Dipinto di Ludovico Tommasi - Bambina

Paesaggio costiero

Olio su tela. Firmato in basso a destra. Originalissimo paesaggista che si cimentò nella pittura ad olio ma anche nell'acquarello e nell' incisione, Raul Viviani si avvicinò molto alla pittura divisionista sviluppando però una sua tecnica personale, caratterizzata da sottilissimi filamenti di colore dalla forma di sottili virgole, che definiscono le strutture dei suoi paesaggi. Con il suo trasferimento in Liguria, che rese il paesaggio di tale regione protagonista delle sue opere, la sua tecnica mutò, allontanandosi dall'originale divisionismo per aprirsi ad una pennellata ampia e sommaria, che sfociò infine nell'ultimo periodo in una produzione di nature morte dai colori violenti e contrastanti. Probabilmente anche questo dipinto è riconducibile al periodo ligure, dato il soggetto, sebbene senza titolo che ubichi lo scorcio. L'opera è presentata in cornice.

Amore

Tecnica d'affresco su tela. Il pannello, probabilmente parte di una serie con identici decori, riprende nello stile il gusto neoclassico: una sequenza verticale di elementi decorativi con vasi a volute, un volto femminile con particolari orecchini, fiori, uccellini, ciondoli pendenti con ritrattini, e in alto, all'interno di un cartiglio, la parola Amore, virtù alla quale si vuole inneggiare , unico elemento di differenza con il pannello gemello noto. Il dipinto presenta diverse cadute di colore.

Tecnica d'affresco su tela. Il pannello, probabilmente parte di una serie con identici decori, riprende nello stile il gusto neoclassico: una sequenza verticale di elementi decorativi con vasi a volute, un volto femminile con particolari orecchini, fiori, uccellini, ciondoli pendenti con ritrattini, e in alto, all'interno di un cartiglio, la parola Amore, virtù alla quale si vuole inneggiare , unico elemento di differenza con il pannello gemello noto. Il dipinto presenta diverse cadute di colore.

Pulcinella alle corse 1970

Olio (misto) su tela. Firmato e datato in basso a destra. Al retro ulteriore firma, il titolo, la tecnica, e dichiarazione di autenticità. Mario Cortiello, pittore napoletano allievo di Gennaro Villani e poi amico e collaboratore di Umberto Lilloni, partecipò con un suo stile personale al rinnovamento della pittura napoletana, senza allontanarsi dalla tradizione. Dotato di fertile invenzione e di notevole capacità rappresentativa, ha lasciato una produzione ricca e varia. Ricorrenti nella sua produzione gli scorci paesaggistici o urbani, popolati da numerose figure, spesso, nell'ambientazione napoletana, da Pulcinella, raffigurati fluttuanti su sfondi onirici, tanto da essere definito lo Chagall napoletano. In quest'opera Cortiello l'artista raffigura delle corse a cavallo molto particolari, ove i fantini sono le sue tipiche donnine nude, acclamate da Pulcinella festanti. L'opera è presentata in cornice.

Veduta cittadina

Olio su tavola. firmato in basso a sinistra. Compare anche la scritta "dall' 800", che corrisponde all'ambientazione del soggetto. La grande veduta riprende un momento di intensa vita cittadina lungo le rive di un fiume, in corrispondenza di un ponte che lo attraversa: bancarelle, ambulanti, carretti, barconi da trasporto e numerose figure riempiono di colore e vita la scena, sotto un cielo azzurro in cui svettano campanili, un arco e un altare votivo. Il pittore milanese Pierangelo Basorini si affermò come vedutista, amando ritrarre scorci di città spesso collocati temporalmente in un'epoca antecedente la sua. Il dipinto è presentato in cornice in stile.

Spiaggia Ligure

Olio su tela. Firmato in basso a sinistra. Si tratta di uno scorcio della riviera ligure, in prossimità di una cala, sormontata dalle abitazioni a ridosso della costa. Berto Ferrari, nato e vissuto sempre in Liguria, fu un abile e sensibile marinista e paesaggista di tradizione post-impressionista, che dipinse le bellezze della Riviera Ligure e numerose vedute dell'entroterra appenninico. Il dipinto presenta cadute di colore e tracce di restauro. E' in cornice coeva.

Tecnica mista (matita e acquarello) su carta. Firmati in basso. Su uno di essi presente anche la data (1946 e 1947). Si tratta di una piccola raccolta di bozzetti su carta, sei volti di bambini e di donne e quattro paesaggi, ancora con i tratti di matita e le tinte ad acquarello non complete, nelle gamme tipiche del Mantovani, quei colori chiari e trasparenti che sono considerati un suo tratto caratteristico. Lugi Mantovani, milanese di nascita e di formazione, si affermò nel panorama artistico e divenne parte attiva nei cenacoli culturali milanesi della città, a cui dedicò la sua produzione, costituita prevalentemente da paesaggi e scorci cittadini. I dipinti, di diverse misure, sono presentarti in cornici in stile, con piccole mancanze (una mancante del vetro).

