Scène de Travail sur la Plage

Huile sur toile. Signé en bas à droite. La scène imposante décrit l'entreprise de hisser un bateau à terre avec une remorque tirée par des chevaux : les six bêtes puissantes sont les protagonistes, situées par paires à différents étages, tandis que des pêcheurs arrangent les câbles de remorquage ; la mer, le ciel et la plage sont placés sur trois lignes parallèles, qui se fondent également chromatiquement l'une dans l'autre; perpendiculaire à ces lignes, le mât du drapeau du bateau, qui crée l'union entre les trois éléments. Edgar Pierre Jozef Farasyn (son nom apparaît aussi comme « Edgard Farasyn » et « Edgard Farasijn ».) Artiste belge formé à Anvers où il a ensuite travaillé, il a été peintre, aquarelliste, graveur, graphiste. I Il peint d'abord des scènes pour enfants, mais à partir de 1885 il passe à la peinture en plein air, peignant de nombreuses scènes de ville et dans l'ancien marché aux poissons d'Anvers, mais aussi de nombreux paysages ruraux et vues de villages. Attiré par la mer, il y séjourne régulièrement, créant de nombreuses scènes réalistes de la vie des pêcheurs et de leurs familles. Ses premières œuvres se caractérisent par un style réaliste, avec des couleurs plutôt grises et sombres, et avec une atmosphère rigoureuse. Plus tard, il est passé à une utilisation plus lumineuse de la couleur et à une représentation subtile de la lumière. L'œuvre présentée ici de par ses dimensions considérables (inhabituelles pour l'artiste), suggère une œuvre pour un client important. Il est présenté dans un riche cadre doré du début des années 1900.

Aquarelle sur papier. Signé en bas à droite "Marquis de Salis". La scène sympathique représentée se déroule à l'intérieur d'une école de religieux, comme l'indique l'abcédaire au sol en dessous ; les personnages sont filmés au moment de la prière : ils sont tous agenouillés, la supérieure devant l'autel au Crucifix mène la prière, tandis que tous les enfants la suivent, plus ou moins posés et attentifs, encadrés par une autre religieuse. Le travail est présenté dans un cadre de style.

Scène galante et scène pastorale

Paire de peintures sur cuir, représentant une scène galante et une scène pastorale. Dans des cadres stylisés.

Scènes Pastorales

Huile sur panneau. Décoré de scènes pastorales sur fond monochrome vert clair, avec des couples, des enfants, des paysans individuels pris pendant de moments de repos et de conversation, à la manière des modèles du XVIIIe siècle. Probablement des panneaux en bois de portes de meubles, les tableaux ont été montés plus récemment sur des châssis en bois. Ils ont plusieurs chutes de couleur et des taches, en particulier au niveau de l'arrière-plan.

