Jenny Watson - Senza Titolo

Album di Famiglia 2001

Olio e acrilico su tela. Firma, data e titolo al retro. Concetto Pozzati è stato un artista eclettico: dopo gli esordi nel clima dell'Informale, l'artista ha rielaborato in chiave personale gli influssi della Pop Art internazionale, rimanendo sempre legato ad una figurazione semplificata, ironica, con atmosfere surrealiste. L'opera presentata appartiene alla serie del 2001 degli Album di famiglia, in cui l' artista ritrae i volti dei suoi familiari: qui compare lo stesso artista, a sinistra, affiancato dai volti infantili dei due figli, e in aggiunta la testa di un galletto, conformemente all'abitudine di Pozzati di aggiungere nelle sue opere elementi della vita quotidiana.

Senza titolo 1998

Olio su tela. Firmato e datato in basso a destra. Riccardo Licata, artista eclettico che si è dedicato alla pittura, all'incisione, al mosaico, alla scultura ed anche alla scenografia, ha attraversato diverse fasi di ricerca artistica ed ha saputo coniugare l'astrazione con una profonda ricerca di ritmi spaziali scanditi da segni. La sua scrittura grafico-pittorica, ispirata alla musica, ha conferito un'identità unica alle sue opere, che si distinguono per l'uso sapiente dei simboli e dei tratti grafici. L'opera è presentata in cornice.

I Tondi-Occhio nello Spazio 1968

Olio su tela. Firmato in basso a destra. Al retro presente il titolo, la data e ulteriore firma ad autentica dell'opera. Pittore, poeta e saggista, Virgilio Guidi mantenne sempre una posizione solitaria, critica e mai di adesione programmatica assoluta ai dettami estetici delle correnti e dei gruppi artistici del XX secolo gruppi o correnti, anche se fu sempre portatore di significativi contributi personali alle nuove ricerche pittoriche. A partire dagli anni '40 il Guidi iniziò a sviluppare sistematicamente i grandi cicli, con i quali indagò ripetutamente uno stesso nucleo soggetto-composizione, continuando a seguire il filo conduttore di tutta la sua arte: la luce. La sua pittura ha prediletto la scelta di delicati accordi tonali e la rappresentazione di elementi figurativi e paesaggistici attraverso ritmi astratti. Quest'opera appartiene alla serie realizzata negli anni Sessanta de " I Tondi", con il sottotitolo di "Occhio nello spazio". E' presentata in cornice.

San Giorgio 1992

Olio su tavola. Firmato in basso a destra. Al retro in cirillico presenti il titolo, la data e la localizzazione a Bergamo. L'artista lituano, che attualmente vive e lavora tra Mosca, l'Italia e il Regno Unito, è considerato uno dei più importanti artisti russi contemporanei. Nella sua ampia produzione si trovano paesaggi, nature morte, molti ritratti di personaggi famosi e le sue composizioni surreali, espressione di una sua peculiare "visione onirica" della realtà. Anche in questa tavola, seppur nello stile delle icone tradizionali, viene proposta la raffigurazione del famoso San Giorgio in una chiave surreale che rimanda a De Chirico, ove al drago viene sostituito un'oca, la testa del santo è un uovo, di contorno vi sono figure di maghe..... un'interpretazione chiaramente poco ortodossa! La tavola presenta una fenditura verticale. L'opera è presentata in cornice.

Tre figure

Olio su tela. Firmato in basso a sinistra. Al retro è presente timbro della Galleria storica Palmieri di Milano (oggi non più esistente). L'opera propone i tipici personaggi della pittura satirica di Franz Borghese: si tratta di figure che richiamano, per gesti e abiti, i soggetti del 1910, ritratti con tratti e pose quasi caricaturali, sarcastiche. La produzione di Borghese difatti, dopo un primo periodo connotato da una pittura scura e profonda, quasi drammatica, dagli anni '70 si trasforma in una pittura di satira e sarcasmo, accentuata da una tavolozza cromatica accesa, che prende di mira in particolare al borghesia di inizio secolo. Le tre figure di quest'opera, due uomini ed una signora, sono raffigurati di lato mentre camminano in fila indiana nei loro eleganti abiti da passeggio: le espressioni serie, gli sguardi distanti, paiono sottolineare indifferenza reciproca, nonchè la noia e la vacuità della loro vita, che contrastano con i colori accesi e vivaci. L'opera è presentata in cornice.

