Tableau Ancien '600-'700 L'Arrivée de Jésus Huile sur Toile '600-'700

Peinture à l'huile sur toile. Ecole de l'Italie du Nord du XVIIe siècle. Dans le portrait de cette femme qui n'est plus une jeune femme, vêtue d'une austère robe noire qui se fond dans le décor, la dentelle blanche du col et des manches et le ventre amovible, ou plutôt le plastron richement brodé pour simuler un bijou, inventé à la fin du 1960 pour couvrir les décolletés profonds des robes des femmes, suivant l'influence moralisatrice catholique de la cour de France ; la femme exhibe alors un fin bracelet en or à son poignet. Restauré et rentoilé au XIXème siècle, le tableau est présenté dans un cadre fin XIXème-début XXème siècle.

Le retour après la chasse

Huile sur toile appliquée au tableau. Ecole nord-européenne du XVII-XVIIIème siècle. Au verso figure une ancienne attribution à Peter Wouwerman (1623 -1682), justifiée par la proximité avec les méthodes picturales de l'artiste flamand, très attentif au rendu des moindres détails. Ce tableau représente le retour d';un gentilhomme de la chasse à son palais sur le côté gauche : pendant que les chevaux se reposent et que les chiens s'abreuvent à la fontaine, un serviteur aide le maître à enlever ses hautes bottes, tandis que les femmes quittent le maison pour accueillir les chasseurs. Le tableau est présenté dans un cadre de la fin du XIXe siècle.

Huile sur carton. Ecole italienne du XIXème siècle. La scène pastorale voit à gauche un troupeau de moutons et de vaches s'abreuver et se rafraîchir dans la rivière ; sur la rive droite, sous un arbre, la bergère se repose avec son petit fils qui, après avoir mangé leur repas, joue avec un métier à tisser en bois. La scène bucolique est sereine et paisible. Le tableau est présenté dans un cadre de la fin du XIXe siècle.

Peinture à l'huile sur toile. D'une saveur bucolique et sereine, la scène se déroulant dans la campagne en bordure du village que l'on aperçoit sur la gauche, voit une femme et son fils qui, près d'un ruisseau, attendent le berger avec son troupeau avec un panier repas. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre ancien.

Peinture à l'huile sur toile. Une scène de séduction est décrite sur un chemin de campagne : une jeune femme debout montre son corps à l'homme assis pour se reposer avec son partenaire ; tandis qu'il détourne le regard, sa femme regarde tristement la jeune prostituée, tenant son partenaire par la main. D'autres voyageurs apparaissent sur le chemin. Peut-être d'une portée allégorique, le tableau souligne le contraste entre la fraîcheur, l'éclat et l'ardeur du jeune corps féminin, dont la beauté est affichée, et la forme mal définie, emmitouflée, presque cachée des deux corps âgés. Au dos du tableau, il y a une hypothèse d'attribution à Giuseppe Gambarini (1680-1725) au crayon. Malgré l'attribution douteuse, le tableau est bien fait dans la qualité picturale et dans le rendu du sujet. Restauré et regarnisé, il est présenté dans un cadre ancien réadapté.

Huile sur toile. École italienne du XVIIe siècle. Le père présumé de Jésus, clairement identifié par le bâton fleuri qui le surmonte, tient l'enfant dans ses bras, le tendant comme pour le présenter et l'offrir au monde ; un regard de tendresse passe entre les deux. Restauré et réencadré, le tableau est présenté dans un cadre élégant.

Peinture à l'huile sur toile. La Sainte Famille est représentée avec Marie et Joseph qui, convergeant au centième avec leurs têtes rapprochées, encadrent l'Enfant Jésus, décidé à jouer avec un agneau, symbole iconographique de la victime sacrificielle, donc prélude à la Passion, avec le petite croix que l'enfant tient dans une main. L'nscription anno 1845 apparaît en haut à droite, une indication de la période probablement ajoutée lors de la phase de restauration ultérieure. En effet, l'oeuvre a été restaurée et rentoilée. Il est présenté dans un cadre élégant.

