Scena Bacchica

Olio su tela. Scuola nord-italiana dell'inizio XVIII secolo. La scena racconta un episodio della storia d'amore tra la regina d'Egitto e il triumviro romano Antonio: Cleopatra, per dimostrare la sua ricchezza e sedurre il bel generale, allestisce un sontuosissimo banchetto, durante il quale sceglie una perla di inestimabile valore e la scioglie nell'aceto, offrendo poi la bevanda, considerata un potente afrodisiaco, ad Antonio. Questo bel dipinto rappresenta la bella regina a mezzo busto, seducente nel gioco di nudità rivestita di gioielli preziosi e drappeggiata in ricchi tessuti, mentre sta per immergere una grossa perla in un calice: alla sua sinistra il volto di Antonio che la fissa allibito, fissato in un gesto delle mani che esprime lo stupore per essere il beneficiario di tale atto estremo, a destra alcune ancelle, ammirate e stupite. Spicca al centro il biancore dell'incarnato di Cleopatra, mentre le altre figure sfumano ai lati nell'ombra, apoteosi quindi della bellezza. Restaurato e ritelato, il dipinto è presentato in cornice in stile.

Olio su tela. Scuola veneta del XVII-XVIII secolo. Al retro è presente etichetta della Galleria d'Arte Di Rosa, che attribuisce l'opera a "Scuola veneta del 1600". La grande scena, ricca di figure e molto movimentata nell'intreccio e sovrapposizione deic orpi, , racconta l'episodio del Vangelo di Giovanni in cui una donna colta in adulterio è portata dinanzi a Gesù da scribi e Farisei per conoscere il suo parere circa la sua condanna a lapidazione. Gesù, mentre scrive per terra con un dito, sollecita alla misericordia i suoi interlocutori con la frase "Chi è senza peccato, scagli la prima pietra", salvando in tal modo la donna dalla condanna a morte e lasciandola libera di andare, con l'esortazione a non peccare più. Il soggetto è stato ampiamente riproposto nell'arte, con sguardi diversi sui personaggi. In questo dipinto in posizione centrale è la donna, ma le tutti i personaggi altri che le stanno intorno, fanno convergere lo sguardo verso il basso, verso la mano con cui Gesù, accovacciato, sta scrivendo per terra; sia il volto che il braccio destro della donna sono praticamente paralleli a quelli del Cristo, come se seguissero e si uniformassero alla direzione che Gesù le indica. Nelle altre numerose figure domina la curiosità, l'intento di capire, l'interrogativo che Gesù suscita con la sua domanda, rappresentato in molteplici varianti espressive sia dei visi che dei corpi; curioso il particolare delle lenti - gli occhiali del sacerdote di cui sbuca la testa dietro la donna e la lente d' ingrandimento della figura accovacciata a sinistra in secondo piano - che ben due figure utilizzano per "vedere meglio" ciò che succede. Le modalità pittorica ed interpretativa del dipinto richiamano la produzione veneta vicina a Girolamo Brusaferro (1677 – 1745), l'artista veneziano la cui pittura rappresenta la via mediana tra la grande tradizione della pittura tardo barocca affine a Luca Giordano e l'innovativa sensibilità coloristica tipica della grazia settecentesca. Restaurato e ritelato, il dipinto è presentato in cornice coeva, in legno intagliato, stuccato e laccato.

Olio su tela. Scuola italiana del XVII secolo. La grande scena raffigura le Tre Parche, ovvero le tre divinità della mitologia romana, chiamate Moire nella mitologia greca, che presiedevano al destino dell'uomo: la prima filava il filo della vita, la seconda dispensava i destini, assegnandone uno a ogni individuo stabilendone anche la durata, la terza, l'inesorabile, tagliava il filo della vita al momento stabilito. Le loro decisioni erano immutabili: neppure gli dei potevano cambiarle. A volte raffigurate come tre donne anziane, altre come giovani, compaiono in questo dipinto con fattezze femminili di varie fasi della vita: al centro la dea che fila è di età adulta, sulla destra vi è una dea giovinetta che decide la lunghezza del filo, ovvero la durata della vita, a sinistra un'anziana che si appresta a recidere il filo con una tenaglia. In realtà da quest'opera si evince bene come le tre divinità lavorassero in simbiosi e come i tre incarichi fossero in realtà condivisi, perchè tutte e tre insieme rappresentavano il Fato, il Destino dell'uomo. La tela, in precedenza restaurata e ritelata, necessita di ulteriore restauro per piccole cadute diffuse del colore e patina di sporco. E' presentata in cornice coeva rilaccata.