Tempera, matita e carboncino su carta. Firmato al retro. Il disegno è registrato presso l'Archivio Fausto con codice DIS 84020. Fausto Melotti, fu un artista poliedrico e molto prolifico e risulta quasi impossibile legare la sua produzione ad una particolare tecnica o tematica, senza fornire una visione solo parziale della sua visione artistica. Le caratteristiche salienti che risultano costanti in Melotti sono il geometrismo, lo studio dell'astrazione, che lo porta ad utilizzare elementi realistici ma non accurati scientificamente, e il disporre gli elementi in modo che ricordino un ritmo musicale, un particolare che rimanda alla sua formazione da musicista Scultore, pittore, musicista, poeta, realizzò numerosi disegni progettuali per le sue opere. Il disegno ha rappresentato per lui un esercizio fondamentale, per trasfondere l' originale tratto grafico dai fogli di carta nelle sculture e nelle ceramiche. Le sculture per cui è maggiormente conosciuto sono costituite da elementi geometrici realizzati con metalli (ottone, ferro e oro) lavorati in filamenti sottili, dando vita a composizioni eteree, senza peso e quasi fragili. L'opera è presentata in cornice.

Fiori di Cardo 1958

Olio su tela. Firmato in basso a sinistra. Al retro è presente etichetta della Galleria Annunciata di Milano, con il titolo e la data dell' opera. Fiorenzo Tomea realizzò, soprattutto negli anni '50, una vasta produzione di fiori, in vaso o da soli: tale soggetto fu negli stessi anni un tema tradizionale della pittura di De Pisis e di Mafai, e voleva proporre una riflessione sulla vanitas, ossia sulla fugacità della vita. I fiori secchi, scarni, isolati l'un l'altro, sospesi in un'atmosfera livida, quasi surreale, veicolano un senso di disfatta e di straniamento. L'opera è presentata in cornice in stile.

Paesaggio invernale

Pastelli su carta applicata a tela. Firmato in basso a sinistra. Il grande paesaggio è completamente dominato dal gioco di colore: diviso in due emicampi dati dal cielo e dalla terra (una landa montana ove spuntano sporadici abeti), vede prevalere sopra l'azzurro rosato del cielo, sotto l'azzurro verdastro della neve sul terreno, due sfumature della stessa gamma cromatica che si incontrano poi nello skyline delle montagne. Cinotti fu un paesaggista esponente del Divisionismo italiano, la cui pittura è caratterizzata da una stesura materica e pastosa con tocchi di colore spatolato. In cornice coeva.

Sur le Canapé d'Argent Pâle 1911

Litografia a colori su carta velina. Il titolo in basso a sinistra. Sul passepartout il nome e la dicitura "lithographie originale". E' la planche n.10 della serie "Amour", creata nel 1899 dall'artista francese e ispirata dalle poesie d'amore che Denis scrisse per la sua futura moglie, Marthe Meurier. Della serie iniziale, furono fatte alcune repliche di cui quella su carta velina datata 1911. Maurice Denis, pittore francese, si formò artisticamente in coincidenza della nascita del movimento simbolista che lo influenzò fortemente, imponendosi per la sua semplicità e per la sua filosofia di un'arte che fosse sintesi tra mondo esterno e spiritualità dell'artista. Nelle sue primissime opere, lo stile pittorico fu di stampo naturalista e neoimpressionista, ma col tempo tese verso un puro decorativismo, caratterizzato da zone di colore piatto e contorni netti. Nel 1888, all'Accademia Julian di Parigi, Maurice Denis fondò con Paul Sérusier, Pierre Bonnard e Paul Ranson, il gruppo dei pittori Nabis (Profeti), gruppo che si rifaceva, nei propri ideali estetici, alle opere e alla poetica di Paul Gauguin, per il superamento del naturalismo impressionista tramite un ritorno all'arte primitiva e giapponese. Delle riunioni dei Nabis, tenute solitamente nella redazione della rivista "Revue Blanche" o all'Accademia Ranson, Denis apprezzò in modo particolare il clima mistico, il gergo esoterico e il soprannome che ogni pittore ricevette dal gruppo: Denis venne chiamato "il Nabi dalle belle immagini". Come "Nabi" Maurice Denis dipinse quadri di stampo intimistico, enigmatico ed i temi della sua pittura, di carattere religioso o situazioni della vita quotidiana, furono portati in una dimensione ideale ed irreale, in un'atmosfera di calda e serena intimità, ottenuta con un tratto estremamente delicato. Una costante della sua vita fu la professione della fede cattolica, che ebbe sempre per lui un ruolo prioritario. Ricevette numerose commissioni per la decorazione di chiese e questo lo fece tornare alla grande tradizione della pittura murale eseguendo affreschi solenni di impianto monumentale, ispirati da un cattolicesimo letterario. Il fervore religioso portò Maurice Denis a fondare, nel 1919, gli Ateliers d'Art Sacré, dedicando molto tempo alla preghiera, tanto da diventare terziario di San Domenico, senza isolarlo dal mondo, per cui partecipò alla vita sociale del tempo. Oltre la vasta produzione di pittore, Denis fu un grande disegnatore e illustratore. Fino alla sua morte Maurice Denis continuò a dipingere in un'interpretazione moderna della grande pittura antica, supportato dalla sua forte vena artistica, continuamente alimentata dai suoi viaggi, molti dei quali in Italia, che lo portarono ad entrare in contatto diretto con i preraffaelliti ed i neoclassici.

