Jacob recibe la túnica ensangrentada de José

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela veneciana del siglo XVIII. La pintura representa el episodio bíblico tomado del libro del Génesis, en la que los hermanos de José, celoso de su padre, la predilección de Jacob por él, lo venden a un esclavo a los comerciantes que van a Egipto y declarar a su padre que está muerto: se usan en prueba la túnica manchada con la sangre de un animal, esa túnica especial que Jacob había tejido especialmente para su amado hijo. En esta representación, en la que los colores vivos subrayan el drama, se destaca el intenso movimiento del viejo patriarca, quien, desfigurado por el dolor en el rostro, intenta mantener esa tela manchada lejos de sí mismo, moviendo todo su cuerpo hacia la izquierda y hacia la derecha. extendiendo el brazo. no para que le permita acercarse a él, casi un intento de negar la evidencia. A la derecha, el grupo de tres hermanos, muy juntos en actitud cómplice, que se cuentan y señalan el drama paterno. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco antiguo readaptado.

Pareja de sillones estilo Ico Parisi, acolchado de muelles y espuma, tapizado en terciopelo, patas de madera teñida ébano.

Florencia Tercer Cuarto Siglo XVIII

Espejo barroco toscano en madera tallada y dorada con partes opacas y brillantes, Florencia tercer cuarto del siglo XVIII. Ricamente decorado con motivos de rocalla, incluidos rizos, follaje y elementos florales. Máscaras en el frente y los lados de la cofia; Espejos perimetrales de mercurio mientras se reemplazan los centrales.

El cuadro representa a Clelia cruzando el Tíber. Clelia fue una heroína romana, que fue entregada como rehén, junto con otras niñas, al rey etrusco Porsenna durante las negociaciones de paz con la ciudad; sin embargo, logró escapar cruzando a nado el Tíber. Porsenna pidió a los romanos que se lo devolvieran, quienes accedieron, pero admirado por su heroísmo, decidió liberarla permitiéndole llevarse otros prisioneros con ella, a quienes Clelia eligió entre los más jóvenes. El momento de la representación es precisamente el del cruce del río, del que está la personificación en primer plano a la derecha, con un anciano canoso, acompañado de una joven con un cuerno de la abundancia. La escena es muy dinámica, con Clelia y las demás chicas que forman un grupo numeroso y animado, junto al caballo de la protagonista, como recuerdan algunas versiones del cuento; detrás de ellos las tiendas del campamento del rey etrusco con algunos soldados. Al otro lado del río hay otro grupo de mujeres, el cruce ya realizado, mientras que al fondo se puede ver la extensión con la ciudad Capitolina con un rostro clásico. La obra, como lo demuestra un pequeño pergamino, se atribuye a Domenico Lupini, un artista del que no se sabe mucho pero cuyo ámbito de actividad entre Bérgamo y Venecia se puede hipotetizar. Las únicas dos obras firmadas son una "Magdalena convertida" y una "Anunciación", pero la erudita Federica Nurchis le ha atribuido otras obras y las ha colocado en el monasterio de Santa Chiara en Bérgamo. Estas pinturas presentan un cromatismo cálido y refinado que, junto con la elegancia de los personajes y la modalidad compositiva, sugieren una estancia veneciana de Lucini, que parece recordar las atmósferas de Tintoretto, Veronese y Palma il Giovane. Presentado en un marco dorado del siglo XVII, restaurado y reasentado.

Pintura al óleo sobre lienzo. En la gran escena ambientada en el exterior, se destaca en el lado izquierdo el laboratorio de un herrador, que intenta con sus ayudantes trabajar las herraduras de un caballo mientras el dueño atiende; en el centro llegan otros caballeros con sus sirvientes que van al artesano; a la derecha algunas figuras populares descansando al borde de la carretera. Al fondo, un gran paisaje fluvial se abre a la derecha, mientras que a la izquierda está el acceso al pueblo, presidido por un edificio ruinoso, con varias figuras populares concentradas en sus actividades: la mujer que está a punto de amamantar a un niño. , mientras que el otro hijo se escapa por la escalera, otra mujer colgando la ropa en el balcón de la casa construida sobre pilotes en la roca, mientras que un hombre sube por la escalera. Es una obra realizada con gran probabilidad por un autor flamenco que trabaja en Lombardía. Algunas referencias a la ropa y la construcción ciertamente indican contaminación del norte de Europa, mientras que otros detalles indican la ubicación de la construcción en Lombardía. La pintura proviene de una prestigiosa residencia histórica de una familia noble lombarda. Aún en el primer lienzo, tiene algunos cortes y un agujero en la banda inferior; en la parte posterior algunos parches de una restauración antigua. Se presenta en un marco coetáneo delgado.

