avec une longue écriture en latin, qui identifie l'homme. Il s'agit de Bartolomeo III Olevano, appartenant à la puissante famille des nobles Olevano, seigneurs féodaux de nombreuses villes de Pavie et de Lomellina (où leur château existe toujours), qui ont eu une grande voix dans les événements de Pavie et de sa campagne jusqu'au 18. siècle. Bartolomeo III, né en 1512, se consacra à l'art de la guerre pendant quarante ans, accomplissant de nombreux et très honorables actes, fut préfet de Mortara et Novara sous la domination de Charles Quint, maître des soldats et ambassadeur de Philippe II. Ses réalisations les plus importantes sont résumées dans le cartouche: une traduction du texte est disponible. Le blason représenté montre à gauche l'olivier dont la famille tire son nom. La peinture provient d'une importante collection historique familiale lombarde.

Le Conte d'Apollon et de Marsyas

Huile sur toile. Ecole italienne du nord du XVIIe siècle. La grande toile dérive d'une gravure de 1562 du Vénitien Giulio Sanuto, qui a fidèlement reproduit l'œuvre homonyme de Bronzino (1503-1572), actuellement conservée à l'Ermitage ; par rapport à l'original, la gravure ajoute le groupe des Muses et modifie le fond du paysage en introduisant des vues de villages. L'œuvre est divisée en quatre scènes, qui doivent être lues de droite à gauche. La première scène représente le concours musical entre Apollon et le Silène Marsyas, qui jouait si bien de la flûte qu'il était considéré comme supérieur au même dieu ; les deux prétendants se produisent, le dieu avec la lyre et le silène avec la flûte même à l'envers (pour augmenter la difficulté de l'entreprise), devant le roi Midas et la déesse Minerve, reconnaissable à ses attributs, le casque, la lance et le bouclier. Dans la deuxième scène, Apollon a l'intention d'écorcher Marsyas, pour le punir d'avoir remporté le concours musical; s'appuyer sur le sol à côté de lui, son manteau et sa lyre. Dans la troisième scène, c'est le roi Midas qui est puni par le dieu pour lui avoir préféré Marsyas : Apollon met les oreilles de l'âne sur Midas, tandis que Minerve regarde. Enfin, la quatrième scène, au premier plan à gauche, est caractérisée par une figure particulière, identifiée chez le fidèle serviteur et barbier du roi : puisque Midas lui avait ordonné de garder le secret sur ses oreilles d'âne, ne pouvant laisser à bout de souffle sinon, il a creusé un trou dans le sol et y a crié son secret ; à cet endroit, cependant, la légende raconte qu'un buisson de roseaux a poussé qui, avec le vent, a murmuré "Le roi Midas a des oreilles d'âne", révélant ainsi le secret redouté. La peinture a été précédemment restaurée et regarnie, mais nécessite actuellement une récupération de couleur supplémentaire. Au dos au crayon il y a une ancienne attribution à l'école de Ferrara ("Ercole da Ferrara"). Il est présenté dans un cadre de style fin XIXème.

Huile sur table. Ecole lombarde de la première moitié du XVIIIe siècle. De grande taille, le tableau est réalisé sur deux planches de noyer épaisses, reliées par des cales en bois. Le choix du support suggère que la production est périphérique, probablement issue de la vallée. La scène voit l'archange Gabriel qui, du ciel ouvert d'où émergent d'autres anges, se présente à Marie, agenouillée en méditation. Particulier est le message de l'annonce ("Spiritus Sanctus superveniet in Te", ou "Le Saint-Esprit descend sur toi") qui sort de la bouche de l'Ange, surmontée de la colombe, effigie de l'Esprit de Dieu ; de plus l'Ange tient dans sa main un lys, symbole de pureté, en l'occurrence de la Virginité de Marie qui est conservée. La peinture montre des traces de restaurations maladroites antérieures, de petites gouttes de couleur et des dommages aux panneaux (signes généralisés de trou de ver). Présenté dans un cadre élégant.

