Murano Années 1940

Bol en verre irisé modelé de larges côtes. Fabrication Barovier.

Service à thé en porcelaine blanche avec décoration. Les peintures au plomb de Giò Ponti, directeur et créateur de l'Richard-Ginori dans ces années-là. En dessous de la base la marque de la manufacture. Service à thé composé d'une théière, un sucrier, un pot à lait, douze soucoupes et onze tasses.

Nature morte avec des trous, des fruits, un perroquet et une caille

Huile sur toile. Ecole napolitaine du XVIIe-XVIIIe siècle. La grande composition est riche de nombreux éléments différents : au centre se dresse une grande composition florale, de multiples variétés aux couleurs vives ; à gauche des fleurs, appuyées sur un chapiteau dorique, se trouve une perruche aux couleurs vives contrastant avec celles ternes de la caille morte gisant à l'étage inférieur, accompagnée de citrouilles et d'un vase en étain. Le tableau, restauré et rentoilé, est présenté dans un cadre d'époque. Il provient d'une importante collection (Commendatore Arturo Stucchi, un entrepreneur de Côme, est mentionné au dos).

Table rectangulaire élégante et austère en merisier massif. Conçu par Frank Lloyd Wright en 1925, produit par Cassina depuis 1989.

Seconde moitié du XIXe siècle

Vase urne en porcelaine de Sèvres bleu cobalt à décors phytomorphes dorés et médaillons polychromes, représentant dans l'un un paysage lacustre, tandis que dans l'autre une scène bucolique ; dans ce dernier, il signe « Cottiret ». La base polylobée, les anses à têtes féminines et la pomme de pin du couvercle sont en bronze doré. Sous le couvercle est écrit « Offert par le duc de Choiseul à Madame de Compan » ; double marque présente avec l'emblème de la manufacture.

Huile sur ardoise. Peinte sur une épaisse dalle d'ardoise, la scène présente le moment dramatique où Marie, entourée d'un groupe de femmes pieuses, pleure sur le corps de son Fils descendu de la Croix : elle s'abandonne dramatiquement dans les bras des deux femmes derrière elle, tandis qu'au sein de son ventre repose le corps inerte du Fils, sur la main duquel pleure une troisième femme ; au-dessus, un groupe d'anges qui regardent du ciel ouvert, d'où jaillit la Lumière divine, participent à la lamentation. Marie est la seule figure qui porte des vêtements aux couleurs vives, qui contrastent avec la couleur cireuse du corps du Christ reposant sur ses genoux, tandis que les autres femmes portent des vêtements aux couleurs ternes, tout aussi neutres sont les corps des petits anges. Les figures sont placées sur un fond sombre, dans lequel l'ouverture du sépulcre est à peine visible : l'effet chromatique est rendu grâce également à la base picturale utilisée, l'ardoise, une pierre également connue sous le nom de "tableau noir", comme la plus d'importantes carrières d'ardoise sont situées près de la ville de Lavagna en Ligurie. La modalité picturale rappelle les oeuvres de Pietro Mera dit le Flamand, peintre originaire de Bruxelles qui vécut entre le XVIe et le XVIIe siècle : actif longtemps à Venise, travaillant de 1570 à 1603 au service du Cardinal d'Este, Mera a largement utilisé l'ardoise comme support pictural pour certaines de ses œuvres. Le matériau avec sa couleur sombre caractéristique a permis à l'artiste de créer des contrastes lumineux intenses et de mettre en valeur les personnages, représentés avec une gamme chromatique lumineuse et éclairés par des touches de lumière brillantes. En bon état, le tableau est présenté dans un cadre ancien.