Ritratto Femminile 1950

Olio su tela. Firmato e datato (1-5-1950) in basso a sinistra. Nato a Bologna ma formatosi artisticamente all'Accademia di Brera di Milano, nei primi anni del '900 studia a Parigi, ove può ammirare la pittura dei grandi maestri del passato e seguire con grande interesse le nuove tendenze pittoriche che avanzano nel clima di rinnovamento generale portato dal nuovo secolo. Difatto influssi di tematiche quali il simbolismo e il divisionismo si ritrovano nei suoi dipinti delle prime decadi del novecento, ma Mascarini sceglie di non lasciarsi dalle nuove correnti che acclamano la destrutturazione della forma, rimanendo nel chiuso del suo studio a dipingere gli affetti e gli sguardi della quotidianità a lui più prossima. Il suo linguaggio figurativo attinge al naturalismo lombardo del tardo ottocento, la sua pittura è inquadrata in un disegno sobrio ed equilibrato. Paesaggista e ritrattista, propone scenari delicati e placidi, come i ghiacciai che dipinge salendo nel silenzio dell'alta montagna che egli ama molto, e ritratti dai volti incorniciati con armonia da pennellate morbide, che esprimono sentimenti intimi. Il ritratto di signora qui presentato propone una figura che, seppur elegante nella sua mise da sera, esprime nel volto e nella posa serenità, pacatezza, intimismo piuttosto che mondanità. L'opera è presentata in cornice coeva.

Sestante 14 1989

Serigrafia a colori su carta. Firmata a matita in basso a destra, numerata n. IV/XV in basso a sinistra. E' corredata di autentica su foto della Casa d'arte "Il borghetto" di Milano. L'opera era parte della serie "Sestante", costituita da 16 serigrafie differenti. Nel 1982 Alberto Burri realizza Sestante, un grande ciclo di diciassette cellotex e una scultura in ferro, che viene esposto da maggio a settembre dell'anno seguente nello spazio degli ex Cantieri navali della Giudecca a Venezia. L'evocazione del vecchio strumento nautico, che serviva ai viaggiatori per stabilire la posizione di un punto dato rispetto all'orizzonte, è un omaggio al destino marittimo di Venezia. I dipinti sono l'ennesima sfida di Burri: nelle loro combinazioni le forme e i colori del "sestante" creano un ciclo inesauribile dove non c'è la minima ripetizione. All'interno dello stesso quadro, o nell'accostamento di uno all'altro, il caleidoscopio delle forme fa sì che strutture quadrate e curvilinee convivano, insieme ad ampie campiture cromatiche e fitti patterns visivi. Nel 1989 l'artista ripropone il ciclo come opera grafica, realizzando la serie "Sestante". Lo storico dell'arte Bruno Corà ha detto che "nel caso di Burri, parlare di grafica non significa parlare di una produzione minore rispetto ai dipinti, ma soltanto di una modalità artistica diversa e parallela, nella concezione e nell'esecuzione, tale insomma da potersi annoverare con assoluto rilievo nella produzione del grande pittore, a fianco di tutti gli altri suoi rivoluzionari pronunciamenti innovativi". L'opera è presentata in cornice.