Figure in Giardino

Il Rosa Visto da Stabbioli, mattina, 1927

Olio su tavola. Firmato in basso a sinistra. Al retro il titolo, la data di esecuzione 17/11/27 e la dedica "Dono dell'autore, allievo del pittore Follini di Torino". Originario di Bologna, ma trasferitosi presto a Torino, Cesare Gheduzzi fu qui allievo di Carlo Follini, il cui insegnamento fu decisivo per la sua formazione artistica; si dedicò prevalentemente al paesaggio, quello delle sue terre, animato da scene di vita popolare, che seppe descrivere con fedeltà ed eleganza. L'intenso paesaggio, una vista del Monte Rosa dall'ampia e distesa vallata di Stabbioli, frazioncina del comune di Macugnaga, è animata dalla figura solitaria di una contadina con la gerla vuota in spalla e la capretta a fianco, diretta verso la malga al centro. Opera presentata in cornice.

Olio su tela. Da una finestra incorniciata da tendoni rossi, lo sguardo si perde in una campagna verdeggiante, attraversata da un sentiero. Al retro è presente il nome Zanfagna, ma l'autore è ignoto.

Figura 1959

Acquarello su carta. Firmato e datato in basso a destra. Giuseppe Migneco, di origini messinesi ma trasferitosi giovane a Milano, fu uno dei maggiori rappresentanti, insieme a Aligi Sassu, Renato Birolli, Bruno Cassinari, Renato Guttuso, del gruppo di Corrente aperto alle avanguardie artistiche europee. A favore di una pittura di impegno sociale, indaga la realtà con occhio critico, oggettivo, storico. I suoi personaggi dai volti duri, squadrati, segnati dal duro lavoro e resi con toni accesi e forti, richiamano la sua Sicilia dai tratti violenti e netti, ma anche il realismo sociale dei muralisti messicani. Le sue opere girano il mondo. L'opera è presentata in cornice.

Il giardino della casa di Camerano Casasco

Acquarello ed inchiostro su carta. Firmato e datato 14 settembre 1952 in basso a sinistra; localizzazione in basso a destra. Sul retro presente titolo dell'opera del celebre scenografo, pittore e disegnatore russo, che dal 1935 fu lo scenografo principale del Teatro Alla Scala di Milano. In cornice a vista.

Italia Fine XX Secolo

Bassorilievo in gesso raffigurante Nike che si allaccia il sandalo. Copia da: "Frammento della balaustra scolpita del tempio di Athena". Manifattura Carpenter, etichetta al verso.

Tecnica mista (matita e acquarello) su carta. Firmati in basso. Su uno di essi presente anche la data (1946 e 1947). Si tratta di una piccola raccolta di bozzetti su carta, sei volti di bambini e di donne e quattro paesaggi, ancora con i tratti di matita e le tinte ad acquarello non complete, nelle gamme tipiche del Mantovani, quei colori chiari e trasparenti che sono considerati un suo tratto caratteristico. Lugi Mantovani, milanese di nascita e di formazione, si affermò nel panorama artistico e divenne parte attiva nei cenacoli culturali milanesi della città, a cui dedicò la sua produzione, costituita prevalentemente da paesaggi e scorci cittadini. I dipinti, di diverse misure, sono presentarti in cornici in stile, con piccole mancanze (una mancante del vetro).

Olio su tela. Anni '30 ca. La donna raffigurata indossa un soprabito che per la foggia richiama gli indumenti militari del periodo fascista, a cui risale il dipinto. Anche la posa della donna pare militare, fiera ed eretta, con lo sguardo severo e compreso del suo ruolo. L'opera è presentata in cornice dorata di inizio '900.

Ritratto di Bambino

Olio su tela. Firmato in basso a destra. Pittore palermitano, Francesco Camarda si distinse per la pittura di figura, dedicata ai ritratti e al nudo, e soprattutto per la pittura animalista, sulla scia della produzione verista dei fratelli Palizzi. Seppe esprimere una pittura dal colore vivace e fresco. In questo piccola tela è proposto il ritratto di un bambino seduto su una seggiolina, incappucciato a incorniciare il viso paffuto e sorridente, lo sguardo diretto, le manine pienotte poggiate sulle ginocchia in una posa fiera e risoluta. L'opera è presentata in cornice coeva.

