Peinture à l'huile sur toile. L'épisode biblique représenté fait référence à l'histoire de Daniel, le prophète de la cour du roi Darius le Mède qui, pour avoir prié son Dieu, fut condamné à être jeté dans la fosse aux lions. Mais Dieu a sauvé Daniel, en envoyant un ange pour fermer les mâchoires des bêtes, et le roi a pardonné à Daniel en condamnant à la place ceux qui l'avaient dénoncé. Le sujet a été représenté à plusieurs reprises dans l'art, pour la fascination liée à l'histoire mais aussi pour sa saveur exotique due à la présence de bêtes sauvages ; on se souvient en particulier de la version de Rubens de 1615, où le prophète est représenté, nu dans la fosse souterraine, tandis qu'il prie ardemment, entouré d'une foule de lions féroces. L'œuvre présentée ici propose plutôt une version centrée sur le dialogue entre le prophète et l'ange, qui se font face, se détachant par les couleurs vives de leurs robes sur le fond sombre d'une prison ; il n'y a qu'un seul lion, docilement accroupi aux pieds de l'ange, et donc la dimension spirituelle et salvatrice de l'événement biblique prévaut. Selon le célèbre historien de l'art Maurizio Marini, spécialiste de la peinture du Caravage et de l'art baroque, qui avait eu l'occasion de voir le tableau il y a des années, l'œuvre pourrait être attribuée à Antonio Maria Vassallo (1620 -1664) pour la composition et choix chromatiques. Le tableau, restauré et rentoilé, est présenté avec un cadre en listello.

Huile sur toile. La Vièrge est représentée en gloire, debout dans les cieux et entourée d'anges. L'œuvre, encore en première toile, a été appliquée sur un cadre moderne : ce fait, ainsi que la figure incomplète de Marie, suggère que le tableau faisait partie d'une toile plus grande. Le tableau est présenté dans un cadre stylisé.

Peinture à l'huile sur toile. La Sainte Famille est représentée avec Marie et Joseph qui, convergeant au centième avec leurs têtes rapprochées, encadrent l'Enfant Jésus, décidé à jouer avec un agneau, symbole iconographique de la victime sacrificielle, donc prélude à la Passion, avec le petite croix que l'enfant tient dans une main. L'nscription anno 1845 apparaît en haut à droite, une indication de la période probablement ajoutée lors de la phase de restauration ultérieure. En effet, l'oeuvre a été restaurée et rentoilée. Il est présenté dans un cadre élégant.

Huile sur toile. Il s'agit d'une représentation traditionnelle de l'événement de la mort de Jésus sur la Croix, avec sa mère Marie et le disciple bien-aimé au pied de la Croix, contemplant le Christ mourant ; à l'arrière-plan, la ville de Jérusalem. Très essentielle dans sa représentation et statique dans les positions des personnages évangéliques, la scène souligne le drame sur un fond sombre, bien qu'une lumière s'ouvre au-dessus du Christ pour annoncer la participation divine à l'événement. La peinture, qui a déjà été retouchée, présente une légère décoloration.

Huile sur toile. Représentation traditionnelle du Crucifix, entouré des saints liés au culte du patron. En l'occurrence, il s'agit de Madeleine, embrassant le poteau de la Croix, à gauche de saint Paul, reconnaissable à son épée, à droite de saint Barthélemy, tenant sur son bras sa peau écorchée, signe du martyre auquel il a été soumis. Le tableau, restauré et réencadré, est présenté dans un cadre ancien réaménagé.

Vièrge Marie avec Enfant

Huile sur faésite. Signée en bas à droite. Francesco Mazzucchi, artiste originaire de Pavie et actif en Lombardie, s'est principalement consacré à l'art sacré, laissant ses œuvres dans plusieurs églises de la région de Vigevano. Voici cette délicate et tendre représentation de la Vierge à l'Enfant, en couleur et en scène, qui montre la mère et l'enfant dans un moment d'intimité domestique, occupés à jouer avec les pigeons dans le jardin. Encadré.

Huile sur toile. École d'Italie centrale du XVIIe siècle. Cette représentation inhabituelle et particulière présente à gauche les trois personnages de la Sainte Famille, avec Jésus déjà enfant, assis à table et bénissant le simple repas qu'ils s'apprêtent à prendre (composé de fruits et de pain). La scène, un sujet représenté plutôt rarement et habituellement avec un caractère plus sacré en raison de la présence d'anges servant la nourriture à la famille, a ici plutôt la saveur d'une intimité domestique très normale et très simple. D'autre part, tout autour de la Sainte Famille se détache majestueusement un aperçu d'une ville de la Renaissance, avec de hauts bâtiments dotés de loggias et de colonnades, présentés dans un bel effet de perspective qui mène, à l'extrême droite, au mur d'entrée d'une ville richement touffue, probablement Jérusalem. Restauré et réencadré, le tableau est présenté dans un cadre de la fin du XIXe siècle.