Huile sur toile. Issues d'une collection privée dans laquelle elles ont été réunies en pendentif, les deux compositions sont en réalité différentes par la fabrication et la technique, ainsi que par la taille des toiles. La toile légèrement plus grande (71 x 91 cm), dans de l' huile, comporte deux paniers en osier différents remplis de raisins blancs et rouges, entouré par d' autres fruits (poires et les pêches) , et avec un écureuil curieux reniflant l'air; le fond sombre est vide. La seconde toile (64 x 88 cm) est réalisée avec la technique de l'huile maigre, ce qui la rend très proche pour l'effet pictural d'une détrempe sur toile ; la composition est composée de fleurs et de fruits panachés (pastèque, raisins, pêches), et est placée dans un environnement extérieur, quoique peu défini (les nuages à gauche). Les deux toiles ont besoin d'être nettoyées ; le premier présente des traces de restauration et de rentoilage antérieurs (patch au dos), tandis que le second, très usé sur la première toile, présente des petits trous et des gouttes de couleur très répandus. Les deux œuvres sont présentées dans des cadres laqués blancs, bien que de forme différente.

Huile sur toile. Ecole flamande. La Madeleine est représentée selon ses attributs iconographiques traditionnels : dans le désert, nue et les cheveux longs détachés, avec le livre des Saintes Écritures et dans une attitude de contemplation extatique ; à côté d'elle, le crâne comme un "memento mori", c'est-à-dire un rappel de la fugacité de la vie. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre en bois anciens réadaptés.

Peinture à l'huile sur toile. Ecole lombarde du XVIIe siècle. Sur la première toile et montée sur le châssis d'origine. Le tableau, notamment de forme octogonale, faisant probablement partie d'une série de scènes sacrées, propose la contemplation mystique du Crucifix par deux saints. La Croix, posée sur un autel en marbre, est montée sur un socle en bronze richement travaillé, avec la statue de Saint Sébastien percée de flèches au centre et deux petits anges sur les côtés, portant la palme du martyre et d'autres flèches. Sur les côtés de la Croix, suspendues sur deux nuages, parce qu'elles font partie de la vision mystique, les figures de Marie et de Jean, telles que racontées par l'Evangile. Sur les côtés les deux saints qui contemplent: à gauche Sant'Ambrogio, reconnaissable par les vêtements de l'évêque mais surtout par le fléau sur ses pieds, un attribut indubitable, qu'il, selon la tradition, agitait menaçant contre les ennemis de la foi , pour défendre de toute attaque que les personnes qui lui ont été confiées. À droite, saint François Xavier, le jeune jésuite qui partagea la fondation de la Compagnie de Jésus avec Ignace de Loyola et fut missionnaire en Orient, vêtu d'un habit sacerdotal, d'un chapeau et d'un pèlerin ; à ses pieds, on peut voir un bâton, vraisemblablement celui du pèlerin. La peinture a besoin d'un nettoyage et d'une restauration pour quelques petites coupures.

Tempère sur toile. La peinture fait partie d'une série de gouaches décrivant les allégories des saisons. Dans le paysage sur lequel se dressent les vestiges d'une forteresse, des personnages marchent à pied et en charrette, tandis que les hirondelles planent au-dessus des branches vertes des arbres. Le travail est présenté dans un cadre contemporain.

Marie Dolente

Bas-relief en marbre. Signature gravée dans la marge gauche. Né à Cannobbio (sur le lac Majeur), Giulio Branca a été initié à l'art par le sculpteur cannobien Bergonzoli, et a ensuite fréquenté l'école de nu et de sculpture de G. Strazza à l'Académie de Brera. Né à Cannobio le 13 décembre. 1850 de Ludovico, initié à l'art par le sculpteur cannobien Bergonzoli, fréquente l'école de nu et celle de sculpture de G. Strazza à l'Académie de Brera. Il a réalisé environ quatre cents sculptures, dont des monuments commémoratifs, des monuments funéraires et des portraits en buste. Branca a également participé, à la suite d'un concours, à l'achèvement de ce haut mur de la cathédrale de Côme qui est resté inachevé pendant des siècles, en sculptant diverses figures de marbre blanc sur la façade et l'autel entre 1897 et 1900. L'œuvre présentée est un bas-relief représentant, à mi-corps, la Vierge des Douleurs flanquée de deux femmes pieuses. Il est présenté dans un cadre de support en bois contemporain de la fin du XIXe-début du XXe siècle.