Atribuido a Domenico Lupini

Pintura al óleo sobre lienzo. El modelo deriva de un grabado de Marcantonio Raimondi basado en un dibujo de Rafael, creado especialmente para la obra gráfica, y derivado de una pintura ubicada en la Stanza della Segnatura (1513-1515) en los Museos Vaticanos. Este modelo fue posteriormente retomado y variado tanto en las pinturas como en otros grabados, en particular en el de Raphael Sadeler de 1589, actualmente en el Gabinete de Dibujos y Grabados de la Accademia Carrara de Bérgamo: la pintura aquí propuesta muestra de hecho el Los mismos cambios realizados en comparación con el original rafaelesco. En el centro de la escena mitológica inmersas en un paisaje natural, se encuentran las tres diosas que compiten por el título de las más bellas: Juno con el pavo real, su animal simbólico, Venus acompañada de Cupido, y Minerva junto a la cual se encuentra el casco. la lanza y el escudo. París, de espaldas, entrega la manzana dorada que declara vencedora a la diosa del amor, bajo la mirada del juez Mercurio. Dos amorcillos revolotean alrededor de los protagonistas, mientras en primer plano, siempre de espaldas, aparece una figura masculina. En el césped de atrás hay un internado rural. La obra, como lo atestigua un pequeño pergamino, se atribuye a Domenico Lupini, un artista del que no se sabe mucho pero cuyo ámbito de actividad se puede suponer entre Bérgamo y Venecia. Las dos únicas obras firmadas son una "Magdalena convertida" y una "Anunciación", pero la erudita Federica Nurchis le ha atribuido otras obras y las ha colocado en el monasterio de Santa Chiara en Bérgamo. El cuadro presenta un cromatismo cálido y refinado que, junto con la elegancia de los personajes y el método compositivo, sugieren una estancia veneciana de Lucini, que parece recordar las atmósferas de Tintoretto, Veronese y Palma il Giovane. La pintura presenta signos de restauración y rebase.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela toscana del siglo XVII. Según la tradición cristiana, santa Verónica fue la "mujer piadosa" que, al ver la pasión de Jesús cargando la cruz y su rostro sucio de sudor y sangre, lo limpió con un lienzo, en el que habría quedado la huella del rostro de Jesús. Este velo, también conocido como Sábana Santa, se ha convertido, por tanto, en el signo iconográfico del santo: también en este cuadro la Verónica aparece en el centro, mientras que dos ángeles a los lados sostienen el lienzo en el que está impreso el rostro de Cristo coronado de espinas. ; debajo, un cáliz que recoge simbólicamente la sangre divina, mientras que sobre la teta del santo flota el Espíritu Santo. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco de época.

Pintura al óleo sobre lienzo. La composición presenta una liebre colgada en el centro, flanqueada por unas codornices y una paloma; en el lado derecho, una cesta de mimbre que contiene castañas y ramas de pino; en el lado izquierdo un manojo de espárragos y un jarrón con flores de colores, cuyos colores vivos y brillantes crean un contraste cromático con el resto de elementos, todos en tonos marrones y grises. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco reutilizado del siglo XIX.

Pintura al óleo sobre lienzo. La escena cuenta el episodio bíblico del libro del Éxodo en el que el pequeño Moisés, a quien su madre había confiado al río dentro de una cesta para salvarlo de la masacre de los niños varones israelíes (ordenada por el faraón de Egipto para evitar que la población israelí llegaron a ser demasiado numerosos y podían rebelarse contra la esclavitud), fue encontrado por una sirvienta de la hija del Faraón, quien decidió adoptarlo y salvarlo. La escena, situada a lo largo del río, está enteramente ocupada por las figuras femeninas del séquito principesco, apiñadas y proyectadas hacia el ángulo inferior derecho, donde se coloca la cesta con el recién nacido. Todas las miradas también se vuelven hacia el niño, en la dirección que indica el brazo extendido de la mujer en primer plano a la derecha. Destaca la redondez de las formas femeninas, especialmente de las tres figuras en primer plano, donde juegos de luces y sombras resaltan las tez que emergen de las ropas. Restaurada y revestida, la pintura se presenta enmarcada.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela emiliana del siglo XVII-XVIII. Se trata de una copia antigua de la famosa pintura sobre tabla de Correggio, titulada La Virgen de San Girolamo o Il Giorno, que data de alrededor de 1528 y se conserva hoy en la Galería Nacional de Parma. El tema de la representación es la presentación por parte de San Jerónimo a Jesús de la traducción de la Biblia del hebreo al latín popular, obra realizada por el santo a petición del Papa Dámaso y que llevó a cabo encerrándose en soledad en la cueva de Belén. . En el cuadro, el protagonismo de la escena lo ocupa María sentada con el Niño Jesús en brazos, alrededor de ella se componen diversas figuras formando un semicírculo. A la izquierda está la poderosa figura del viejo Jerónimo de pie, mirando al Niño, con el rollo de traducción en la mano, con el león, su compañero ermitaño, agachado a sus pies. En el mismo lado, un ángel sostiene la Biblia mientras se dirige sonriente a la Virgen y al Niño. Del otro lado, Magdalena yace semireclinada, abrazando cariñosamente el pie del bebé, quien a su vez acaricia su cabello, en un gesto íntimo que subraya el intenso vínculo entre las dos figuras. Detrás de Magdalena, un angelito arruga la nariz olfateando el frasco de ungüentos del santo penitente. La escena se sitúa bajo una cortina roja, abierta a un gran paisaje. La pintura de Correggio tuvo un gran éxito, hasta el punto de que existen numerosas copias y réplicas antiguas, incluida ésta que se presenta aquí. La obra, restaurada y revestida, se presenta en un marco antiguo y contemporáneo.