Version réduite d'un retable de Girolamo Mazzola Bedoli

Peinture à l'huile sur toile. Ecole vénitienne du XVIIe siècle. Entièrement au premier plan, cette scène d'un groupe de personnages sacrés, qui présente les visages de Marie et de l'Enfant Jésus au centre, entourés du jeune San Giovanni en bas à gauche, et trois anges formant une couronne autour. Tous les personnages sont joyeux et souriants, malgré la référence à la passion donnée par le bâton surmonté de la Croix que Jean offre à Jésus.Le mouvement des corps et les couleurs vives animent la scène. La peinture est toujours sur la première toile, sans aucun signe de restauration antérieure. Il y a plusieurs gouttes de couleur, réparties surtout le long de la marge inférieure et des deux côtés. Il est présenté dans un cadre en bois laqué antique.

L'incrédulité de Thomas

Verre au plomb, avec verre polychrome peint à la main. La scène de l'Evangile est représentée dans laquelle saint Thomas, après avoir douté de sa Résurrection annoncée par les autres disciples, reconnaît Jésus qui lui apparaît et lui demande de toucher de sa main ses plaies sur la Croix. L'oeuvre présente quelques légères cassures et quelques verres d'origine manquants, qui ont été remplacés. Il est monté dans un cadre récent.

Repos pendant la fuite en Égypte

Huile sur toile. XVIII -XIX siècle. Le thème sacré dans cette scène prend une connotation familière, pleine de tendresse et d'intimité très terrestres : dans un contexte presque exotique, qui évoque une oasis dans le désert pour les palmiers et une source d'eau dans un paysage aride et vallonné, dénudé, Joseph et Marie s'assoient pour se reposer pendant leur fuite en Égypte, pour échapper à la persécution d'Hérode ; la mère tient tendrement l'enfant Jésus sur ses genoux, le regarde tendrement et l'emmaillote, tandis que Joseph les observe satisfaits et détendus. Toute la scène est caractérisée par la dominance des couleurs brun-ocre, dont seule la robe de Maria diffère, dans ses couleurs bleues et rouges traditionnelles ; en arrière-plan, un ciel clair aux couleurs d'une aube qui vient de se lever, avec des nuances de rose. La toile a été appliquée sur un châssis neuf du milieu des années 1900 et placée dans un châssis de la même époque, qui présente quelques défauts.

Huile sur toile. XVIIe-XVIIIe siècle École émilienne. Il s'agit d'une copie précoce du célèbre panneau du Corrège, intitulé La Madonna di San Girolamo ou Il Giorno (Notre-Dame de saint Jérôme ou Le Jour), datant d'environ 1528 et aujourd'hui conservé à la Galerie nationale de Parme. Le sujet de la représentation est la présentation par saint Jérôme à Jésus de la traduction de la Bible de l'hébreu au latin populaire, un travail que le saint a réalisé à la demande du pape Damase et qu'il a achevé en se cachant dans la solitude de la grotte de Bethléem. Dans le tableau, le centre de la scène est occupé par Marie, assise avec l'enfant Jésus dans les bras. Autour d'eux, plusieurs personnages sont disposés en demi-cercle. Sur la gauche se tient la puissante figure du vieux Jérôme, qui regarde l'Enfant, le rouleau de traduction à la main, et le lion, son compagnon ermite, accroupi à ses pieds. Sur le même côté, un ange brandit la Bible et s'adresse en souriant à la Vierge à l'Enfant. De l'autre côté se trouve la Madeleine, semi-allongée, embrassant affectueusement le petit pied de l'enfant qui, à son tour, lui caresse les cheveux, dans un geste intime qui souligne le lien intense entre les deux personnages. Derrière Madeleine, un petit ange fronce le nez en reniflant le pot d'onguents de la sainte pénitente. La scène se déroule sous un rideau rouge, ouvert sur un vaste paysage. Le tableau de Corrège a connu un tel succès qu'il en existe de nombreuses copies et répliques antiques, dont celle présentée ici. L'œuvre, restaurée et retouchée, est présentée dans un cadre ancien du même âge.