Italia Segunda mitad del siglo XX

Par de figuras que representan a la gimnasta Arlequín y Pantalone de la serie "Commedia dell'arte". Murano, hacia 1950. Vidrio lattimo y rigadin lattimo con decoraciones policromadas en negro, gris, rojo y marrón. Compatible con los diseños de horno Venini 2906 (Arlecchino) y 2901 (Pantalone). Firma no presente. Ligeros defectos. Arlequín mide 15x24x12 cm. Medidas pantalón 37x10x12 cm.

Lombardía finales del siglo XIX

Aparador tallado con contrahuella en forma de urna, tapa de brecha antigua, frente con dos puertas, montantes a 45 grados. Toda la estructura del mueble está enchapada en nogal de la India, brezo thuya y está ricamente tallada en arce trabajado con motivos florales. Talla con medallones con querubines en la naturaleza rematados por una rama de helecho contenida en una bóveda de arco apuntado dentro de los cofres de las puertas decoradas con cuatro boquillas talladas. Tallas también presentes en los montantes y en las esquinas, llave con empuñadura con motivos de libertad. Ferdinando Pogliani era un fabricante de muebles cuya producción más frecuente se refería al uso de ébano y marfil, recientemente se ha puesto en el mercado un dormitorio firmado por él que corresponde a las características estructurales y decorativas de este aparador. Pogliani nació en Milán en 1832 y dirigió un taller en Porta Vittoria y una tienda en via Montenapoleone junto con sus hijos Carlo, Giuseppe y Paolo.

Inglaterra finales del siglo XVIII

Aparador serpentino Jorge III enchapado en caoba, Inglaterra finales del siglo XVIII. Tapa con hilos de arce, frente con 3 cajones en la banda, par de puertas e incrustaciones en caoba y arce incluyendo florero y motivos de abanicos en las puertas. Falta de cerraduras de cajón; cerraduras de las puertas marcadas como "Palanca". Interior en roble. Bronce reemplazó manijas.

Pintura al óleo sobre lienzo. La gran escena se desarrolla a la entrada de un pueblo cerca de una parada para los caballos: numerosos jinetes están parados con sus bestias, que son provistas por los sirvientes y los aldeanos que llenan de heno el pesebre; uno de los sirvientes, a la derecha, hace agua a los animales en el arroyo cercano. Al fondo, las casas del pueblo dispuestas a lo largo del río, que luego desemboca en el paisaje montañoso de la derecha. Es una obra realizada con gran probabilidad por un autor flamenco que trabaja en Lombardía. Algunas referencias a la ropa y la construcción ciertamente indican contaminación del norte de Europa, mientras que otros detalles indican la ubicación de la construcción en Lombardía. La pintura proviene de una prestigiosa residencia histórica de una familia noble lombarda. Aún en el primer lienzo, tiene algunos cortes en la banda inferior. Se presenta en un marco coetáneo delgado.

virgen con el niño el padre ángeles y santos

Pintura al óleo sobre lienzo. Acompañado de tarjeta de atribución del Dr. Franco Moro. El lienzo forma parte de una gran producción sacra, que exaltaba la gloria de María y los santos cercanos al cliente. En el centro María se sienta en un trono con su pequeño Hijo en brazos, mientras arriba, desde el cielo abierto, el Padre Eterno mira su bendición, con el globo en sus manos, símbolo de su poder sobre el mundo; Está flanqueado por dos ángeles. Dos santos están de pie a ambos lados del trono: a la izquierda, Santo Domingo de Guzmán, vestido con el hábito dominicano y sosteniendo un lirio y un libro en sus manos; a la derecha, con su hábito característico, San Francisco de Asís, sujetando la cruz en forma de Tau y un libro, y en cuyas manos se aprecian las marcas de los estigmas. Toda la escena se caracteriza por la naturaleza estática de las figuras todavía típicas del Renacimiento, por los colores brillantes y por los rasgos serenos y delicados de los rostros. Además, algunos rasgos, excéntricos con respecto a la actitud neorrafaelesca común de la época, apuntan hacia el ambiente boloñés, en el que se encuentran en particular Bartolomeo y Tiburzio Passerotti. En particular, algunos aspectos extravagantes que fluyen en cada detalle del lienzo se refieren a este último: la correspondencia cromática de colores vivos y luminosos, el alargamiento esquemático de los miembros inferiores, acentuado por el marcado signo negro que caracteriza el contorno de las pestañas y cejas, hasta la persuasiva forma de la boca. Restaurado y revestido, el cuadro se presenta en un marco antiguo.

Francia Segunda mitad del siglo XIX

Vitrina Napoleón III sostenida por pies torneados, en el frente tiene tres puertas con vidrio, coronadas por un compartimiento con vidrio en el frente, accesible levantando el estante; el elevador consta de tres habitaciones con puertas; vidrio también presente en los lados. De madera teñida de oscuro, está decorado con aplicaciones de bronce e hilos y bordes de la tapa latonados.

