Ritratto di Nobildonna

Olio su tela. Scuola lombarda. Il ritratto ovale della nobildonna mette in risalto la ricchezza del corsetto damascato e dei pizzi delicati ma anche la severa acconciatura e la rigida compostezza dello sguardo e della posa; la dama si drappeggia intorno alle spalle un manto rosso, che trattiene con la mano paffuta. Restaurato e ritelato, il dipinto è presentato in cornice di inizio '900.

Il Ratto di Europa

Olio su tela. La scena raffigura la bella fanciulla in groppa al toro che l'ha rapita, che corre in mezzo alle nubi, contornato da putti. Il mito greco racconta che Zeus notò la bella principessa insieme alle sue ancelle sulla riva del mare, dove Europa amava bagnarsi e cogliere fiori. Zeus si innamorò subito di lei e per non intimorire le fanciulle assunse la forma di un toro bianco mettendosi a pascolare l'erba del prato. Le fanciulle, vedendolo calmo, presero ad accarezzarlo e addirittura Europa gli salì in groppa. Allora il toro spiccò un balzo e cominciò una lunga corsa, con Europa spaventata che si tenne aggrappata forte a lui, fino all'isola di Creta, dove il dio si rivelò e celebrò la sua unione con al ragazza. L'opera è di forte impatto scenico, con figure molto movimentate e colori vividi, tra i quali campeggia il rosso del manto con cui i putti coprono la fuga, simbolo dell'amore che ha spinto Zeus all'atto. Restaurato e ritelato, il dipinto è presentato in cornice in stile.

Pentimento di San Pietro

Olio su tela. Scuola italiana. Il santo, riconoscibile dai tratti fisiognomici a lui tradizionalmente attribuiti (un uomo anziano dalla folta barba bianca), è raffigurato, ai margini di un bosco, in atteggiamento di accorata preghiera, in ginocchio con le mani giunte e lo sguardo lacrimevole e pentito rivolto verso l'alto; di sfondo sulla destra le mura della città di Gerusalemme. La scena è riconducibile all'episodio evangelico del pentimento del santo in seguito al suo rinnegamento di Gesù, che il vangelo racconta con le parole "uscito fuor, pianse amaramente". Emerge il pathos del personaggio, il cui volto, pur stravolto dal dolore, è però illuminato dalla luce che proviene dall'alto, simbolo della presenza divina. L'opera, restaurata e ritelata, è presentata in cornice in stile.

Paesaggio con Edifici e Figure

Olio su tela. Il grande paesaggio vede in primo piano due figure su un sentiero, un uomo a cavallo e una donna, con le sue pecore, che torna dall'aver lavato i panni al fiume; il sentiero infatti corre verso un ampio corso d'acqua, solcato da barche e lungo il quale si snodano diversi edifici. La scena è incorniciata sui due lati da alberi ad ampie fronde a sinistra e da un tronco secco e ritorto sulla destra. Restaurato e ritelato, il dipinto è presentato in cornice.

Maddalena Penitente

Olio su tela. Scuola nord Italia. La Santa, riconoscibile dai lunghi capelli biondi e dalle vesti discinte, nel deserto , si flagella con una catena, mentre contempla il Crocifisso e poggia una mano sul teschio, simbolo del "memento mori". In prima tela.

Coppia di Dipinti su Cuoio

Scena galante e Scena pastorale

Coppia di dipinti su cuoio, raffiguranti una scena galante e una scena pastorale. In cornici in stile.

