Grand Tableau Paysage Huile sur Toile Italie XVIIIe Siècle

Peinture à l'huile sur toile. En bas à droite on trouve la signature N. Bouvier, la date et le nom du destinataire de l'oeuvre Procurante Viodot ("au procurateur Viodot ?). C'est une grande toile à fort impact décoratif, qui propose la Résurrection de Le Christ au moment de sa sortie du tombeau, avec la pierre tombale renversée à gauche et les soldats romains de garde étourdis et effrayés ; le Christ occupe toute la partie supérieure, soulevé du sol et entouré de lumière, venant du ciel ouvert dans qu'l plane libre du joug de la mort , tandis que dans la partie inférieure apparaissent les soldats enveloppés dans un enchevêtrement de membres.Le tableau présente des traces de restaurations antérieures, une fêlure marquée et de petites gouttes de couleur éparses.Il est présenté dans un 19ème cadre du siècle.

Peinture à l'huile sur toile. Ecole nord-européenne du XVIIIe siècle. Une plaque sur le cadre attribue l'œuvre à Meindert Hobbema (1638 -1709) l'un des plus grands peintres paysagistes hollandais. Sans confirmer l'attribution, on apprécie la bonne qualité picturale du paysage arboré, animé par des figurines et avec une charmante maisonnette qui se détache au centre, où le jeu d'ombre et de lumière créé par le soleil entre les branches du les arbres se démarquent. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre du milieu des années 1900.

Peinture à l'huile sur toile. École bolognaise du XVII -XVIII siècle. Marie et l'Enfant Jésus, qui est dans les bras de sa mère debout, les bras déjà étendus pour rappeler la Croix, sont placés sur un fond naturaliste, qui s'estompe dans un ciel rose au loin, tandis qu';à droite se dresse le fût d'une colonne. Les visages des deux personnages montrent une forte ressemblance dans les traits somatiques, en particulier les yeux ressortent, très expressifs dans leur gravité. Les méthodes picturales se tournent vers la peinture d'Elisabetta Sirani (1638 -1665), qui a influencé la peinture bolognaise en introduisant très tôt des modalités expressives et émotionnelles dans le regard de ses personnages. L'oeuvre, restaurée et rentoilée, est présentée dans un cadre ancien.

Gravures sur papier. Cinq sont d'après des dessins de Giuseppe Zocchi (1711-1767) et les cinq autres sont d'après des dessins de Jacopo Amigoni (1682-1752). Ils représentent tous des épisodes de l'Ancien Testament, avec des personnages et des épisodes différents. De Zocchi il y a des scènes de la vie de Tobie, de Jephté, de Moïse (le buisson ardent), d'Agar et de Lot. D'Amigoni, scènes de la vie de Jacob, de David avec Abigaïl, d'Abraham et de deux autres de Moïse (Moïse sauvé des eaux et Moïse défendant les filles de Jérus au puits). L'Allemand Joseph Wagner suit une formation de peintre à Venise, dans l'atelier du peintre rococo Jacopo Amigoni, qui l'invite à se consacrer à la gravure au burin sur cuivre. En 1739, il fonda la chalcographie wagnérienne à Venise, qui devint rapidement le centre de production d'estampes le plus important de la Sérénissime ; son atelier était très prisé par de nombreux graveurs vénitiens (Volpato, Brustolon, Piranèse pour n'en citer que quelques-uns). Dans l'atelier prolifique, les graveurs les plus talentueux en activité à l'époque ont été employés à la création de centaines d'estampes reproduisant toutes sortes de la culture figurative lagunaire variée du XVIIIe siècle, créant des œuvres d'un haut niveau de qualité, dans lesquelles ils ont immédiatement joué un rôle de premier plan. rôle les impressions prises de prototypes de Amigoni, les scènes sont ravivées de goût rococo, dans des paysages dominés par une nature douce et embelli par la présence de ruines antiques, et insérés dans des cadres de rocailles gracieux. Les gravures montrent un léger gore d'humidité. Ils sont présentés dans des montures dorées contemporaines, avec des verres d'époque.

Peinture à l'huile sur toile. École lombarde du XVIIIe siècle. Une composition presque en guirlande de fleurs panachées, qui occupent tout le champ pictural, sur un fond sombre d'où elles émergent toutes seules, sans aucun autre élément de mobilier. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre de style début 1900.

