Baco borracho

Pintura al óleo sobre lienzo. Firmado abajo a la derecha. El dios se representa de pie para llenar la escena, cubierto únicamente con un paño que le envuelve la cintura y con hojas de hiedra, colocado sobre sus costados y sobre su cabeza, mientras sostiene una copa en una mano; la mirada está vacía y desconcertada. Detrás de él, un putto semi-reclinado juega con una hiedra. Alrededor, nubes blancas, al igual que el suelo es blanco, con destellos de cielo azul y un arbusto verde para crear los únicos contrastes. En el reverso de la obra hay una etiqueta "Mario Galli Collezione d'Arte", con el número de catálogo 64 y una inscripción manuscrita del artista. La obra representa bien la pintura de este artista de Módena, pero que se formó artísticamente primero en Roma y luego en Florencia, donde pasó la mayor parte de su vida. Su rica producción inicialmente proponía sobre todo temas históricos, pero luego también recurrió a los retratos y finalmente a los paisajes: su singularidad se reconoce en la capacidad de ir desde el tema histórico, a menudo colocado en escenarios obtenidos de la antigua Pompeya, hasta el naturalismo de la Estilo Macchiaioli, de su segundo período, en el que Muzzioli buscaba una percepción significativa de la atmósfera y la luz en temas inspirados en el ambiente rural toscano, a menudo situado en la antigüedad. En esta obra, retrato de un personaje mitológico, brilla con fuerza la intención luminista del artista, la búsqueda del efecto de la luz que juega sobre los cuerpos desnudos del dios y el putto, para luego desvanecerse en el fondo. La etiqueta de la galería de arte remite al florentino Mario Galli (1877 -1946), escultor que también fue un importante coleccionista de obras, sobre todo de los Macchiaioli. La obra tiene una fisura importante y ha sido rebasada. Se presenta en un elegante marco.

Escritorio con columna de cajones y compartimiento abierto debajo de la tapa; Madera maciza de haya teñida y chapada en caoba.

Tres Caras Ocho Hojas

Gouaches sobre papel. En el reverso hay pegatinas de la subasta de Sotheby's con el nombre del artista y el título original "Tres caras ocho hojas". Se trata de dos dibujos similares, con el mismo tema aunque con pequeñas diferencias, y coloreados con técnicas distintas. Jean Cocteau fue un artista polifacético: escritor, dramaturgo, dramaturgo, también incursionó en las artes visuales, amando experimentar con todas las vanguardias de su siglo. Jean Cocteau publicó su primer libro de dibujos en 1923, con tan solo 36 años. En él el poeta retrató a sus amigos Raymond Radiguet, Pablo Picasso, Erik Satie, Francis Poulenc, pero también numerosas escenas de la vida cotidiana parisina, los ballets rusos de Nijinski, alegorías, caricaturas, imágenes poéticas. Cocteau se revela como un talentoso dibujante, pero sobre todo un artista capaz de captar la esencia de los rostros, los comportamientos y las debilidades humanas. Obra enmarcada.

Paisaje invernal con figuras sobre hielo

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela flamenca del siglo XVII-XVIII. En el marco hay una etiqueta que atribuye a Thomas Heeremans (pero con fecha incorrecta). La gran escena ofrece un paisaje invernal propio del territorio holandés, ya que se caracteriza por un canal helado, cerca de un pueblo, poblado por numerosas figuras de patinadores, absortos en sus actividades cotidianas: el trineo tirado por caballos para el transporte de personas, el hombre el que empuja la "carretilla" llena de leña, el niño que se empuja a sí mismo en su cajita; otras figuras pasan por el terraplén a lo largo del canal. El cielo gris y frío de un día de invierno se cierne sobre todo. El tema fue recurrente en la producción del pintor holandés Thomas Heeremans, quien pintó principalmente paisajes invernales de su tierra, replicándolos en varias ocasiones debido al éxito obtenido, e induciendo a numerosos otros artistas a imitarlo; por lo tanto, se cree que este trabajo se remonta a un imitador de los Heereman, en lugar de a él directamente. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco de época.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela italiana del siglo XVIII. Dentro de un paisaje bastante árido, con ruinas arquitectónicas a la izquierda y picos nevados al fondo a la derecha, por el camino pasan unos pastores, conduciendo sus rebaños de vacas, ovejas y cabras. En el paisaje nórdico, la tonalidad rosácea del cielo y el carácter pastoril de la escena dan esa atmósfera idealista propia del paisajismo del siglo XVIII, en el que primaba la satisfacción del sentimiento por encima de la intención de transposición realista. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco de época.