Erminia parmi les bergers

Huile sur toile. La grande toile raconte un épisode tiré de la Gerusalemme Liberata de Torquato Tasso, dans lequel la jeune Erminia, princesse d'Antioche secrètement amoureuse de Tancrède, assiste à la blessure de son bien-aimé en duel. Poussée par l'amour, elle porte donc les armes de la guerrière Clorinde, son amie proche, et la nuit elle sort pour rejoindre son bien-aimé Tancredi et le guérir. Mais dans le camp chrétien un rayon de lune l'éclaire et, prise pour Clorinde par les sentinelles, elle est forcée de prendre une fuite précipitée : c'est ainsi que cela se passe dans un village habité par des bergers qui vivent loin de la guerre dans un espace idyllique , où elle demande et obtient d'être hébergée quelque temps dans le (vain) espoir d'oublier son amour malheureux. L'oeuvre, déjà attribuée à Carlo Loth, relève plutôt de la production de Louis Dorigny, le peintre parisien qui vécut longtemps en Italie, à Rome, à Venise et enfin définitivement à Vérone, où il obtint de nombreuses commandes de Véronèse mais également de clients vénitiens et lombards, étendant son activité de peintre de fresques de Bergame à Udine. A Vérone depuis le début du siècle, les préférences dans le domaine de la peinture vont vers un langage classiciste complexe dans la composition, mais calme et élégant, même dans les grandes œuvres décoratives. Dorigny se conforme à ce tableau qui mêle dans cette toile le classicisme équilibré de Simon Vouet (dont il était le petit-fils) au clair-obscur appris à Rome et à la calme élégance vénitienne. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre du début du XXe siècle.

Jour de fête au Village

Huile sur toile. Au dos du tableau se trouvent quelques étiquettes : une provenant d'un marché anglais (probablement une vente aux enchères du début des années 1900) portant le titre ; une seconde d'une galerie milanaise via Montenapoleone (des années 1930) et enfin une étiquette d'une importante collection privée. La scène propose un moment de fête dans un village nordique : au centre de la rue, des hommes et des femmes dansent et discutent, tandis que d'autres s'assoient à des tables pour boire et jouer, enfants et animaux se poursuivent ; l'ambiance est animée et joyeuse. Le style pictural et les méthodes d'exécution sont compatibles avec la production de David Teniers III (fils de David Teniers II le Jeune), peintre flamand qui inclut dans sa production diverses scènes de fête et de vie villageoise. Restaurée et rentoilée à la fin du XIXe siècle, avec un cadre de la même époque.

XX Siècle / 1901 - 2000

Paire de chandeliers en argent à cinq flammes à bras en volute de feuilles, têtes zoomorphes et décors de motifs végétaux. Marque d'argenterie et d'orfèvre gravée à la base. Grammes 2830.

Meuble caractérisé par un corps massif et monolithique, inspiré des décorations murales de la Renaissance.Les tiroirs en bois d'origine, obtenus à partir d'un buffet des années 1960, ont une forme de losange et sont contenus par une ? nition métallique rose satiné. Sur les côtés se trouvent deux niches fermées par des portes, l'une à abattant et l'autre à charnières, qui reprennent la forme du losange.

Buffet noir semi-brillant caractérisé par des formes simples et un jeu subtil de surplombs et d'évidements. Les trois caisses en bois, obtenues à partir d'un meuble des années 60, sont légèrement décalées dans leur positionnement et génèrent un jeu d'ombres et une surface d'appui intermédiaire. Les côtés ont des compartiments ouverts, dont les fonds montrent les côtés des boîtes en bois d'origine. Les détails en laiton brossé des poignées, des anneaux circulaires de la niche centrale et des pieds donnent à l'ensemble du meuble de sobres traits de lumière : un meuble qui allie élégance et fonctionnalité.

Meuble caractérisé par un jeu de bords articulés, de fortes asymétries et des désalignements. Le meuble de rangement aux formes dérivées de l'architecture moderne. Les trois éléments en bois en teck des années 1960 ont été restaurés et présentent différents types d'ouvertures. La présence du compartiment ouvert au centre du meuble génère une ombre forte qui dialogue avec celles des compartiments placés sur les côtés inclinés.