Sur le canapé d'argent pâle 1911

Lithographie en couleurs sur papier vélin. Le titre en bas à gauche. Sur le passe-partout le nom et la mention "lithographie originale". Il s'agit de la planche n.10 de la série "Amour", créée en 1899 par l'artiste français et inspirée des poèmes d'amour que Denis a écrits pour sa future épouse, Marthe Meurier. Quelques répliques de la série initiale ont été réalisées, dont celle sur papier de soie datée de 1911. Maurice Denis, peintre français, s'est formé artistiquement en coïncidence avec la naissance du mouvement symboliste qui l'a fortement influencé, s'imposant par sa simplicité et par sa philosophie d'un art qui était une synthèse entre le monde extérieur et la spiritualité de l'artiste. Dans ses premières œuvres, le style pictural est naturaliste et néo-impressionniste, mais tend au fil du temps vers un décorativisme pur, caractérisé par des aplats de couleur et des contours nets. En 1888, à l'Académie Julian à Paris, Maurice Denis fonde avec Paul Sérusier, Pierre Bonnard et Paul Ranson, le groupe de peintres Nabis (Prophètes), groupe qui s'inspire des œuvres et de la poétique de Paul Gauguin dans leurs idéaux esthétiques., pour le dépassement du naturalisme impressionniste par un retour à l'art primitif et japonais. Des rencontres Nabis, habituellement tenues à la rédaction de la revue "Revue Blanche" ou à l'Académie Ranson, Denis appréciait particulièrement le climat mystique, le jargon ésotérique et le surnom que chaque peintre recevait du groupe : Denis était appelé "le Nabi par les belles photos". Comme "Nabi" Maurice Denis peignait des tableaux intimes et énigmatiques et les thèmes de sa peinture, à caractère religieux ou des situations de la vie quotidienne, étaient portés dans une dimension idéale et irréelle, dans une atmosphère d'intimité chaleureuse et sereine, obtenue avec une extrême trait délicat. Une constante dans sa vie a été la profession de foi catholique, qui a toujours eu pour lui un rôle prioritaire. Il reçut de nombreuses commandes pour la décoration d'églises et cela le fit revenir à la grande tradition de la peinture murale en exécutant des fresques solennelles de structure monumentale, inspirées d'un catholicisme littéraire. La ferveur religieuse conduit Maurice Denis à fonder, en 1919, les Ateliers d'Art Sacré, consacrant beaucoup de temps à la prière, à tel point qu'il devient le tertiaire de San Domenico, sans l'isoler du monde, pour lequel il participe dans la vie sociale de l'époque. En plus de sa vaste production de peintre, Denis était un grand dessinateur et illustrateur. Jusqu'à sa mort, Maurice Denis a continué à peindre dans une interprétation moderne de la grande peinture ancienne, soutenu par sa forte veine artistique, continuellement alimentée par ses voyages, dont beaucoup en Italie, qui l'ont amené à entrer en contact direct avec les Préraphaélites. et les néoclassiques.

Huile sur toile. Il s'agit d'une représentation picturale d'un épisode tragique très probablement antisémitique. À droite un militaire en Russe uniforme, de retour à maison blessée, il se retrouve devant les yeux la scène dramatique de la famille massacrée, que le rabbin est en train de veiller en prière. La fenêtre cassé, les tiroirs retourné, montrent l'irruption forcée des assassins. À gauche du miroir nous trouvons une inscription en Hébreu qu'il pourrait suggérer la localisation ou la trace qui propose. Le mot pourrait être traduit avec du "Ciro", et il pourrait se référer à la zone de la Géorgie et Azerbaijan traversés par le Kura,fiume que de la Turquie il se jette dans le Mer Caspienne, note connue en le 800 comme Ciro. La peinture restaurée et réintolé est présenté en cadre de 800.

Aperçu de la baie de Naples

Huile sur tablette. Signé en bas à droite. Au dos, cachet de l'atelier-atelier d'art de l'artiste à Naples. L'aperçu de la baie de Naples offre une vue sur un débarcadère pour les bateaux de pêche, le long d'une plage peuplée de nombreuses figures ; Le Vésuve s'élève en arrière-plan, dont le contour s'estompe dans le ciel nuageux et gris, qui bloque la lumière du soleil du jour, plutôt éclairée par l'agitation animée des gens au bord de l'eau. On sait très peu de choses sur l'artiste napolitain Eduardo Scognamiglio : dans sa production, il y a de nombreux aperçus et vues, en particulier napolitains, mais aussi des scènes de genre populaires et des portraits de figures populaires. Sa production a eu un large public également à l'étranger, où il était connu, apprécié et largement demandé, ce qui lui a valu le nom anglais d'Edwardo. Le tableau est présenté dans un cadre stylisé.