Disciple de Peter Paul Rubens

Huile sur toile. Le tableau dérive de l'œuvre de Rubens (1577 -1640) conservée au musée du Prado à Madrid, reproduite comme contrepartie dans la gravure de Paulus Pontius (1603 -1658), qui apparaît également dans cette version. Au centre de la scène, à la verticale, se trouve la figure de Marie, dont le visage est inspiré de celui d'Isabel Brandt, la première épouse du peintre flamand, décédée en 1626 à l'âge de 35 ans. La Vierge tient dans ses bras l'Enfant Jésus, qui la regarde tendrement mais gravement dans les yeux, tandis qu'une petite main se pose sur le sein découvert de sa mère, dont il vient d'être nourri ; derrière, debout, sainte Anne entoure les épaules de sa fille et de son petit-fils d'une étreinte tendre et protectrice, en souriant avec complaisance : Sur le côté gauche, un peu à l'écart et dans l'obscurité, Joseph observe, pensif et inquiet : c'est la seule figure humaine qui ne s'intègre pas dans la lumière émanant du visage de l'Enfant, rayonnant sur celui de Marie et, par réflexion, également sur celui de Sainte Anne. Par rapport à l'œuvre du maître, la composition des figures est respectée, mais plusieurs détails varient, notamment dans les vêtements de sainte Anne, de Marie et dans la draperie qui entoure les hanches de l'Enfant, ce qui renforce l'hypothèse qu'il s'agit de l'œuvre d'un suiveur du maître flamand. La peinture, restaurée et reteinte, est en bon état, avec seulement une éraflure dans la couleur en haut au centre.

Huile sur toile. École flamande des XVIIe et XVIIIe siècles. La grande scène se déroule dans un vaste paysage nordique, au sein d'une forêt remplie de plantes tortueuses, et à droite une ville surmontée de pics rocheux. À l'intérieur de la forêt, un groupe important de personnages, populaires mais aussi de haut rang, tous vêtus à l'orientale, entourent Jean-Baptiste, représenté dans son costume iconographique traditionnel (vêtu de peaux, avec son bâton surmonté de la Croix et enveloppé d'un rouleau, un agneau à ses pieds) : le regard de Jean est tourné vers le haut, dans l'axe d'un oiseau volant au-dessus de la cime des arbres, représentation symbolique de l'Esprit Saint inspirant les paroles du prédicateur. Restauré et réencadré, le tableau est présenté dans un cadre de la fin du XIXe siècle ou du début du XXe siècle.

Huile sur toile. Ecole italienne du nord des XVIIe-XVIIIe siècles. Au dos cette étiquette de la Galerie d'Art avec l'indication "Ecole Vénitienne de 1600". L'épisode évangélique de la déposition du Christ de la croix est représenté. Le corps de Jésus, qui se détache blanc pour la pâleur de la mort mais aussi comme symbole de sa pureté, se détache au centre parmi les autres personnages, le seul inerte parmi les autres personnages. Ses bras encore ouverts alors qu'il est détaché de la Croix, constituent un lien entre les deux figures de Marie et Jean debout en dessous de lui, et le ciel. Autour de plusieurs figures qui créent en chorale du mouvement, des entrelacs, des formes et des couleurs. L'oeuvre restaurée et rentoilée est présentée dans un cadre contemporain, en bois sculpté, stuqué et laqué.

Marie Dolente

Bas-relief en marbre. Signature gravée dans la marge gauche. Né à Cannobbio (sur le lac Majeur), Giulio Branca a été initié à l'art par le sculpteur cannobien Bergonzoli, et a ensuite fréquenté l'école de nu et de sculpture de G. Strazza à l'Académie de Brera. Né à Cannobio le 13 décembre. 1850 de Ludovico, initié à l'art par le sculpteur cannobien Bergonzoli, fréquente l'école de nu et celle de sculpture de G. Strazza à l'Académie de Brera. Il a réalisé environ quatre cents sculptures, dont des monuments commémoratifs, des monuments funéraires et des portraits en buste. Branca a également participé, à la suite d'un concours, à l'achèvement de ce haut mur de la cathédrale de Côme qui est resté inachevé pendant des siècles, en sculptant diverses figures de marbre blanc sur la façade et l'autel entre 1897 et 1900. L'œuvre présentée est un bas-relief représentant, à mi-corps, la Vierge des Douleurs flanquée de deux femmes pieuses. Il est présenté dans un cadre de support en bois contemporain de la fin du XIXe-début du XXe siècle.