Acquaforte. Esemplare della stampa incisa da Annibale e pubblicata da Nicolaus van Aelst. Di entrambi la firma lungo il margine interno: da sinistra "Annibal Caracius fecit et inve." A destra "Nico van Aelst for." Il tema, ricorrente nella produzione pittorica del Carracci, vien qui proposto suddividendo in due settori verticali la scena, utilizzando il palo di legno della capanna come divisorio: a sinistra i pastori adoranti, a destra Maria, Giuseppe e alcuni Angeli, una divisione quindi tra l'umanità normale e la Sacra Famiglia, seppure tutti i personaggi convergono al centro, puntandogli sguardi sul Bambino. La stampa è in buone condizioni; è presentata in cornice in stile.

Ricamo su tessuto. Il frammento di scena più grande, rappresenta la nascita di Giovanni Battista, con il padre Zaccaria seduto nell'angolo che scrive il nome da attribuire al figlio, mentre la madre Elisabetta vigila dal letto puerperale le cure date al bambino dalle sue serve. Il tessuto presenta buchi e lacerazioni. In cornice in stile.

Olio su tela. Monogramma in basso. Al retro in alto sul telaio è presente il nome dell'autrice, una pittrice amatoriale, con la data di realizzazione, la dedica ad un'amica e il riferimento di ispirazione, una Madonna di Luca della Robbia. In discrete condizioni, il dipinto è presentato in cornice dorata di fine '800.

Olio su tela. Scuola toscana di fine '500 - inizio '600. La tela rientra in un'ampia produzione sacra, che esaltava la gloria di Maria e dei santi vicini alla committenza. Al centro Maria siede su un trono con il Figlioletto in braccio, mentre in alto, dai cieli aperti, guarda a Lei benedicente il Padreterno, con il globo terrestre tra le mani, simbolo del suo potere sul mondo; Egli è affiancato da due angeli. Ai lati del trono stanno in piedi due Santi: a sinistra, San Domenico di Guzman, vestito dell'abito da domenicano e che regge tra le mani un giglio e un libro; sulla destra, nel suo caratteristico saio, San Francesco d'Assisi, che regge la croce a forma di Tau e un libro, e sulle cui mani si vedono i segni delle stimmate. Tutta la scena è caratterizzata dalla staticità delle figure tipica ancora del periodo rinascimentale, da colori vivi e da tratti dei visi composti e delicati. Retaurato e ritelato, il dipinto è presentato in cornice antica.

Olio su tela. Scuola italiana del XVII secolo. La scena propria dell'iconografia tradizionale cristiana, risulta molto vivace e movimentata, molto ricca di figure, di particolari e di colori: al centro le tre figure dei Magi, che omaggiano il Bambin Gesù, spostato a sinistra con la Sacra Famiglia , mentre a destra vi è tutto il ricco seguito dei tre re, con i doni. Restaurato e ritelato, il dipinto è presentato in cornice in stile, con mancanze.

Olio su rame. La Maddalena, avvolta nei suoi lunghi capelli con i quali copre la sua nudità, volge gli occhi al cielo ove si affacciano angeli. Intorno a lei un paesaggio brullo. Il dipinto è presentato in cornice del '900.

Maria Dolente

Bassorilievo in marmo. Firma incisa lungo il margine sinistro. Nato a Cannobbio (sul Lago Maggiore), Giulio Branca fu avviato all'arte dallo scultore cannobiese Bergonzoli, e frequentò successivamente all'Accademia di Brera la scuola del nudo e quella di scultura di G. Strazza. Nato a Cannobio il 13 dic. 1850 da Ludovico, avviato all'arte dallo scultore cannobiese Bergonzoli, frequentò all'Accademia di Brera la scuola del nudo e quella di scultura di G. Strazza. Realizzò circa quattrocento sculture, tra le quali si annoverano monumenti commemorativi, monumenti funerari e busti-ritratto. Il Branca prese anche parte, in seguito a concorso, ai lavori di completamento di quell'alta parete muraria del duomo di Como rimasta per secoli incompiuta, scolpendo tra il 1897 e il 1900 diverse figure in marmo bianco della facciata e dell'altare. L'opera presentata è un bassorilievo che presenta, a mezzo busto, la Madonna addolorata affiancata da due pie donne. E' presentata in cornice d'appoggio coeva, in legno, di fine '800-inizio '900.