Pintura al óleo sobre lienzo. La escena cuenta el episodio bíblico del libro del Éxodo en el que el pequeño Moisés, a quien su madre había confiado al río dentro de una cesta para salvarlo de la masacre de los niños varones israelíes (ordenada por el faraón de Egipto para evitar que la población israelí llegaron a ser demasiado numerosos y podían rebelarse contra la esclavitud), fue encontrado por una sirvienta de la hija del Faraón, quien decidió adoptarlo y salvarlo. La escena se desarrolla a orillas de un río pero en un paisaje no oriental, con estructuras arquitectónicas a la derecha: numerosas figuras que representan el séquito de la princesa, colocadas en el centro junto con el niño en la cesta. El lienzo restaurado se aplicó sobre un bastidor moderno. Se presenta en crónica del siglo XIX.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela centroeuropea. En la parte posterior, este monograma No.S. y cifras probables de inventario. La pintura recuerda obras de la zona austriaca. Representa una batalla entre caballeros, dominada en primer plano por el enfrentamiento entre dos de ellos. La pintura proviene de una colección histórica lombarda. Todavía en el primer lienzo y en el marco original; en la parte posterior hay parches y signos de restauraciones antiguas, y también ha sido sometida a posteriores restauraciones pictóricas y restauradoras en nuestro laboratorio. Cretto bien marcado. La pintura se presenta en un marco original y coetáneo, lacado.