Olio su tavola. Scuola nord-europea del XVII secolo. La scena raffigura un episodio della vita di Scipione narrato da Tito Livio e da Valerio Massimo. Publio Cornelio Scipione, poi noto come Scipione l'Africano, nel 209 a.C. durante la campagna di Spagna, dopo la presa di Cartagena ricevette come omaggio personale una bellissima vergine, che si trovava nel gruppo degli ostaggi. Ma egli, ascoltando le suppliche della sua famiglia, la rispettò rimandandola ai genitori e al fidanzato, con l'unica raccomandazione che il suo promesso sposo si adoperasse per la pace tra Roma e Cartagine. Nella raffigurazione Scipione è al centro, seduto sul suo trono, e si rivolge a sinistra, ai genitori supplici della fanciulla, mentre con un gesto clemente, indica loro di riprendersi la figlia, in piedi a destra, affiancata dal fidanzato. All'intorno , soldati e seguaci del re. La scena è ricca di figure, luminosa e colorata, e sottolinea la positività del re, personaggio centrale e potente, ma capace di mitezza e clemenza. Il dipinto, restaurato, è stato rinforzato al retro con listelli lignei. E' presentato in cornice in stile.

Olio su tela. Nella bella composizione si vedono, appoggiati su una credenza di legno intarsiato, un cestino colmo di ciliegie, di cui alcune sparse sul piano, e un piatto colmo di ribes rosso, frammisti a foglie e a qualche fiorellino di ciliegio. Sul manico del cesto è appoggiato un cardellino; a incorniciare la composizione, sulla destra un grande mazzo di fiori variopinti in vaso, sulla sinistra un tendaggio rosso. Spiccano i colori vivaci dei frutti, dei fiori e della tenda, mentre il mobile d'appoggio si confonde con lo sfondo scuro, così come l'uccellino, distinguibile dallo sfondo scuro solo per il piumaggio bianco sulle ali e il contorno rosso degli occhietti. L'opera rientra nell' ampia produzione emiliana del XVII secolo di tale tipologia di soggetto, altamente decorativa. Il dipinto, restaurato e ritelato, presenta un cretto marcato e cadute di colore lungo i bordi.

Olio su tela. Giovanni Battista è stato rappresentato, avvolto nella tradizionale pelle d'animale, seduto su una roccia in contemplazione del crocifisso; in basso a destra sgorga dalla roccia una fonte d'acqua, simbolo battesimale. Compaiono quindi i suoi tradizionali segni iconografici, testimoni delle sue peculiarità missionarie, benchè la posa del santo sia atipica, più contemplativa che da predicatore. Le modalità pittoriche sono vicine alla scuola spagnola di derivazione a Murillo, il massimo artista spagnolo del barocco religioso, che permeava le sue figure di una intensa interpretazione psicologica. Il dipinto, restaurato e ritelato, è presentato in cornice antica coeva, con piccole mancanze.

Olio su tela. Scuola veneta del XVIII secolo. Il dipinto raffigura l'episodio biblico tratto dal libro della Genesi, in cui i fratelli di Giuseppe, gelosi per la predilezione che il padre Giacobbe ha per lui, lo vendono schiavo a mercanti che vanno in Egitto e dichiarano al padre che è morto : gli portano in prova la tunica sporcata del sangue di un animale, quella tunica speciale che Giacobbe aveva fatto tessere appositamente per il figlio prediletto. In questa rappresentazione, in cui i vividi colori sottolineano il dramma, spicca l'intenso movimento del vecchio patriarca, che, sfigurato in volto dal dolore, cerca di tenere lontano da sè quel tessuto macchiato, spostando tutto il corpo sulla sinistra e allungando il braccio per non consentire che si avvicini a lui, quasi un tentativo di negare l'evidenza. Sulla destra, il gruppo di tre fratelli, stretti tra lor in atteggiamento complice, che si dicono e si indicano l'un l'altro il dramma paterno. Restaurato e ritelato, il dipinto è presentato in cornice antica riadattata.