Sant'Ambrogio

Cartone originale, ad olio, per la preparazione della vetrata della chiesa di Viggiù (Varese), per la quale il maestro realizzò varie opere. Quest'opera è accompagnata da perizia su foto, firmata da Alessandro Grassi, maestro vetraio che, nel suo laboratorio di vetrate artistiche (che ha collaborato con numerosi architetti e artisti italiani e stranieri) ha poi realizzato le vetrate finali in collaborazione con il maestro. S.Ambrogio, patrono di Milano, è raffigurato nella sua veste di arcivescovo, nell'atto di negare l'ingresso in chiesa all'imperatore Teodosio I che si era macchiato di gravi delitti, pur professandosi cristiano. Opera in cornice.

Olio su tela. Il volto della Madonna richiama nel modo di rappresentazione i dipinti di Giovanni Battista Salvi detto il Sassoferrato (1609 -1685), il cui stile fu ampiamente ripreso nei secoli XVIII e XIX. Al retro del dipinto è presente un cartiglio con numero di inventario (N. 193) e il nome del collezionista Giuseppe Bertarelli (1804-1875), commerciante e filantropo milanese, noto panche per le donazioni di importanti opere d'arte alla Pinacoteca Ambrosiana. Il dipinto è in prima tela; necessita di restauro per piccole cadute di colore e due piccoli buchi. E' presentato in cornice coeva.

Tempera su tavola. La grande icona è ripartita in molteplici scene che ripercorrono la vita di Gesù, iniziando in alto a sinistra con la raffigurazione della Trinità nell'episodio di Sichem (veterotestamentario), per arrivare al centro alla Resurrezione e Ascensione di Cristo. La tavola presenta alcune crepe del legno e piccole cadute di colore.

Olio su tela. Scuola nord-italiana del XVII-XVIII secolo. Al retro presente etichetta di Galleria d'arte con indicazione "Scuola veneta del 1600". E' raffigurato l'episodio evangelico delle deposizione di Cristo dalla Croce. Il corpo di Gesù, che spicca bianco per il pallore della morte ma anche a simbolo della sua purezza, spicca al centro tra le altre figure, unico inerte in mezzo agli altri personaggi. Le sue braccia ancora aperte mentre viene staccato dalla Croce, costituiscono un tramite tra le due figure di Maria e Giovanni in piedi sotto di Lui, e il cielo. Intorno diverse figure che coralmente creano movimento, intrecci, di forme e colori. L'opera restaurata e ritelata, è presentata in cornice coeva, in legno intagliato, stuccato e laccato.

Olio su tela. Scuola centro-Italia. Il Santo di Assisi è raffigurato in contemplazione del Crocifisso, secondo una delle sue raffigurazioni tradizionali, itinerante nella campagna umbra. Il dipinto già restaurato e ritelato, richiede ulteriore pulizia. E' presentato in cornice antica adattata.

Storie di Gesù e Maria

Tempera su tavola. Nei dodici riquadri che contornano la scena centrale, che raffigura la Resurrezione la Ascensione del Cristo, son raffigurati episodi della vita di Maria e di Gesù. Le scene sono corredate di scritte in cirillico. La tavola presenta diffuse ma piccole cadute di colore qualche mancanza.

Olio su tela. Scuola del Nord-Italia. La raffigurazione della Natività è qui vista come momento contemplativo del Sacro Bambino, da parte di Maria e Giuseppe, accompagnati da angioletti. I modi pittorici riprendono quelli di modelli ampiamente replicati, a partire da Correggio, da Barocci, per arrivare alle numerose versioni di Gherardo delle notti, ovvero il pittore fiammingo Gerard Von Honthorst, rappresentante dl tenebrismo, corrente pittorica che giocava sui forti contrasti di buio e luce, di chiaro e scuro. Anche in quest'opera la luce irradiata dal Bambin Gesù illumina le figure intorno a Lui e le fa emergere dal buio circostante. L'opera, restaurata e ritelata, è presentata in cornice del XIX secolo.