Figuras con bodegones otoñales

Pintura al óleo sobre lienzo. La firma de H.Sanders está presente en el cañón, en la parte inferior izquierda. La escena, ambientada al aire libre en una calle de una ciudad flamenca, con el canal al fondo a la izquierda, muestra en primer plano a una vendedora de verduras detrás de su puesto, que está decorado con una variada composición de verduras de invierno, un bodegón compuesto de coliflores, repollo, zanahorias, mazorcas de maíz; junto a la mujer, un transeúnte que lleva un arpón al hombro le ofrece un pescado, evidentemente fruto de su pesca que quiere vender. La ambientación recuerda a Ámsterdam, ciudad donde nació y vivió el pintor holandés Hércules (o Herkules) Sanders, que se consagró principalmente como retratista, pero del que se conoce una escena de género interior, actualmente en el Instituto de Artes de Detroit. fechada en 1647 y titulada "Mujer limpiando pescado", cuya figura femenina se parece mucho a la vendedora de la obra aquí presentada. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco de época.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela flamenca de los siglos XVII-XVIII. La gran escena se desarrolla en un vasto paisaje nórdico, dentro de un bosque lleno de plantas retorcidas, y a la derecha una ciudad coronada por picos rocosos. En el interior del bosque, un nutrido grupo de personajes, populares pero también de alto rango, todos vestidos con ropas orientales, que forman un círculo alrededor de Juan Bautista, retratado con su traje iconográfico tradicional (vestido con pieles, con el bastón coronado por la Cruz y envuelto en el rollo, un corderito a sus pies): la mirada de Juan se dirige hacia arriba, en línea con un pájaro que vuela sobre las copas de los árboles, representación simbólica del Espíritu Santo que inspira las palabras del predicador. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco de finales del siglo XIX y principios del XX.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela napolitana del siglo XVII. Una composición de flores abigarradas, en tonos claros, se coloca en un jarrón, negro como el fondo, sobre una base de mármol, de la que sólo se distingue la base, porque está cubierta con una tela también negra, de la que sólo Destacan las pasamanerías doradas dispuestas a crear un juego de curvas; Dos pájaros descansan a ambos lados de la parte superior, una gran paloma a la izquierda sosteniendo en su pico una ramita robada de la composición y un pájaro carpintero pelirrojo a la derecha. En el margen izquierdo se abre un paisaje, con un árbol alto y curvo bajo un cielo oscuro, y una ciudad al fondo. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco de finales del siglo XIX.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela romana del siglo XVII. La gran escena representa el famoso episodio a medio camino entre la historia real y la leyenda, contado por primera vez por Tito Livio en su "Ab urbe condita libri" (los libros de la "Historia de Roma desde su fundación"). Para poblar la recién fundada ciudad, Rómulo, fundador y primer rey de la ciudad, recurrió a una estratagema: invitó a los sabinos, que vivían en la cercana ciudad de Curi, a la fiesta de la Consualia, en honor al dios Neptuno, y secuestró a sus mujeres. La pintura representa el momento en que los romanos secuestraron a las sabinas, alejándolas por la fuerza de sus compañeras, ante la mirada del rey, que permanecía escondido detrás de las columnas del templo de la divinidad, el dios Neptuno, reconocible por el tridente. . En el centro, detrás, se encuentra el obelisco, que para los romanos adquirió un significado simbólico como botín de guerra y testimonio de la fuerza imperial. Las numerosas figuras se entrelazan, se persiguen, se superponen, creando juegos de cuerpos y efectos cromáticos. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco antiguo.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Italia del siglo XVII-XVIII. La gran escena está repleta de figuras con antiguos trajes orientales, situadas en un paisaje nórdico, rico en vegetación y con picos montañosos a lo lejos. La mitad izquierda está ocupada principalmente por San Juan Bautista, de pie y representado según la iconografía tradicional: viste una pobre túnica hecha de pieles de animales, pero envuelve un manto rojo, símbolo del martirio; con una mano sostiene el palo en forma de cruz, alrededor del cual se enrolla el rollo con la inscripción "Ecce Agnus Dei", símbolo de su papel de precursor y heraldo de Cristo, y a sus pies el propio cordero, víctima del sacrificio y por tanto símbolo del sacrificio de Cristo. Con la otra mano Juan señala a alguien a su derecha fuera del marco de la escena, pero que obviamente es Cristo: este gesto cataliza las miradas de toda la multitud situada a la derecha de la escena, una multitud variada que representa géneros, clases sociales y razas diferentes, lo que indica la universalidad del mensaje del Bautista. La obra, previamente restaurada y revestida, presenta una pátina generalizada que requiere limpieza. Se presenta en un marco antiguo.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Italia del siglo XVII. En el retrato de esta mujer ya no joven, vestida con un austero vestido negro que se funde con el fondo, el encaje blanco del cuello y las mangas y el peto desmontable, o más bien el babero ricamente bordado que simula una joya, inventado al final del '600 para cubrir los profundos escotes de los vestidos femeninos, siguiendo la influencia moralizadora católica de la corte francesa; Luego, la mujer exhibe un fino brazalete de oro en su muñeca. Restaurada y revestida en el siglo XIX, la pintura se presenta en un marco de finales del siglo XIX y principios del XX.

Óleo sobre cobre. Escuela flamenca del siglo XVII. La pintura, atribuida por tradición oral a Frans Francken el joven (1581 -1642), representa una curación milagrosa realizada por Jesús: mientras va con sus discípulos, se encuentra en el camino con un hombre enfermo, probablemente de lepra, enfermedad que involucra aislamiento y destierro de la ciudad; el hombre invoca a Cristo que hace el milagro y lo sana. El cuadro sitúa el acontecimiento en el borde izquierdo de la escena, en primer plano, donde destacan por sus vivos colores las figuras vestidas según el estilo típico de los tiempos de Cristo; además, el paisaje que llena el resto de la escena es decididamente nórdico, con un río lleno de agua que fluye en un campo lleno de vegetación, y una ciudad al fondo bajo los picos de las montañas. La descripción pictórica de la vegetación es minuciosa y precisa, rica y bien definida en los detalles: el tronco roto en primer plano, las frondas del gran árbol detrás de los personajes, los pájaros volando alto en el cielo, las pequeñas flores en la orilla , los matices del El agua en la que se reflejan las plantas y las nubes están pintados con un refinamiento pictórico propio de la pintura flamenca, de estilo similar al del gran artista de Amberes. La pintura se presenta en un marco antiguo reutilizado.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela lombarda del siglo XVII. Se retrata a una joven sonriente con un elegante vestido negro, adornado con encaje en el escote y un juego de cordones y lazos rojos y verdes en las mangas, a juego con la enagua roja bordada; lleva sus joyas al cuello, muñecas, orejas, en el peinado de su cabello, donde la austeridad de las perlas se aligera con cintas de colores; sostiene un ramo de flores en la mano, lo que enfatiza su gracia y gracia. Restaurada y revestida, en el segundo lienzo está escrito, probablemente una copia del original en el primer lienzo, que indica quién es la joven: "Margh.a D. Gridonia Gonz. Agnella - Soada Maffei - D'etta Anni XVIII ", seguido de un escudo de armas con las iniciales C FAS Este escrito, además de definir el nombre y la edad, destaca la pertenencia de la joven al Colegio de las Vírgenes de Jesús en Castiglione delle Stiviere, fundado en 1608 por la marquesa Guidonia Gonzaga junto con las dos hermanas Cinzia y Olimpia, todas sobrinas de San Luis Gonzaga. Este colegio tenía el propósito de impartir una educación a jóvenes nobles o jóvenes de buenas familias, quienes, con la dote donada al colegio, contribuían al sustento del mismo. El retrato tiene pequeños defectos. Se presenta en un marco antiguo, no coetáneo, con pequeñas deficiencias.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Italia. La representación de la Natividad se ve aquí como un momento contemplativo del Santo Niño, por María y José, acompañados de angelitos. Los caminos pictóricos retoman los de modelos ampliamente replicados, partiendo de Correggio, de Barocci, para llegar a las numerosas versiones de Gherardo delle notte, o del pintor flamenco Gerard Von Honthorst, representante del tenebrismo, corriente pictórica que jugaba con fuertes contrastes de tinieblas. y la luz, la luz y la oscuridad. También en esta obra, la luz irradiada por el Niño Jesús ilumina las figuras que lo rodean y las hace emerger de la oscuridad circundante. La obra restaurada y revestida se presenta en un marco del siglo XIX.

