Miroir Ancien Louis Philippe en Acajou Italie du XIXe Siècle - Italie deuxième quart du 19ème siècle

Huile sur toile. Le visage de la Vierge rappelle dans le mode de représentation les peintures de Giovanni Battista Salvi dit le Sassoferrato (1609 -1685), dont le style a été largement repris aux Xviiie et Xixe siècles. Au dos de la peinture se trouve un cartouche avec numéro d’inventaire (N. 193) et le nom du collectionneur Giuseppe Bertarelli (1804-1875), commerçant et philanthrope milanais, connu pour les donations d’œuvres d’art importantes à la Pinacothèque Ambrosiana. La peinture est en première toile; nécessite une restauration pour les petites chutes de couleur et deux petits trous. Il est présenté dans un cadre cohérent.

Huile sur toile. École d'Europe de l'Est. Signé Szego G. en dessous. Il s'agit de deux œuvres à proposer alignées car elles représentent un garçon et une fille allongés sur la même pelouse dans une position en miroir, comme s'ils se faisaient face, vraisemblablement en quête d'un jeu amoureux : ils portent des vêtements gitans et ont des instruments de musique avec eux - elle un tambourin et lui un violon - qui font référence à deux personnages d'ethnie slave, issus du monde gitan. L'ensemble est vivant et serein. Les deux œuvres sont présentées dans des cadres stylés.

Huile sur toile. Le tableau est une copie d'une œuvre d'Alexis Grimou (1678 -1733), exécutée en 1725 et conservée à la Galerie des Offices de Florence. Grimou, également appelé le Rembrandt français, s'était fait une spécialité de ces portraits costumés à l'espagnole, mais il était assez répétitif dans le choix des costumes pour ses portraits : ce pèlerin, qui existe en version masculine et féminine, a souvent été utilisé par lui avec de petites variations. Le tableau présenté ici recoupe également les dimensions de l'original, qui a manifestement été vendu à l'origine comme une "copie". Le jeune homme, un adolescent qui tourne le dos au spectateur, est présenté vêtu d'une veste à col et manches de gala, avec une gourde de pèlerin attachée à la hanche et tenant un bâton de pèlerin de la main droite, l'autre main cachant son chapeau derrière le dos. Le tableau réussit à reproduire assez bien cette gamme de couleurs allant du brun au rouge chaud et au jaune safran qui caractérisait Rembrandt, Il est présenté dans un cadre du même âge.

Crayons sur carton. Elégant portrait de jeune femme, avec une guirlande florale en guise de collier. Présenté dans un cadre doré contemporain.

Portrait Masculin

Crayons couleurs et craie sur papier. Signé en bas à gauche. En bas à droite se trouve la mention « issue de la photographie ». Le peintre et poète de Portogruaro se consacre principalement à la peinture décorative sacrée pour les églises de Vénétie et du Piémont. Le portrait proposé ici est présenté dans un cadre contemporain, qui nécessite une restauration en raison de multiples défauts.

Peinture à l'huile sur toile. Ecole nord-européenne du XIXe siècle. Portrait d'une dame ronde et posée, en tenue de maison sobre. Restauré et rentoilé, il est présenté dans un cadre d'époque.

Intérieur d'un Ferme

Peinture à l'huile sur toile. Signé en bas à gauche. L'œuvre avait déjà été acquise lors de la vente aux enchères Sotheby's à Milan le 12/10/2007. Il a été exposé en 1991 dans l'exposition "Giovanni Sottocornola. Images d'une collection" organisée à Milan à la Galerie Silbernagl. Après une première phase picturale consacrée aux portraits et aux natures mortes, Giovanni Sottocornola aborde dans les années 1880 des thèmes sociaux, qui deviennent les sujets de prédilection des jeunes peintres lombards attentifs aux aspects les plus misérables de la société, liés à l'adoption de techniques artistiques originales. Sottocornola embrasse la pratique de la peinture pointilliste, à propos de laquelle il écrit en 1895 : « Pour l'instant, c'est certain, je suis convaincu qu'il n'y a pas d'autre tableau plus propre à transmettre certaines sensations que celui-ci ». Cependant, ce type de peinture est resté entièrement axé sur la lumière par l'artiste, sur ses vibrations tonales incertaines, comme c'est le cas dans l'Intérieur Stable, réalisé vers la fin des années 1980, où le jeu d'ombre et de lumière joue et crée les effets visuels dans les touches de couleur jouées sur quelques gammes chromatiques, celles des bruns, exprimées dans une grande multiplicité de nuances. L'œuvre est présentée dans un cadre d'époque.

Huile sur papier appliquée sur toile. Les quatre œuvres proposent des sujets bucoliques, animés par des bergers avec leurs troupeaux et leurs fidèles chiens, parfois au repos sur le bord de la route, dans deux scènes également flanquées de marchandes de fruits. Les œuvres s'inspirent (ainsi que par la citation au dos de l'une d'elles) de la production de Francesco Londonio, l'artiste milanais du XVIIIe siècle qui s'est fait connaître pour ses scènes rurales et pastorales, dans un répertoire de instantanés savoureux de la vie paysanne. Les quatre tableaux sont présentés dans des cadres dorés contemporains, avec de petits défauts.

Peinture à l'huile sur toile. De goût ancien, le paysage, verdoyant et avec le village au centre, est animé au centre par des figures de bergers et un voyageur à cheval qui abreuvent les animaux dans le ruisseau, conversant avec un autre voyageur passant sur le pont. Restaurée, elle est présentée dans un cadre contemporain adapté.

Marie Dolente

Bas-relief en marbre. Signature gravée dans la marge gauche. Né à Cannobbio (sur le lac Majeur), Giulio Branca a été initié à l'art par le sculpteur cannobien Bergonzoli, et a ensuite fréquenté l'école de nu et de sculpture de G. Strazza à l'Académie de Brera. Né à Cannobio le 13 décembre. 1850 de Ludovico, initié à l'art par le sculpteur cannobien Bergonzoli, fréquente l'école de nu et celle de sculpture de G. Strazza à l'Académie de Brera. Il a réalisé environ quatre cents sculptures, dont des monuments commémoratifs, des monuments funéraires et des portraits en buste. Branca a également participé, à la suite d'un concours, à l'achèvement de ce haut mur de la cathédrale de Côme qui est resté inachevé pendant des siècles, en sculptant diverses figures de marbre blanc sur la façade et l'autel entre 1897 et 1900. L'œuvre présentée est un bas-relief représentant, à mi-corps, la Vierge des Douleurs flanquée de deux femmes pieuses. Il est présenté dans un cadre de support en bois contemporain de la fin du XIXe-début du XXe siècle.

Huile sur toile avec application en relief de couleur hautement matérielle, pour définir les couronnes et les initiales en haut. La peinture reprend le style des icônes antiques, tant dans le sujet que dans la peinture dorée pour définir certains détails, ainsi que dans l'utilisation du cyrillique pour les initiales du haut. De plus, l'inscription Rome apparaît en caractères latins sur la couronne de Marie, probablement pour indiquer le lieu d'achat. Déjà rentoilé, le tableau présente dans la partie peinte quelques traces de restauration antérieure, assez grossières, et quelques petites gouttes de couleur.

Peinture à l'huile sur toile. Ce portrait d'une femme vêtue d'une robe très abondante qui masque ses formes et dont le visage est recouvert d'un masque noir est curieux : la partie visible du visage suggère un visage jeune et souriant, l'attitude furtive de celle qui tente de se cacher derrière le chapiteau lourd, suggère une blague en cours, en thème avec une fête, un moment de plaisir. La peinture est présentée dans un cadre contemporain.