Peinture à l'huile sur toile. Ecole d'Europe centrale. La scène se déroule dans la boutique d'un barbier, qui a l' intention de couper les cheveux d'un homme sous l'œil vigilant d'autres clients et, surtout, de certaines femmes avec des enfants, dont l' observe même le résultat de l'Opéra. Les lunettes ont été introduites dans l'art d'abord comme signe de distinction, puis aussi comme signe d'attention scientifique, délimitant progressivement la figure du savant, du médecin et du chirurgien : dans cette toile, elles soulignent en fait l'ironie de la scène, utilisée comme un outil pour un examen féminin attentif de la coupe de cheveux de son conjoint ! Toute la scène est remplie de personnages, peints de manière brute et presque grotesque, avec des expressions et des poses très marquées, presque théâtrales, également soulignées par des couleurs vives. En raison de ces caractéristiques, la peinture se intègre bien dans la production de scènes de genre de dessin sur la vie populaire capturé dans ses moments les plus animés et caractéristiques, qui a été calculée à compter du dix - septième siècle en Europe centrale, en particulier aux Pays - Bas, pour les remplacer par des sujets plus légers étaient des peintures naturalistes et religieuses, et qui en Italie trouvèrent une expression particulière dans l'"école Bamboccianti", développée à Rome par des peintres flamands et italiens. Le tableau a été restauré et regarnisé. Il est présenté dans un cadre d'époque.

Huile sur toile. Ecole d'Europe centrale. Dans la scène se déroulant à l'intérieur d'une taverne, une bagarre est décrite entre deux hommes, qui sont détenus par les autres clients et par l'aubergiste ; sur la table, à côté du déjeuner interrompu, les cartes du jeu qui ont déclenché la querelle. Toute la scène est remplie de personnages, peints de manière brute et presque grotesque, avec des expressions et des poses très marquées, presque théâtrales, également soulignées par des couleurs vives. En raison de ces caractéristiques, la peinture se intègre bien dans la production de scènes de genre de dessin sur la vie populaire capturé dans ses moments les plus animés et caractéristiques, qui a été calculée à compter du dix - septième siècle en Europe centrale, en particulier aux Pays - Bas, pour les remplacer par des sujets plus légers étaient des peintures naturalistes et religieuses, et qui en Italie trouvèrent une expression particulière dans l'"école Bamboccianti", développée à Rome par des peintres flamands et italiens. Le tableau a été restauré et regarnisé. Il est présenté dans un cadre d'époque.

Huile sur toile. École du nord de l'Italie. Dans la scène quatre jeunes filles dansent, accompagnées de différents instruments: Vénus, qui se distingue par la couronne sur sa tête, bat sur un triangle, les trois grâces ont un tambourin et des castagnettes. En bas au centre, un garçon les accompagne avec la flûte, tandis qu'à gauche, assis sur un rocher appuyé sur son épée, le dieu Mars les observe. Restauré et regarni, le tableau est présenté dans un cadre doré à l'ancienne.

Huile sur toile. Ecole d'Europe centrale. Au dos ce monogramme No.S. et les chiffres d'inventaire probables. Le tableau rappelle des œuvres de la région autrichienne. Il dépeint une bataille entre chevaliers, dominée au premier plan par l'affrontement entre deux d'entre eux. Le tableau provient d'une collection historique lombarde. Toujours sur la première toile et dans le cadre d'origine ; au dos, il y a des taches et des signes de restaurations anciennes, et il a également été soumis à une restauration picturale et restauratrice supplémentaire dans notre laboratoire. Cretto bien marqué. Le tableau est présenté dans un cadre original et contemporain, laqué.

Huile sur toile. Ecole italienne du nord des XVIIe-XVIIIe siècles. Dans un grand paysage vallonné plutôt aride, qui s'élargit et s'estompe vers la droite, se trouve un haut rocher, en forme d'arc, sous lequel se trouve saint Jérôme pénitent, représenté en acte de prière et d'adoration de la Croix. Conformément aux canons de la peinture des XVIIe-XVIIIe siècles, la figure du Saint, adaptée à l'iconographie dans ses vêtements et son attitude, s'insère cependant dans un paysage incohérent, proche de celui du peintre qui puisait dans la réalité paysagère connue de lui. . Le tableau, restauré et rentoilé, est présenté dans un cadre d'époque.