Piamonte Último cuarto del siglo XVIII

Marco neoclásico piamontés en caoba, Italia, último cuarto del siglo XVIII. Tallada con rosetones colocados en la intersección de las esquinas y con elementos campaniformes y grecas fitomorfas. Tallas doradas, espejo de mercurio.

El modelo deriva de un grabado de Marcantonio Raimondi basado en un dibujo de Rafael, realizado especialmente para la obra gráfica, derivado de una pintura colocada en la Stanza della Segnatura (1513-1515). Este modelo fue retomado y modificado por Hans von Aachen en un lienzo fechado en 1588 y hoy conservado en el Museo de la Cartuja de Douai, a su vez retomado en un grabado del año siguiente por Raphael Sadeler, en el Gabinete de Dibujos y Estampas. de la 'Academia Carrara de Bérgamo. El lienzo en cuestión se deriva de esta última versión, que muestra los mismos cambios realizados con respecto al original rafaelesco. En el centro de la escena, que transcurre inmersa en un paisaje natural, se encuentran las tres diosas que se disputan el título de las más bellas: Juno con el pavo real, su animal simbólico, Venus acompañada de Cupido y Minerva junto a las cuales se encuentran las casco, lanza y escudo. París, de espaldas, va entregando la manzana de oro que decreta vencedora a la diosa del amor, bajo la mirada del juez Mercurio. Dos querubines revolotean alrededor de los protagonistas, mientras que en primer plano, siempre de espaldas, aparece una figura masculina. Un internado rural se está llevando a cabo en el jardín trasero. La obra, como lo demuestra un pequeño pergamino, se atribuye a Domenico Lupini, un artista del que no se sabe mucho pero del que se puede suponer el alcance de su actividad entre Bérgamo y Venecia. Las únicas dos obras firmadas son una "Magdalena convertida" y una "Anunciación", pero la erudita Federica Nurchis le ha atribuido otras obras y las ha colocado en el monasterio de Santa Chiara en Bérgamo. Estas pinturas presentan un cromatismo cálido y refinado que, junto con la elegancia de los personajes y la modalidad compositiva, sugieren una estancia veneciana de Lucini, que parece recordar las atmósferas de Tintoretto, Veronese y Palma il Giovane. Presentado en un marco dorado del siglo XVII, restaurado y reasentado.

Italia Mediados del siglo XIX

Sillón neobarroco en madera tallada y dorada, Italia mediados del siglo XIX. Respaldo, reposabrazos y asiento acolchados, patas onduladas acabadas en rizos. Tallados en volutas, rostros de niños, animales fantásticos y elementos naturalistas.

Francia finales del siglo XIX

Pareja de urnas de granito rosa con aplicaciones de bronce dorado, Napoleón III, Francia, finales del siglo XIX. Tapa removible con agarre en forma de "piña", patrón griego de volutas de acanto, bayas y elementos vegetales colocados en el punto de máxima circunferencia, perfilados en la base. Cada uno decorado con un par de cabezas de carnero de bronce dorado que funcionan como asas. Ligeras astillas.

Italia Primer cuarto del siglo XVIII

Cajonera barroca bergamasco en nogal, Italia, primer cuarto del siglo XVIII. Frente con 4 cajones decorados con paneles colocados dentro de marcos, estos últimos presentes también en los costados, montantes con pilastras talladas con festones de hojas, querubines y frutas; pies de estante en forma. Interior en abeto, chopo y nogal.

Murano 1957

Figura de vidrio lechoso de la serie “Grotteschi”, realizada por Fulvio Bianconi para Venini, Murano 1957. Personaje de estatura reducida y rasgos deformados, retratado con los brazos cruzados como si estuviera gesticulando; tocado y toga con tejido de rombos obtenidos con la técnica del ballotton. Base elíptica irregular. Compatible con el dibujo del horno Venini n. 4851. No lleva firma.

Parma Tercer Cuarto Siglo XVIII

Mesa y pareja de consolas neoclásicas en nogal, Parma tercer cuarto del siglo XVIII. Tapas con cenefa labrada con listones, cajones sencillos en las fajas, estos últimos tallados con gubias y con marco nervado en la parte inferior. Cuellos torneados y patas troncocónicas acanaladas que terminan en pies de peonza. Las tres piezas se pueden unir para formar una sola mesa.

sofá de 2 plazas; acolchado de espuma y revestimiento de tela, patas de metal con placa de madera.

Italia 1850-1855

Busto de maniquí de artista femenina en madera parcialmente lacada y pintada, Italia mediados del siglo XIX. En el reverso lleva las siguientes palabras, parcialmente descifradas: ”Luigi Banzolini 1850 Laviana(?)” y “Coniata(?) 1855”. Al busto, originalmente de cuerpo entero, le faltan los brazos y la parte inferior.