Scena di Genere dal Barbiere

Olio su tela. Scuola centro-Europa. La scena è ambientata nella bottega di un barbiere, che è intento a tagliare i capelli di un uomo sotto lo sguardo attento di altri clienti e, soprattutto, di alcune donne con i bambini, una delle quali osserva addirittura con degli occhialini il risultato dell'opera. Gli occhiali nell'arte furono introdotti dapprima come segno di distinzione, e poi anche come segno di attenzione scientifica, delineando progressivamente la figura dello studioso, del medico e del chirurgo: in questa tela in realtà sottolineano l'ironia della scena, utilizzati come strumento per un attento esame femminile del taglio di capelli del coniuge! Tutta la scena è riempita dalle figure, dipinte in modo crudo e quasi grottesco, con le espressioni e le pose molto marcate, quasi teatrali, sottolineate anche dai colori vivaci. Il dipinto per queste sue caratteristiche ben si inserisce in quella produzione di scene di genere attingenti alla vita popolare colta nei suoi momenti più vivaci e caratteristici, che si generò a partire dal XVII secolo nell'Europa centrale, soprattutto nei Paesi Bassi, a sostituire con soggetti più leggeri la pittura naturalistica e religiosa, e che in Italia trovò nella "Scuola dei bamboccianti", sviluppatasi a Roma da pittori fiamminghi e italiani, un'espressione particolare. Il dipinto è stato restaurato e ritelato. E' presentato in cornice d'epoca.

Rissa in Osteria

Olio su tela. Scuola centro-Europa. Nella scena ambientata all'interno di una taverna, è descritta una rissa tra due uomini, che sono trattenuti dagli altri avventori e dalla locandiera; sul tavolo, di fianco al pranzo interrotto, le carte della partita che ha scatenato la lite. Tutta la scena è riempita dalle figure, dipinte in modo crudo e quasi grottesco, con le espressioni e le pose molto marcate, quasi teatrali, sottolineate anche dai colori vivaci. Il dipinto per queste sue caratteristiche ben si inserisce in quella produzione di scene di genere attingenti alla vita popolare colta nei suoi momenti più vivaci e caratteristici, che si generò a partire dal XVII secolo nell'Europa centrale, soprattutto nei Paesi Bassi, a sostituire con soggetti più leggeri la pittura naturalistica e religiosa, e che in Italia trovò nella "Scuola dei bamboccianti", sviluppatasi a Roma da pittori fiamminghi e italiani, un'espressione particolare. Il dipinto è stato restaurato e ritelato. E' presentato in cornice d'epoca.

Jacques Callot

Les Gueux, 1622 (serie completa)

Incisioni ad acquaforte. Si tratta della serie completa di 25 incisioni su carta dei "Mendicanti" (Les Gueux), realizzata dall'incisore francese a Nancy, e ampiamente riprodotta per la popolarità che ottenne; Rembrandt, che possedeva una collezione di stampe di Callot, si ispirò ad esse per le sue figure di mendicanti.. Vengono raffigurati mendicanti o popolani di origine italiana (Callot eseguì i disegni in Italia) che simboleggiano le povertà e le piaghe della condizione umana. Le incisioni non sono state firmate dall'autore, ma sono state numerate; solo la prima incisione, che raffigura un umilissimo personaggio che porta una bandiera con la scritta "Capitano De Baroni", e che rappresenta anche il frontespizio della raccolta, riporta il nome del disegnatore ed incisore. Tutta la serie è presentata in cornici in stile.

La Fuga in Egitto

Olio su tela. Scuola italiana. La scena ricca di figure, propone la Sacra Famiglia in cammino verso l'Egitto, guidata da un Angelo e dall'alto assistita da altri angioletti. Inserite in un classico paesaggio italiano, le figure sono raffigurate in una dimensione molto terrena: il Bambino, seppur aureolato, dorme tranquillo in braccio alla Madre; Maria, che indossa un inconsueto copricapo da pellegrina, incrocia lo sguardo con il suo sposo Giuseppe, il quale mentre con un gesto tenero (le poggia una mano sul ginocchio) la sta rassicurando, dialoga intanto con l'Angelo da cui si fa indicare la strada. Ritelato, il dipinto presenta alcune cadute di colore che necessitano di restauro. E' in cornice adattata, di fine '800- inizio '900.