Peinture à l'huile sur toile. Ecole lombarde du XVIIe siècle. La grande scène présente au centre la Madone assise proposant son sein à l'Enfant Jésus, qui s'allonge à la place pour essayer de cueillir un fruit dans la corbeille que lui donne saint Jean, debout sous eux ; autour, cinq figures de saints, reconnaissables à leurs attributs iconographiques. De gauche à droite vous avez : Saint Paul, tenant l'épée, Sainte Anne, veillant amoureusement sur sa fille et son petit-fils, Saint Pierre tenant les clefs du Royaume, Saint Joseph avec son bâton et un outil de menuisier à sa taille, et enfin, dernier à droite, San Carlo Borromeo, dont la présence dans l'œuvre soutient le client lombard. Le tableau provient également de la collection privée d'une famille lombarde, dont il fait partie depuis le XIXe siècle. L'oeuvre est encore sur la première toile et avec le cadre d'origine; au dos, il y a quelques petites taches et des signes de taches précédentes. Elle est présentée dans un cadre de la fin du XIXe siècle.

Huile sur toile. École émilienne. La grande peinture dérive du mélange d'une œuvre de Guido Reni (1575-1642), « Vierge Marie à l'école de couture », perdu mais connu pour des copies d'atelier et de gravures, et une autre version, restées inachevées. Par Reni lui - même et complétée par Gianandrea Sirani (1610-1670), aujourd'hui conservé au Musée de l' Ermitage à Saint - Pétersbourg: l'historien de l' art Massimo Pulini a bien écrit au sujet de cette deuxième version et les travaux de finition par Sirani, à l' article « peintre Gianandrea Sirani de récitatifs et de finition d'inachevé Reniani " L'œuvre présentée ici fait référence à la version de Sirani dans la composition occupant toute la scène des figures féminines participant à l'école, à laquelle s'ajoute le petit chien en bas (cependant, déplacé de gauche à droite), tandis que la version de Reni se réfère essentiellement à la présence sur le droit de la jeune fille accompagnée de sa mère. De plus, un élément absolument nouveau apparaît dans cette œuvre, qui fait de cette toile une version supplémentaire: la présence du paysage s'ouvrant en arrière-plan au centre, encadré entre les deux lourds rideaux. L'œuvre a été restaurée et regarnie. Il est présenté dans un cadre du 18ème siècle, restauré et adapté.

Jacob reçoit la tunique ensanglantée de Joseph

Peinture à l'huile sur toile. Ecole vénitienne du XVIIIe siècle. Le tableau dépeint l'épisode biblique tiré du livre de la Genèse, où les frères de Joseph, jaloux de la prédiliction de leur père Jacob pour lui, lui vendent comment esclave à des marchands qui vont à l'Egypte et déclarent à leur père qu'il est mort: ils portent sur éprouver la tunique souillée du sang d'un animal, cette tunique spéciale que Jacob avait fait tisser spécialement pour son fils bien-aimé. Dans cette représentation, où les couleurs vives soulignent le drame, ressort le mouvement intense du vieux patriarche, qui, défiguré par la douleur au visage, essaie de garder ce tissu taché loin de lui, déplaçant tout son corps vers la gauche et étendant son bras. ne pas lui permettre de l'approcher, presque une tentative de nier l'évidence. A droite, le groupe de trois frères, rapprochés dans une attitude complice, qui se racontent et se pointent le drame paternel. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre ancien réadapté.

Huile sur toile. École toscane de la fin des années 1500 - début des années 1600. La toile fait partie d'une grande production sacrée, qui exaltait la gloire de Marie et des saints proches du client. Au centre, Marie est assise sur un trône avec son petit fils dans ses bras, tandis qu'au-dessus, du ciel ouvert, le Père Éternel la bénit, avec le globe terrestre dans ses mains, symbole de sa puissance sur le monde ; Il est flanqué de deux anges. De chaque côté du trône se trouvent deux saints : à gauche, San Domenico di Guzman, vêtu de l'habit dominicain et tenant un lys et un livre dans ses mains ; à droite, dans son habit caractéristique, saint François d'Assise, tenant la croix en forme de Tau et de livre, et sur les mains duquel on voit les signes des stigmates. L'ensemble de la scène est caractérisé par la nature statique des personnages encore typiques de la période de la Renaissance, par des couleurs vives et par des traits composés et délicats des visages. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre ancien.

Huile sur toile. Ecole napolitaine du XVIIIe siècle. La scène, située près de la mer, est dominée par un grand complexe de ruines architecturales, avec des statues, des arcs, des jardins suspendus, et animé par de nombreuses figurines de roturiers avides d'activités diverses. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre ancien.