Olio su tela. Scuola veneta del XVIII secolo. E' rappresentata un episodio biblico tratto dal libro veterotestamentario di Tobia, in cui si narra come Tobiolo, al ritorno da un lungo viaggio iniziatico, in cui fu accompagnato dall'angelo Raffaele e dal cane, restituì la vista al padre cieco. Nella scena campeggiano al centro le figure dei due protagonisti, il vecchio padre, seduto su uno scranno e vegliato alle spalle dalla fedele moglie, e il giovane Tobiolo in ginocchio; alle loro spalle li sovrasta l'angelo, con le grandi ali aperte protettive sui due uomini e che avvolge in un abbraccio Tobiolo, segno di partecipazione e protezione divina per l'uomo che sta compiendo il miracolo. La scena è costruita intorno alla dinamica gestuale della guarigione - Tobiolo che tocca gli occhi ciechi del padre ungendoli con il fiele del pesce che ha pescato durante il viaggio e che tiene nell'altra mano -, che è interpretata secondo tradizione come una sorta di unzione che produce salvezza. Spiccano in quest'opera la vivacità cromatica e il movimento dei corpi, intrecciati, sovrapposti, interagenti a dare dinamicità ma allo stesso tempo quasi a creare un unicum, racchiuso in una forma quasi circolare, ben delimitata dalle ali dell'angelo. Il dipinto è stato restaurato e ritelato. E' presentato in cornice antica riadattata.

Paesaggio con Figure al Fiume

Olio su tela. L'ampio paesaggio è centrato sul fiume che scorre nella valle ricca di vegetazione. Lungo il suo corso, in primo piano, alcune donne stanno lavando i panni. I tratti pittorici, veloci e poco aggregati, rimandano alla produzione di Antonio Francesco Peruzzini, appartenente a famiglia di pittori originaria di Pesaro, comprendente il padre Domenico e i figli Giovanni, Antonio Francesco e Paolo, attivi in ambito marchigiano e in città italiane come Roma, Bologna, Torino e Milano, durante il XVII secolo e il primo quarto del XVIII. La produzione di Antonio Francesco è spesso associata a quella del fratello Giovanni, avendo i due lavorato insieme. Antonio Francesco si specializzò nella pittura di paesaggio, subendo l'influenza di Salvator Rosa e di paesaggisti come Pietro Montanini e Pandolfo Reschi, e ulteriori influssi gli vennero anche da pittori nordici attivi in Italia, soprattutto da Pieter Mulier detto il Tempesta. Nelle sue prime opere si distingue già l'originalità della sua pittura data una stesura rapida e da un timbro cromatico intenso e brillante. Dal principio degli anni Novanta iniziò il lungo legame artistico di Antonio Francesco Peruzzini con Alessandro Magnasco, in seguito al loro incontro avvenuto a Milano, ove il Peruzzini si era stabilito; da questo periodo in poi la sua pittura sembra sfaldarsi, attraverso forme che si fanno più dinamiche e leggere, quasi fantastiche, per approdare infine ad uno stile improntato ad una sempre maggiore disgregazione delle forme della natura ed al loro movimento. Restaurata e ritelata, l'opera è presentata in cornice primi '900.

Olio su tavola. L'opera si ispira ad una rappresentazione grafica del Nuovo Continente ampiamente diffusa in Europa, a seguito dell'interesse e dalla curiosità suscitate dal Nuovo Mondo, che resero il soggetto ampiamente utilizzato nelle produzioni artistico-letterarie del '500 e del '600. L' allegoria dell'America era pensata in veste di figura femminile discinta ornata da un copricapo a piume e con in mano una lancia. L'opera qui proposta è molto vicina nella struttura compositiva ad una stampa realizzata da Johannes I Sadeler (Brussel 1550-Venezia 1600 ca.) che pone, come in questa opera, la figura allegorica a destra della scena, mentre a sinistra si sviluppa un paesaggio fluviale con altre figure femminili agghindate nello stesso modo. L'opera qui presentata è stata sottoposta a restauro con parchettatura della tavola. E' presentata in cornice in stile.