Pintura al óleo sobre lienzo. Zona lombarda de finales del siglo XVIII. Los cuatro lienzos muestran escenas de Orlando Furioso, el famoso poema épico escrito por Ludovico Ariosto y publicado por primera vez en 1516. En el marco, en el reverso, hay escritos manuscritos en italiano antiguo, que dicen el título de la escena y dan la referencia de la canción y la estrofa. Las cuatro escenas representan episodios tomados de las dos primeras canciones del poema y parecen ser secuenciales. Los títulos atributivos son los siguientes: 1- “Esta pintura representa a aquel paladín galiardo (Rinaldo) hijo de Amone sig. di Monte Albano, que describe a Ariosto en el canto 1 al verso 12 ”: representa el momento en que Rinaldo, a pie de su caballo Baiardo, ve a Angélica escapar del campamento de Namo di Baviera en el bosque. 2- "Este cuadro representa a Angélica y Ferraù cuando ella acude en su ayuda, lo que Ariosto describe en el canto 1 verso 14": Angélica huyendo de Rinaldo, se encuentra en el bosque con Ferraù, un noble caballero sarraceno que también está enamorado de la muchacha, quien ayuda a escapar oponiéndose al caballero cristiano. 3- “Este cuadro representa a Rinaldo y Sacripante que caen, Angélica huye de su furia. Ariosto lo describe en el Canto 2 verso 10”: Rinaldo y Sacripante pelean para competir por el amor de Angélica, quien entretanto se da a la fuga. 4- “Esta pintura representa a Rinaldo y Sacripante en el acto en el que se enamoraron de Angélica y fueron detenidos por un espíritu en forma de Valetto. Ariosto lo describe en el canto 2 verso 15”: mientras los dos caballeros luchan, Angélica se encuentra con un ermitaño, quien, con un hechizo, evoca un espíritu con apariencia de lacayo, que interrumpe el duelo entre los dos contendientes. Las pinturas pertenecen, por tanto, a un único ciclo pictórico, atribuible a finales del siglo XVIII y que, de acuerdo con el gusto neoclásico, representa a los personajes con ropajes clásicos -guerreros vestidos de antiguos soldados, Angélica vestida con túnica romana, zapatos y pulsera - , pero insertada en un paisaje del norte de Italia, un bosque umbrío y denso. El Orlando Furioso tuvo la particularidad de proponer el tema bélico asociado al amoroso (en particular se prefirió la historia de amor entre Angélica y Medoro, que se convirtió en tema de numerosas obras de artistas de todos los siglos) y obtuvo gran popularidad y éxito: numerosos fueron sus representaciones en todas las gamas del arte pictórico visual, en elegantes frescos, pinturas, cerámicas, hasta jarros de boticario, copas, medallas, péndulos, candelabros. Comenzó en la tierra emiliana, patria del poema creado por Ariosto para el cardenal Ludovico D'Este, para llegar a las cortes de los Medici, en Lombardía, donde más tarde se desarrollaron los ciclos pictóricos de Ariosto en numerosos palacios y casas señoriales. Los lienzos se presentan en marcos de estilo dorado.

Paisaje con Arquitectura y Figuras

Pintura al óleo sobre lienzo. El gran paisaje está dominado por una imponente estructura arquitectónica con columnas que miran al mar, que ocupa toda la parte central del lienzo, mientras que a la derecha se perfila una fortaleza. La escena es animada luego por numerosas figuras de plebeyos dedicados a las actividades cotidianas: en primer plano a la izquierda, en el muelle, un grupo de hombres espera la carga de numerosos cajones y baúles. El monograma D.G. Esta abreviatura, junto con la modalidad estilística barroca, hace referencia a la atribución a Domenico Gargiulo, nombre artístico del pintor napolitano Micco Spadaro (1609/1612 - 1675). Activo principalmente en Nápoles, especialmente en las dos décadas comprendidas entre mediados del siglo XVII, el Gargiulo se consagró principalmente como paisajista y sobre todo por haber documentado los tumultuosos acontecimientos de Nápoles en el siglo XVII (erupciones, epidemias, la revuelta de Masaniello ). La progresiva especialización en la representación de paisajes o escenas de la ciudad, llena de figuritas presentados con breves descripciones minuto y con la atención a la realidad social popular, hecho que a su comisión era principalmente de naturaleza privada, que recibe encargos de numerosos notables napolitanos, regidores, caballeros y hallazgo sus obras en todas las colecciones napolitanas más importantes de la época. Entre sus principales clientes se encontraba también el gran coleccionista flamenco Gaspare Roomer, a quien el Gargiulo debía su fortuna. Gargiulo a menudo insertaba sus abreviaturas en sus obras, pero rara vez las fechaba; sólo fue posible establecer la datación de su producción gracias a la realización de una serie de obras para los monjes de la Certosa di S. Martino, que tuvo lugar entre 1638 y 1646, entre las pocas obras religiosas que realizó pero las únicas en ser documentado con cierta exactitud. El gran lienzo propuesto aquí se presenta en un marco elegante.