Art éthiopien, vers 1935

La toile représente la vie quotidienne et son déroulement à travers le travail des champs, élément central de survie. Dans la rangée supérieure on voit le premier labour, suivi, après l'arrivée des pluies, d'une seconde préparation du sol. Au deuxième rang, on voit les graines extraites des greniers ; ils sont transportés dans des sacs et semés, suivis d'un revêtement à la houe; la rangée se ferme avec la germination des semis. Au troisième rang, le fermier veille et protège les semés des animaux sauvages ; suit la scène de la moisson et du battage, qui se termine par le rangement du fruit du travail dans le grenier. Au quatrième rang, une femme prépare la farine et cuit une fougasse ; puis elle lave les pieds de son mari et il lui rend la pareille en lui offrant la première bouchée ; la scène se termine avec toute la famille au lit. Elle fait partie d'un groupe de sept œuvres arrivées en Italie à la fin des années 30 ; ils ont été achetés directement sur place, comme nous l'avons reconstitué à partir de la correspondance et des photos de famille, par l'avocat xxx, grand-père des propriétaires, qui a été envoyé comme représentant légal d'une société de production italienne en 1935 en Éthiopie, et de là il a été expulsé en 1938 par le général Graziani parce qu'il était considéré comme anti-fasciste. Les toiles sont restées dans la collection familiale, dans le palais familial, et sont maintenant re-proposées dans toute leur puissance expressive. L'Éthiopie a une histoire très particulière : située entre l'Afrique et l'Asie, et entre la Méditerranée et l'océan Indien, elle a été un carrefour et un point de rencontre de différentes cultures, également stimulé par des flux commerciaux constants et intenses. Cinq siècles avant JC, la dynastie d'Axoum fut établie ; sous ce règne, au IVe siècle après Jésus-Christ, le christianisme s'établit comme religion d'État, dans sa version copte orthodoxe. Les textes sacrés médiévaux parlent aussi, cependant, d'une relation directe avec l'une des dix tribus juives, réfugiées en Éthiopie, dont la lignée royale est issue de la reine de Saba. Et en fait, en Éthiopie, la lignée Falascià vit encore aujourd'hui, des Juifs noirs dont les premiers enregistrements historiques remontent à 600 après JC. L'Éthiopie était donc un rempart judéo-chrétien, avec des influences africaines, mais à considérer presque comme le bord sud de la culture méditerranéenne.

Huile sur toile. École d'Europe de l'Est. Signé Szego G. en dessous. Il s'agit de deux œuvres à proposer alignées car elles représentent un garçon et une fille allongés sur la même pelouse dans une position en miroir, comme s'ils se faisaient face, vraisemblablement en quête d'un jeu amoureux : ils portent des vêtements gitans et ont des instruments de musique avec eux - elle un tambourin et lui un violon - qui font référence à deux personnages d'ethnie slave, issus du monde gitan. L'ensemble est vivant et serein. Les deux œuvres sont présentées dans des cadres stylés.

Scène de Sacrifice à Vénus

Aquarelle sur papier. En bas à gauche le nom Giuseppe Cades, Bien qu'au dos, en plus de l'attribution, le titre "Le serment de la Vestale" soit proposé, la scène propose plutôt une jeune fille qui offre des guirlandes de fleurs à la statue de la déesse Vénus, traditionnellement représentée discrète, qui tient le voile d'une main pour couvrir les reins tandis que l'autre va couvrir la poitrine, et la tête aux cheveux froncés et ornés de fleurs. Derrière la jeune fille, un jeune homme regarde la scène, tandis qu'un troisième regarde derrière la colonne du temple : il semble donc une scène de supplication à la déesse, lui demandant de favoriser l'amour des deux jeunes hommes : selon les deux grecs et de tradition romaine, les jeunes avant les noces se consacraient à cette déesse, considérée comme protectrice du mariage et de la fidélité conjugale. L'œuvre semble proche de la production de Giuseppe Cades, qui dans la décennie 1780-90 devint l'une des personnalités les plus connues et les plus appréciées du monde artistique romain, et fut également dessinateur et graveur. L'oeuvre est présentée dans un cadre.