Paesaggio con Figure in Stile antico

Olio su faesite. Firmato in basso a destra. Nato a Milano nel 1913, e formatosi all'Accademia di Brera (di cui in seguito diverrà insegnante), Adriano Gajoni si appassionò allo studio dei pittori seicentisti lombardi e alla pittura olandese e fiamminga del XVII secolo, dal cui minuzioso realismo si lasciò ispirare. Di stretta osservanza figurativa, Il Gajoni predilesse i paesaggi, i ritratti e soprattutto le nature morte, che espresse in composizioni fiabesche e allegoriche. Praticò soprattutto la pittura a olio su legno e faesite. Anche questo dipinto ripropone un paesaggio di gusto antico: nella campagna, sul sentiero che costeggia un ampio fiume, transita sul suo asino una figura pastorale, seguita dalla sua piccola mandria. L'opera è presentata in cornice in stile.

Acquarello su carta. Anni 20-30 ca. Firmato A.C. Leveque in basso a desta. Al retro il titolo. Lo scorcio della nota stazione termale viene raffigurato intensamente animato dalla folla colorata, che passeggia nei viali antistanti l'edificio simbolo dello stabilimento termale, la cupola Liberty di marmo bianco, che si prolunga ai lati nella balconata sostenuta da colonne a capitelli ionici. Il dipinto è presentato in cornice coeva.

Vecchia Milano

Olio su tela. Firmato in basso a destra. Al retro sul telaio è presente etichetta con il titolo. Artista milanese autodidatta, Giovan Francesco Gonzaga dichiarò "la mia vera maestra è la Natura", e ad essa fedele, si dedicò prevalentemente alle scene con i cavalli (passione ereditata dall'esperienza nel Savoia Cavalleria durante la guerra) ai paesaggi e alle nature morte, sempre raffigurati “en plein air”. Ha scritto di lui Vittorio Sgarbi: "La sapienza di Giovan Francesco Gonzaga sta nel disegno, che è forte e deciso..... Le immagini vibrano di inquietudine, nel segno della lotta dell'uomo contro se stesso, nell'inferno di una storia che sembra ripetere sempre lo stesso dramma. Ma se il disegno preparatorio è mirabile, il colore di questo artista ha una regalità e una sensibilità che provengono da una percezione musicale della cromia, dove la tavolozza si esprime in improvvisi, in variazioni e in ritmi pulsanti". In quest' opera il Gonzaga propone uno scorcio della sua Milano, ove un raggio di sole illumina la facciata di un palazzo facendola emergere dalle ombre della stretta via che si diparte all'angolo. L'opera è presentata in cornice in stile.

Chierici con Pesci

Olio su tavola. Firmato in basso a destra. E' opera dell'artista di Rapallo Pietro Ardito, che si affermò come vignettista e caricaturista, pittore e dsiegnatore. Anche nelle sue opere pittoriche la matrice è quella caricaturale: spesso si ritrovano come soggetti prelati e chierici, come in questo scena in cui Ardito propone una simpatica processione di chierici al seguito di un vescovo....di ritorno da una giornata di pesca, con i trofei ittici ben in vista. In cornice.

La Semina 1979

Olio su vetro. In basso a destra presenti la firma e la data, accompagnate dal simbolo dell'artista, la figurina stilizzata di un uomo in carrozzina. Al retro etichetta con ulteriore firma e i dati dell'opera. Il dipinto in stile naif propone un momento della vita contadina, ovvero la semina del piccolo campo; il contadino lavora nel piccolo appezzamento di terreno, quasi un orto, con le galline che becchettano intorno a lui, e all'intorno verdi colline, illuminate da un enorme sole sfavillante. E' un'opera su vetro del pittore Mario Previ, che dall'età di diciotto anni vive e dipinge su una carrozzina, per una tetraplegia conseguente ad un tuffo nel suo Taro. Ha detto di sè :" Il mondo, il passare del tempo, da questo punto di vista (la sedia a rotelle) insegnano tante cose. Impari a svegliarti ogni mattina con uno scopo, anche se il tuo corpo è dolente, se ogni gesto genera sofferenza e dipendi dagli altri e mollare potrebbe essere una soluzione facile. E invece, l'arte, la pittura, insieme alla serenità del mio mondo, degli amici, mi danno un'energia incredibile. Mi hanno salvato, dandomi la forza di vivere". Nel 1974, tre anni dopo l'incidente, ispirato da una trasmissione televisiva sui pittori naif jugoslavi, in particolare dalle opere su vetro di Mijo Kovacic, Previ inizia a dipingere e ad imparare l'arte della pittura su vetro da autodidatta, fino ad arrivare a farsi conoscere ed apprezzare per i suoi dipinti. Nei suoi naif Mario Previ racconta una realtà ormai quasi scomparsa, storie reali se pur in tono fiabesco, fa rivivere tradizioni perdute, spaccati di vita appartenuta ad altre generazioni, quelle della civiltà contadina (da cui peraltro lui proviene), ma ciò che più emerge dalle sue visioni sono le “forë”, quelle che si potevano ascoltare un tempo nei “firossi”, le serate tradizionali delle frazioni del parmense dedicate al ritrovarsi per raccontare aneddoti, racconti e curiosità storiche, spesso di fronte al fuoco del caminetto, quando fuori c'era freddo e nevicava. L'opera è presentata in cornice.