'Giudizio di Paride' Domenico Lupini attribuito a

Il modello deriva da un'incisione di Marcantonio Raimondi su disegno di Raffaello, appositamente realizzato per l'opera grafica, derivandolo da un dipinto posto nella Stanza della Segnatura (1513-1515). Questo modello fu ripreso e variato da Hans von Aachen in una tela datata 1588 e oggi conservata presso il Museo della Certosa di Douai, a sua volta ripreso in una incisione dell'anno successivo di Raphael Sadeler, presso il gabinetto dei Disegni e delle Stampe dell'Accademia Carrara di Bergamo. Da quest'ultima versione è derivata la tela in esame, che mostra le stesse modifiche apportate rispetto all'originale raffaellesco. Al centro della scena, che si svolge immersa in un paesaggio naturale, si trovano le tre dee che si contendevano il titolo di più bella: Giunone con il pavone, suo animale simbolico, Venere accompagnata da Cupido e Minerva accanto alla quale si trovano l'elmo, la lancia e lo scudo. Paride, di spalle, sta dando il pomo d'oro che decreta la vincitrice alla dea dell'amore, sotto lo sguardo del giudice Mercurio. Due putti svolazzano attorno ai protagonisti, mentre in primo piano, sempre di spalle, si trova una figura maschile. Sul prato retrostante si sta invece svolgendo un convitto campestre. L'opera, come attesta un piccolo cartiglio, è attribuita a Domenico Lupini, artista del quale non si sa molto ma per cui si può ipotizzarne l'ambito di attività tra Bergamo e Venezia. Uniche due opere firmate sono una “Maddalena convertita” e un'”Annunciazione”, ma altre opere sono state a lui attribuite dalla studiosa Federica Nurchis e collocate nel monastero di Santa Chiara a Bergamo. Questi dipinti presentano un caldo e raffinato cromatismo che, assieme all'eleganza dei personaggi e alla modalità compositiva, fanno ipotizzare un soggiorno veneziano di Lucini, che pare richiamare le atmosfere di Tintoretto, Veronese e Palma il Giovane. Presentato in cornice dorata del XVII secolo, restaurato e ritelato.

San Michele Arcangelo sconfigge il Demonio

Olio su tela. L'opera è copia del celebre dipinto di Guido Reni (1575-1642), realizzato tra il 1635 e il 1636 ed attualmente conservato all'interno della Chiesa di Santa Maria della Concezione dei Cappuccini a Roma. L'iconografia dell'opera è basata sulla visione di san Giovanni Evangelista descritta nell'Apocalisse in cui gli apparve "... un angelo che scendeva dal cielo con la chiave dell'Abisso e una gran catena in mano […che…] afferrò il dragone, il serpente antico – cioè il diavolo, satana – e lo incatenò ... ". L'opera, nell'originale fortemente barocco di grande intensità e forza, è qui ripresa con fedeltà e buona resa, sebbene i colori siano meno brillanti e le dimensioni ridotte, a discapito delle grandi ali dell'arcangelo e dello sfondo del paesaggio roccioso degli inferi. L'opera, restaurata e ritelata, è presentata in cornice di inizio '900.

Martirio di San Giacomo Maggiore

Olio su tavola. Nella tavola è intagliata sia la cornice rettangolare esterna che un'ulteriore cornice interna, che inscrive il dipinto. La scena propone il martirio di San Giacomo di Zebedeo, l'apostolo detto il Maggiore, per distinguerlo dall' altro apostolo omonimo, Giacomo di Alfeo, detto il Minore. Giacomo il Maggiore fu il primo apostolo martire, e subì la morte per decapitazione. La scena dipinta propone il martirio inflitto per mano di soldati romani, ma inserito in un habitat contemporaneo al pittore. Fa parte di un gruppo di piccole tavole che raccontano il martirio di diversi santi, probabilmente realizzati a scopo illustrativo per il volgo.

Scena di Martirio

Olio su tavola. Nella tavola è intagliata sia la cornice rettangolare esterna che un'ulteriore cornice interna, che inscrive il dipinto. La scena propone il martirio di un santo per lapidazione; benchè il santo più famoso per essere stato sottoposto a tale condanna fu Stefano (ma fu martirizzato ancora giovane, a differenza del martire qui proposto), molti furono i cristiani che subirono questa forma di martirio, perchè la lapidazione era la pena contemplata dalla legge mosaica per le colpe ritenute più gravi, quali la blasfemia. La scena dipinta propone personaggi vestiti alla foggia antica, ma è inserita in un habitat contemporaneo al pittore. Fa parte di un gruppo di piccole tavole che raccontano il martirio di diversi santi, probabilmente realizzati a scopo illustrativo per il volgo.

Santo Martire

Olio su tavola. Nella tavola è intagliata sia la cornice rettangolare esterna che un'ulteriore cornice interna, che inscrive il dipinto. La scena raffigura un santo cristiano che in ginocchio prega Dio, rifiutandosi di partecipare al sacrificio ad una divinità pagana che i sacerdoti stanno compiendo; a sinistra un uomo lo addita al soldato romano, accusandolo. La scena prelude al martirio dell'uomo; i costumi dei personaggi e l'altare pagano sono consoni al periodo storico del martire, ma il paesaggio è quello dell'artista realizzatore. Fa parte di un gruppo di piccole tavole che raccontano il martirio di diversi santi, probabilmente realizzati a scopo illustrativo per il volgo.