La Femme au Chien 1924

Acquatinta a colori. Firmata in basso a sinistra e a destra a matita; numero di serie 160/200 in basso a sinistra. Pierre Bonnard, pittore, incisore e fotografo francese, cominciò a dipingere mentre compiva gli studi di legge a Parigi, ma ben presto abbandonò l'arte forense per dedicarsi solo alla pittura. Nel 1888, all'Accademia Julian di Parigi, Pierre bonnard fondò con Paul Sérusier, Maurice Denis e Paul Ranson, il gruppo dei pittori Nabis (Profeti), gruppo che si rifaceva, nei propri ideali estetici, alle opere e alla poetica di Paul Gauguin, per il superamento del naturalismo impressionista tramite un ritorno all'arte primitiva e giapponese. Nel 1891 Pierre Bonnard realizzò la sua prima etichetta per una ditta produttrice di vini, alcune litografie per "La Revue Blanche" (presso la cui sede si riunivano i Nabis) e disegnò anche progetti di mobili e decorazioni per paraventi interessando Toulouse-Lautrec con la qualità decorativa dei suoi quadri e il suo uso personale del colore. Nel 1892 espose alcuni suoi pannelli decorativi al Salon des Indépendants, cominciando ad interessare i critici d'arte. Poco per volta il pittore egli abbandonò i grigi toni accademici e sperimentò con entusiasmo l'incontro dell'arte con il mondo delle colorate cose comuni. I suoi lavori, presto riconoscibili dei colori iridescenti, i tratti vivaci e la prospettiva aperta, vennero largamente apprezzati. Nel 1896 egli tenne la sua prima mostra personale, e la sua sua fama si si diffuse in Europa con le esposizioni in Svezia e in Norvegia. Passato sotto l'influenza della corrente dell' Art Nouveau, Bonnard si interessò alle stampe giapponesi, molto di moda nel mondo artistico parigino alla fine dell'Ottocento, fino a trasportarne alcuni tratti nei suoi quadri: Bonnard sarà soprannominato il “Nabi giapponese”. Con l'amico Edouard Vuillard, egli sviluppò inoltre un nuovo interesse per le scene di intimi interni domestici, un genere che diventerà noto come "Intimismo" e che propone il mondo parigino negli anni prima della prima guerra mondiale. Nel 1910 Pierre Bonnard scoprì il sud della Francia iniziando così a dipingere paesaggi luminosi. Negli ultimi vent'anni della sua carriera artistica egli continuò a dipingere, spaziando in tutti i soggetti e in tutte le tecniche a lui congeniali, realizzando dipinti decorativi ma anche numerosi schizzi e disegni, lavori litografici a colori oppure in bianco e nero, manifesti, illustrazioni per libri e riviste che hanno influenzato l'arte moderna. L'acquatinta qui presentata rientra in una ampia produzione degli anni '20 di questo soggetto, la "donna con cane", riproposto in molte varianti. E' presentata in cornice.