Olio su ardesia. Dipinta su una spessa lastra di ardesia, la scena presenta il drammatico momento in cui Maria, circondata da un gruppo di pie donne, piange sul corpo del Figlio deposto dalla Croce: si abbandona drammaticamente tra le braccia delle due donne dietro di lei, mentre al suo grembo è appoggiato il corpo inerte del Figlio, sulla cui mano piange una terza donna; in alto, un gruppo di angeli che si affacciano dai cieli aperti, da cui scaturisce la Luce divina, partecipano del compianto. Maria è l'unica figura che indossa abiti dai colori vivaci, che contrastano con il colorito cereo del corpo del Cristo appoggiato al suo grembo, mentre le altre donne vestono abiti dai colori spenti, così come neutri sono i corpi degli angioletti. Le figure sono collocate su uno sfondo scuro, nel quale appena si intravvede l'apertura del sepolcro: l'effetto cromatico è reso grazie anche alla base pittorica utilizzata, l'ardesia, pietra conosciuta anche con il nome di “lavagna”, in quanto le più importanti cave di ardesia si trovano nei pressi della cittadina di Lavagna in Liguria. La modalità pittorica richiama le opere di Pietro Mera detto il Fiammingo, pittore originario di Bruxelles vissuto a cavallo del XVI- XVII secolo: attivo per lungo tempo a Venezia, lavorando dal 1570 al 1603 al servizio del cardinal d'Este, Mera fece ampio uso dell'ardesia quale supporto pittorico per alcune sue opere. Il materiale dal caratteristico colore scuro permetteva all'artista di creare intensi contrasti luministici e di dare risalto alle figure, raffigurate con una gamma cromatica accesa ed illuminate da brillanti tocchi di luce. In buone condizioni, il dipinto è presentato in cornice antica.

Episodi della Vita di Giovanni Battista

Cinque disegni a tecnica mista su carta, raffiguranti scene della vita di San Giovanni Battista, come raccontati nei Vangeli (La Visitazione di Maria ad Elisabetta, la nascita, il Battesimo di Gesù, la decapitazione, Salomé che presenta la sua testa mozzata ad Erode). Al retro etichetta specifica che i disegni sono copiati dal ciclo della Cappella di San Giovanni Battista nell'insigne Basilica di San Lorenzo in Genova. In cornice.

Olio su tela. Scuola veneta. La scena, ispirata al racconto del Vangelo di Luca, descrive la visita fatta da Maria, già incinta di Gesù, alla cugina Elisabetta, che a sua volta attende la nascita del figlio Giovanni, il futuro Battista. L'incontro tra le due donne corrisponde all'incontro anche tra i due figli nascituri e all'anticipazione del riconoscimento di Gesù Salvatore, con Giovanni che sussulta nel grembo della madre quando sente parlare Maria, la quale declama, a ringraziamento, la bellissima preghiera del Magnificat. Assistono alla scena i due coniugi, il vecchio Zaccaria, sposo di Elisabetta e Giuseppe, sposo di Maria. Di grande impatto scenico, la scena è ambientata in un palazzo a colonne; le figure sono in movimento, corpi e sguardi si incrociano e si intrecciano; i colori vivaci contribuiscono a creare luminosità e leggerezza. Il dipinto restaurato e ritelato, è presentato con sottile cornice dorata.

Olio su tela. Scuola fiamminga. La Maddalena è raffigurata secondo i suoi attributi iconografici tradizionali: nel deserto, discinta e con i lunghi capelli sciolti, con il libro delle Sacre scritture e in atteggiamento di contemplazione estatica; di fianco a lei, il teschio quale "memento mori", cioè richiamo alla caducità della vita. Restaurato e ritelato, il dipinto è presentato in cornice in legni antichi riadattati.

Olio su tavola. Scuola lombarda della prima metà del '700. Di grande dimensione, il dipinto è realizzato su due tavole di noce di grosso spessore, unite da zeppe lignee. La scelta del supporto fa ipotizzare che la produzione sia di ambito periferico, probabilmente valligiano. La scena vede l'arcangelo Gabriele che, dai cieli aperti da cui spuntano altri angeli, si presenta a Maria, inginocchiata in raccoglimento . Particolare è la scritta dell'annuncio ("Spiritus Sanctus superveniet in Te", ovvero " Lo Spirito Santo scende su di te") che esce dalla bocca dell'Angelo, sormontata dalla colomba, appunto effigie dello Spirito di Dio; inoltre l'Angelo tiene in mano un giglio, simbolo della purezza, in questo caso della Verginità di Maria che viene preservata. Il dipinto presenta tracce di maldestri restauri precedenti, piccole cadute di colore e danni delle tavole (segni diffusi di tarlatura). Presentato in cornice in stile.