Pintura al óleo sobre lienzo. El cuadro lleva en la parte superior el nombre del artista (Giovani Piana) y la fecha de creación 1616. Representa a San Simón con un libro y una sierra en la mano, su atributo iconográfico que indicaría el martirio sufrido. Restaurada y rebasada, la pintura muestra huellas de la restauración a lo largo de los márgenes.

El milagro de Soriano

Pintura al óleo sobre lienzo. El lienzo relata el milagro de Soriano: en esta localidad de Calabria, la Virgen con María Magdalena (reconocible por el frasco de ungüento) y Catalina de Alejandría (portando la palma del martirio), se aparecería en 1530 a un joven dominico, para entregarle una imagen de San Domenico para que la colocara en el convento que construyó. Una bella versión del cuadro es la de Grechetto, de 1654-1655, conservada en Génova: la nuestra parece estar inspirada en esta obra, que vuelve a proponer la composición tensa de las figuras. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco de época.

Pintura al óleo sobre lienzo. El episodio bíblico representado hace referencia a la historia de Daniel, el profeta de la corte del rey Darío el Medo que, por haber orado a su Dios, fue condenado a ser arrojado al foso de los leones. Pero Dios salvó a Daniel, enviando un ángel para cerrar las fauces de las bestias, y el rey perdonó a Daniel condenando a los que lo habían denunciado. El tema ha sido representado varias veces en el arte, por la fascinación ligada a la historia pero también por su sabor exótico debido a la presencia de bestias salvajes; en particular recordamos la versión de Rubens de 1615, donde el profeta es representado desnudo en el pozo subterráneo, mientras ora ardientemente, rodeado de una multitud de feroces leones. La obra que aquí se presenta propone en cambio una versión centrada en el diálogo entre el profeta y el ángel, quienes se enfrentan, destacándose con los vivos colores de sus túnicas sobre el fondo oscuro de una prisión; hay un solo león, mansamente agachado a los pies del ángel, y por eso prevalece la dimensión espiritual y salvífica del acontecimiento bíblico. Según el célebre historiador del arte Maurizio Marini, especialista en la pintura de Caravaggio y el arte barroco, que tuvo la oportunidad de contemplar el cuadro años atrás, la obra podría atribuirse a Antonio Maria Vassallo (1620 -1664) por la composición y elecciones cromáticas. El cuadro, restaurado y reasentado, se presenta con marco de listelo.

Alegorías de la prudencia y la justicia

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela italiana del siglo XVII. Las dos pinturas son probablemente parte de un grupo que representa las cuatro virtudes cardinales, a saber, Justicia, Prudencia, Templanza y Fortaleza. Las alegorías están representadas en figuras femeninas, portando algunos de los símbolos atributivos de las virtudes que representan. La justicia se reconoce por los dos atributos más comunes, la balanza, símbolo de la equidad y el equilibrio, y la espada, signo del poder distributivo. La prudencia también lleva consigo dos símbolos: un espejo, símbolo de la circunspección que nos permite evitar las trampas del mal (nos permite mirar hacia atrás) o incluso un símbolo del autoconocimiento; y una serpiente, símbolo de la eternidad y del tiempo, pero también símbolo de la prudencia (en el Evangelio Jesús dice: "Os envío como ovejas en medio de lobos; sed, pues, prudentes como serpientes y sencillos como palomas"). Los dos lienzos, previamente restaurados y reasentados, se encuentran en buen estado. Se presentan en un marco antiguo de madera tallada y lacada, con pequeños desperfectos y desperfectos actuales.