Les Bouches de Naples gemissent de Terreur ou de Plaisir 1969

Inchiostro su carta. Firma, data e titolo in basso. Accompagnato da autentica su foto della Galleria Giò Marconi di Milano e timbro di archivio privato. Si tratta di disegno del giovane artista che diverrò presto uno dei più importanti esponenti del surrealismo mondiale, che fu poeta e pittore, ma anche cineasta, critico d'arte e cinematografico, fotografo e disegnatore umoristico. Nato nel nord della Francia, nel 1927 si stabilisce a Parigi, dove entra in contatto con un gruppo di giovani poeti e filosofi, con cui fonda il movimento ''Grand Jeu'': il gioco è inteso come arte di vivere. Dal 1928 collabora con testi, poemi e disegni alla rivista del movimento e intanto collabora come redattore e reporter con diverse testate parigine, Nel 1932, esauritasi l'esperienza del ''Grand Jeu'', passa al movimento surrealista, collaborando alle sue pubblicazioni e partecipando alle sue mostre. Il suo umorismo vira verso l'insolito e la crudeltà, sempre più derisorio dell'assurdità del quotidiano, del lato tragico dell'esistenza comune, a cui spirito e inconscio si ribellano, tentando di accedere all'inosservabile. Conosce Salvador Dalí. Nel 1939 inizia anche l'attività di cineasta, Nel 1941 ha luogo la sua prima mostra personale a Parigi: il primo acquirente è Pablo Picasso. Partecipa a tutte le mostre surrealiste, tra cui quella internazionale del 1947 a Parigi. Nel 1951, per questioni relative alla disciplina interna al gruppo, abbandona con altri il movimento surrealista, pur continuando a praticarne la poetica. Nel 1955 si appassiona anche alla fotografia. Dal 1968 si dedica quasi esclusivamente alla pittura, abbandonando l'attività di disegnatore umoristico. Nello stesso anno si stabilisce definitivamente a Milano: in Italia espone in diverse mostre personali , quelle di Milano presso la Galleria Marconi. L'opera qui presentata, un disegno giovanile, proviene da importante collezione privata milanese. E' presentato in cornice.

Scorcio Veneziano

Olio su tela. Firmato in basso a destra. Pittore, scultore e ceramista, l'artista torinese Giovanni Riva partecipò a numerose rassegne e mostre nazionali, tra cui la Biennale di Venezia dwel1940 e 1942. Tra la sua produzione di ceramista si ricordano in particolare i volti di molte bambole Lenci. In pittura si dedicò soprattutto a scorci di Torino, Milano e Venezia, resi con grande spontaneità e immediatezza, oltre che a scene di genere. Lo studio sistematico dell'arte antica, l'adesione agli ideali rinascimentali della scultura di Donatello, Michelangelo e Giambologna spinsero Giovanni Riva verso l'adozione di un codice espressivo affine al gusto dell'Ottocento romantico, piuttosto che al dinamismo futurista o alle visioni surrealiste. Lo scorcio veneziano qui proposto è presentato in cornice in stile.

La Strada di Campagna

Olio su faesite. Firmato in basso a sinistra. Trasferitosi da piccolo con la famiglia a Milano, nel 1898, ancora molto giovane, Raoul Viviani si iscrive all'Accademia di Brera, dove studia sotto la guida di Giuseppe Mentessi (1857-1931). Contemporaneamente frequenta la scuola di nudo della Famiglia Artistica, con la quale espone per la prima volta a soli 17 anni, riscuotendo subito un grande successo di pubblico e di critica, come pittore di paesaggio dalla forte personalità e modernità e per il suo originalissimo stile caratterizzato da forti sperimentazioni cromatiche. Nel 1912 partecipa alla biennale di Venezia e partecipa successivamente a numerose mostre nazionali ed internazionali. Dal 1926 inizia la sua carriera nel campo della critica d'arte, scrivendo per diverse testate giornalistiche, ma la sua opposizione al fascismo lo porta a scegliere l'esilio volontario: nel 1931 si trasferisce in Uruguay, ove fonda e dirige l'Accademia di Belle Arti di Montevideo. Rientrato a Milano nel 1937, riprende la sua attività sia pittorica che di critico. Negli anni '50 si trasferisce a Rapallo per motivi di salute e vi resta sino alla morte. Originalissimo paesaggista, che si cimenta nella pittura d olio ma anche nell'acquarello e nell' incisione, si avvicina molto alla pittura divisionista sviluppando però una sua tecnica personale, caratterizzata da sottilissimi filamenti di colore dalla forma di sottili virgole, che definiscono le strutture dei suoi paesaggi. Con il suo trasferimento in Liguria, diventa protagonista delle sue opere il paesaggio ligure i e anche la sua tecnica muta, allontanandosi dall'originale divisionismo per aprirsi ad una pennellata ampia e sommaria, che sfocia infine nell'ultimo periodo in una produzione di nature morte dai colori violenti e contrastanti. In quest'opera in cui ben si apprezza la caratteristica tecnica del Viviani, lungo il sentiero di campagna che costeggia il canale, compare una figura di donna, che costituisce un'eccezione nella sua produzione, solitamente piva di elementi figurativi. Opera in cornice.