Martirio di San Giacomo Minore

Olio su tavola. Nella tavola è intagliata sia la cornice rettangolare esterna che un'ulteriore cornice interna, che inscrive il dipinto. La scena propone il martirio di San Giacomo di Alfeo, l'apostolo detto il Minore, per distinguerlo dall' altro apostolo omonimo, Giacomo di Zebedeo, detto il Maggiore. Secondo la tradizione Giacomo il minore, condannato a morte per lapidazione, fu ucciso invece con una bastonata sul capo infertagli da un lavandaio. La scena dipinta propone i personaggi vestiti alla foggia antica del loro tempo, ma inserito in un habitat contemporaneo al pittore. Fa parte di un gruppo di piccole tavole che raccontano il martirio di diversi santi, probabilmente realizzati a scopo illustrativo per il volgo.

Sic Transit Gloria Mundi

Olio su tela. Scuola francese del XVII secolo. La scena è ambientata davanti ad un arco aperto in una struttura in pietra, che dà accesso a vani disabitati e spogli. Due figure, una donna ed un putto, si stanno dilettando con diversi strumenti: lei suona un mandolino e, sparsi per terra, vi sono una tavolozza di colori, dei libri, dei gioielli, armature e armi, altri strumenti musicali, e un mappamondo sul quale sta in piedi il putto, che sta producendo bolle di sapone; per terra al centro, un cartiglio cita il detto "Sic transit gloria mundi". E' questa una celebre locuzione latina, che in italiano significa "Così passa la gloria del mondo", utilizzata per sottolineare il valore effimero delle cose della vita, simboleggiate dai vari oggetti (le arti, la letteratura, le ricchezze...), destinate a svanire come bolle di sapone. Tutta la scena ha quindi un forte significato allegorico/simbolico: anche il tramonto del sole, che si intravvede a sinistra, esprime lo stesso concetto, ogni cosa del mondo è destinata a finire. Il tema della caducità della vita , sempre presente nell'arte, ha avuto il suo massimo sviluppo nel Seicento, strettamente correlato al senso di precarietà che investì il continente europeo in seguito alla guerra dei trent'anni e al dilagare delle epidemie di peste. Con scene allegoriche come questa, piuttosto che con le Vanitas o i Memento mori, ovvero scene o nature morte con elementi simbolici allusivi al tema della caducità della vita (il teschio, la candela che si consuma, un orologio, un fiore spezzato), si voleva appunto sottolineare la condizione effimera dell'esistenza, dell'uomo e dei beni terreni. Al retro dell'opera è presente un cartiglio che dice una probabile attribuzione a Simon Vouet. Il dipinto, restaurato e ritelato, è presentato in cornice antica riadattata.

Locandina di Mostra di Andy Warhol 1996

Poster pieghevole, stampato ad otto colori, della mostra "Vanitas: Skulls and self-portraits 1976-1986", tenutasi presso la Anthony d'Offay Gallery di Londra da novembre 1985 a gennaio 1996. Sul fronte è presentata una composizione di otto "teschi di Warhol, simbolo della caducità della vita; al retro, in bianco e nero, il titolo della mostra, una recensione critica e il catalogo delle opere di Andy Warhol, sui due temi dei teschi e degli autoritratti. Dimensioni del pieghevole aperto: 83,8 X 53,2 cm.

Adriano Bogoni

Vaso con Fiori 1952

Olio su faesite. Firmato in basso a destra. Al retro presente ulteriore firma con data e dedica. Nato a Monteforte d'Alpone (Verona) ove si formò artisticamente, frequentando l'accademia Cignaroli e poi lo studio di Angelo dall'Oca Bianca, Adriano Bogoni si trasferì successivamente a Milano (ove restò sino alla sua morte), nel cui ambito fu attivo sin dalla fine della prima guerra mondiale. La sua pittura iniziale era più analitica e, in particolare nei ritratti, l'artista mirava a rendere la forte carica psicologica e introspettiva degli effigiati. Verso gli anni Cinquanta si dedicò alle nature morte e ai paesaggi, affascinato soprattutto dal mare di Liguria, trasferendo anche in questi nuovi soggetti la sua passione per l'analisi delle emozioni e dei sentimenti e ricreandoli attraverso i colori e le sfumature della natura. Bogoni vinse parecchi premi nazionali e internazionali; sue opere si trovano in raccolte private e nelle Gallerie d'Arte Moderna di Roma, Milano, Berlino, Monaco di Baviera, Barcellona e New York. Il dipinto è presentato in cornice coeva.

Angoliera Luigi Filippo in Noce

XIX Secolo - 1800

Angoliera Luigi Filippo in noce con anta pannellata curva e 4 ripiani interni.

Oscar Ricciardi

Mercato di Fiori S. Lucia

Olio su tavola. Firmato in basso a destra. Al retro il titolo a matita. E' un vivace e intenso scorcio del Pallonetto di S. Lucia, il noto vicolo napoletano terrazzato che, insieme a quelli di San Liborio e di Santa Chiara costituisce i tre Pallonetti di Napoli; suggestivi e peculiari i contrasti di luci e colori Oscar Ricciardi fu un prolifico pittore napoletano considerato da alcuni la testa dell'impressionismo napoletano; egli dipinse come soggetti principali marine, spiagge, scorci, paesaggi e usi e costumi napoletani della sua città. Nelle sue opere il cromatismo intenso, lo studio dal vero, l'abbandono del disegno e la luce limpida e tersa che pervade le scene, rivelano la conoscenza dell'Impressionismo, dovuta alla presenza a Napoli di Giuseppe De Nittis. Il dipinto è presentato in cornice dorata di inizio '900.

Emilio Vacchetti

Vaso di Fiori 1956

Olio su compensato. Firmato e datato in basso a sinistra. Il pittore piemontese Emilio Vacchetti si dedicò prevalentemente alle composizioni floreali in vaso e a i paesaggi, scorci delle montagne piemontesi. L'opera dai colori caldi e sfumati, è presentata in cornice