Ritratto di Giovane Nobile

Olio su tela. Scuola centro-europea. Ritratto un giovane nobile, collocato su un sentiero di campagna, che indica con il dito, alle sue spalle un cavaliere in arrivo, vestito alla stessa foggia: forse è lui stesso, a sottolineare l'appartenenza ad un ordine cavalleresco. Di buona qualità pittorica, spiccano l'intensità espressiva del viso, gli incarnati e la resa dei pizzi e dei decori dell'abito. Restaurato e ritelato, il dipinto è presentato in cornice antica ridorata, con diverse seppur piccole mancanze. Al retro è presente etichetta di inventario.

Ferdinando Porta

Riposo nella Fuga in Egitto

Olio su tela. Al retro presente attribuzione a Ferdinando Porta. La scena propone il momento del riposo della Sacra Famiglia, durante la fuga in Egitto: a sinistra, seduti per terra riposano Maria, intenta a leggere, e Gesù già ragazzino, ma ancora fanciullescamente abbandonato sul grembo della madre; sulla destra, in piedi seppur appoggiato ad una roccia retrostante, Giuseppe contempla la sua famiglia. In alto, sopra la nube che avvolge l'albero carico di frutti che ha dato ristoro alla famiglia, una schiera di angeli, presentati anch'essi non solo in sembianze di bambini ma anche di giovanetti, quasi ad accompagnare la crescita di Gesù. La composizione della scena, così come le modalità rappresentative delle figure e le cromie, sono consone alle modalità pittoriche di Ferdinando Porta. Il pittore milanese, figlio di Andrea Porta, artista di impronta emiliana, si affermò sulla scena artistica lombarda dopo una formazione a Bologna, ove fu tra gli allievi di Carlo Cignani. La sua produzione nota ad oggi purtroppo parte solo dal quarto decennio del '700, perché i suoi lavori precedenti documentati, per le chiese milanesi e per palazzo Casati Dugnani, sono andati perduti. Si conoscono invece i lavori successivi, di cui alcune commissioni importanti che lo fecero definitivamente affermare; tra il 1741 e il 1753 egli lavorò nella Basilica di Sant'Ambrogio a Milano, nel Duomo di Monza e nella Cattedrale di Vigevano, realizzando opere che contribuirono a definire il carattere e la portata della modalità pittorica del Porta: solidamente legato alla tradizione figurativa lombarda, egli dopo l'iniziale influenza emiliana, introdusse nelle sua pittura modalità che risentono in parte, sia nella plasticità vigorosa delle figure, sia nella caratterizzazione naturalistica delle tematiche allegoriche o sacre, della pittura veneziana, in particolare del Tiepolo, con il quale aveva lavorato. Nell'osservazione di una delle sue opere più tarde, ma considerata tra le sue migliori, la pala del Battesimo di Cristo realizzata dal Porta tra il 1753 e il 1754 per il duomo di Vigevano, si ritrovano modalità compositive e cromatiche molto vicine a quelle del nostro Riposo nella fuga in Egitto: le figure, ben definite plasticamente ma sfumate nei contorni, con contrasti cromatici in cui prevalgono i toni bruni e freddi come nel gruppo composto da Maria e Gesù, mentre spicca la maggior seppur isolata brillantezza della veste di Giuseppe; in alto la composizione degli angeli, complessa nell'intreccio dei corpi, peraltro non definiti ma quasi sfumati, così come il paesaggio, scarno e privo di elementi connotativi. Sono tutti elementi che ben evidenziano i legami del Porta con la tradizione secentesca lombarda, che gli valse ancora un ampio consenso e fortuna presso la committenza sia pubblica che privata a Milano e nelle città limitrofe, in un momento in cui cominciava appena a prendere campo il neoclassicismo. Il dipinto, in prima tela ma ritensionato, presenta segni di restauro. E' proposto in cornice in stile.