Amor y Psique

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Italia del siglo XVII. La escena se refiere, con algunas variantes pero de tamaño muy cercano, a una parte del gran fresco titulado "Banchetto degli dei" en la Cámara de Cupido (o Cámara de Cupido y Psique) del Palacio Té en Mantua, una gran representación de más de nueve metros realizados por Giulio Romano con su taller en el siglo XVI. La escena propuesta (que en Mantua se ubica a la derecha del gran banquete) muestra a Cupido y Psique acostados en un triclinio, mientras una pequeña figura alada los corona de laurel y dos ninfas le lavan la mano a Cupido; al fondo, a la derecha, un grupo de sátiros sacrifica una cabra al altar de una deidad, mientras que en el centro, a lo lejos, arde una ciudad. El banquete de los dioses es el momento final del mito de los dos amantes que, tras muchas pruebas y vicisitudes, obtienen el permiso de Venus para casarse. La obra, restaurada y revestida, se presenta en un marco antiguo.

Siglo XVI / 1501 - 1600

Pareja de pilastras renacentistas, el fuste es estriado, mientras que el capitel es de estilo jónico con rosetas talladas. En pietra serena.

Juego de té en porcelana blanca con decoración. Las pinturas de plomo para Giò Ponti, director y diseñador de la Richard-Ginori en aquellos años. Debajo de la base de la marca de la fábrica. Juego de té compuesto de una olla de té, un azucarero, una jarra de leche, doce platos y las once tazas.

bodegón con flores frutas un loro y juego

Pintura al óleo sobre lienzo. La gran composición es rica en numerosos elementos diferentes: en el centro destaca una gran composición floral, de múltiples variedades en vivos colores; a la izquierda de las flores, descansando sobre un capitel dórico, hay un periquito de vivos colores que contrastan con los apagados de los pájaros que yacen en el suelo, junto a unas calabazas y un jarrón de peltre. Según el experto en arte dr. Gianluca Bocchi (cuya experiencia se adjunta), la obra se remonta a la producción de Carlo Antonio Crespi, pintor activo en Como a mediados del siglo XVIII, de la misma familia Crespi a la que también pertenece el homónimo boloñés. A Crespi de Como le encantaba crear composiciones con los productos de la fértil tierra de Po, en compañía de pequeños animales, cerámica o cestas de mimbre, floreros, todo en el contexto de elementos arquitectónicos barrocos o clásicos. Sus lienzos, a menudo de gran tamaño, remiten al mundo de las villas y palacios de la campiña lombarda del siglo XVIII. La pintura, restaurada y revestida, se presenta en un marco de época. Procede de una importante colección (en el reverso se menciona al Commendatore Arturo Stucchi, empresario de Como).

Erminia entre los pastores

Pintura al óleo sobre lienzo. El gran lienzo narra un episodio extraído de la Gerusalemme Liberata de Torquato Tasso, en el que la joven Erminia, princesa de Antioquía enamorada en secreto de Tancredi, presencia cómo hieren en duelo a su amado. Impulsada por el amor, toma las armas de la guerrera Clorinda, su íntima amiga, y de noche sale a buscar a su amado Tancredi y curarlo. Pero en el campamento cristiano un rayo de luna la ilumina y, confundida con Clorinda por los centinelas, se ve obligada a emprender una precipitada huida: así sucede en un pueblo habitado por pastores que viven lejos de la guerra en un espacio idílico. , donde pide y consigue ser hospedada por un tiempo con la (vana) esperanza de olvidar su desdichado amor. La obra, ya atribuida a Carlo Loth, es más bien atribuible a la producción de Louis Dorigny, el pintor parisino que vivió durante mucho tiempo en Italia, en Roma, en Venecia y finalmente definitivamente en Verona, donde obtuvo numerosos encargos de Veronese pero también de clientes venecianos y lombardos, extendiendo su actividad como pintor de frescos de Bérgamo a Udine. En Verona desde principios de siglo, las preferencias en el campo de la pintura se dirigieron hacia un lenguaje clasicista complejo en la composición, pero sosegado y elegante, incluso en las grandes obras decorativas. A esta pintura se ajusta Dorigny, que combina en este lienzo el equilibrado clasicismo de Simon Vouet (de quien era nieto) con el claroscuro aprendido en Roma y la sosegada elegancia veneciana. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco de principios del siglo XX.

Tríptico de jarrones de plata latón chapado marcado bajo la base de la Mesa de Italia, el diseñador de Giuliano Malimpensa.