Portrait D'Un Homme Huile Sur Toile XVIII Siècle

Café arabe

Huile sur table. signé en bas à gauche. Un sujet orientaliste qui propose le café arabe comme un lieu également chargé de fumer le narguilé, une activité à laquelle deux hommes s'adonnent : la scène se déroule en extérieur, devant l'entrée voûtée de la salle, avec le minaret en arrière-plan. L'œuvre fait partie de la production la plus caractéristique de Fabio Fabbi, peintre bolognais qui, suite à ses voyages en Orient à partir de 1886, se consacra presque exclusivement à ce genre pictural, dans lequel il put associer les thèmes de l'exotisme et du voyage. avec une esquisse rapide et vivante. Dès le début des années 1900, Fabbi se consacre également à une carrière d'illustrateur, illustrant de nombreux romans de la littérature classique, mais préférant ceux d'aventure, notamment les romans salgariens, dans lesquels il a pu exprimer sa passion pour l'exotisme. Le travail proposé est présenté dans un cadre de style.

Huile sur toile. Non signé mais agréablement réalisé, le grand portrait présente une petite fille placée en plein air, sur un chemin à flanc de colline près d'un lac, entourée de fleurs printanières ; elle est vêtue de rose, tient une mandarine dans une main et un petit parasol dans l'autre assorti aux chaussettes et aux lys orange qui fleurissent le long du chemin, autour du cou elle porte un collier avec de grosses perles jaunes. Malgré la vivacité des couleurs et du décor, la petite fille est extrêmement sérieuse et posée, presque triste. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre d'époque.

Huile sur toile. Portrait d'un gentilhomme austère, dans une pose méditative, d'un homme de lettres ou d'un érudit représenté dans son bureau, avec des livres éparpillés sur le bureau derrière lui. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre d'époque.

Portrait féminin 1869

Huile sur toile. Signé et daté à droite. On sait peu de choses sur cet artiste français, qui était essentiellement un portraitiste, car ses productions connues entrent toutes dans cette catégorie de sujets. La peinture dénote une intensité expressive et une bonne capacité picturale. Restaurée et rentoilée, elle est présentée dans un cadre d'époque.

Huile sur table. Ecole italienne de la seconde moitié du XIXe siècle. Le tableau, une guirlande de fleurs multicolores et panachées, reprend efficacement les voies picturales du XVIIe siècle. Le bois a de grandes ouvertures et des coupes aux joints des planches. Le tableau est présenté dans un cadre doré du début des années 1900.

Vase, fouilles romaines, 1860

Huile sur toile. Signé et daté en bas à gauche. Autre signature, date et titre au dos. Sur le cadre il y a un cachet d'une importante collection privée. L'œuvre propose une composition d'une amphore et d'une assiette en céramique peinte, entourées à droite de roses. Peintre et décorateur milanais, Luigi Scrosati fréquente d'abord l'Académie de Brera, qu'il abandonne bientôt pour se consacrer à de nombreux voyages à l'étranger, notamment à Paris. Dès le début de son activité, dans les années 1940, il travaille comme peintre de natures mortes fortement influencé par des exemples français, notamment de l'école lyonnaise. Parallèlement à la production de chevalets et d'aquarelles, dominée par la spécialisation de la nature morte de fleurs, Scrosati était très actif en tant que décorateur d'intérieur, souvent engagé dans un travail d'équipe aux côtés d'architectes et de maîtres d'œuvre, mais toujours avec une autonomie considérable et un style caractéristique , essentiellement éclectique et visant à une réinterprétation des styles du passé. Les débuts dans ce domaine, vers la fin de 1842, consistent en un cycle de fresques dans la résidence de San Fiorano (LO) appartenant à Giorgio Guido Pallavicino Trivulzio, pour lequel Scrosati a décoré une salle gothique, un salon rococo et une petite entrée compartiment. Ses fresques se retrouvent dans de nombreuses villas de Milan et des environs, des œuvres dans lesquelles Scrosati se réfère aux styles du passé, re-proposant des suggestions du XVIIIe siècle, mais aussi du baroque. Les décorations du cabinet de Dante d'abord, puis d'autres pièces du Palazzo Poldi Pezzoli de Milan (qui abrite aujourd'hui le musée du même nom) étaient plutôt de goût néo-médiéval, réalisées avec l'équipe Bertini dont faisait partie Scorsati. La maladie qui frappa Scrosati aux membres inférieurs en 1857, le rendant malade, l'empêcha probablement de poursuivre son activité de décorateur, l'obligeant à se rabattre sur la peinture florale de chevalet, ce qui l'amena à réaliser des natures mortes de fleurs, mais aussi des portraits. ou des faux bas-reliefs avec des guirlandes de fleurs ou encore des intérieurs et des scènes de genre, dans lesquels il a été influencé par la production allemande et viennoise de type Biedermeier et celle française de l'école lyonnaise. En 1862, Scrosati est chargé de diriger un nouveau cours Ornato à l'Académie de Brera, avec une référence particulière à la peinture de fleurs et aux relations avec l'industrie, un cours mis en place par l'institution Braidense pour développer l'école déjà florissante de peinture ornementale. Le travail est présenté dans un cadre de style.

Le groupe de trois compositions, naturel

Tempera sur papier appliqué à la toile. Les compositions représentent différents oiseaux et papillons survolant des fleurs, également diverses. En bon état, il y a quelques petites taches d'humidité. Présenté dans des cadres contemporains.

Huile sur toile. De cette scène suggestive et fascinante d'une mer agitée, avec des navires à la merci des vagues, il existe différentes versions, inspirées de la toile la plus importante et la plus connue, celle créée par Francesco Guardi (1712-1793), du même taille et conservée au Castello Sforzesco de Milan. Cette proposition est très proche d'une œuvre similaire de la collection Gnecchi à Milan, certainement inspirée de la production Guardesca : elle diffère par de petits détails (la couleur du drapeau sur le navire à droite, les inclinaisons des mâts des navires sur la gauche et au centre, la forme des nuages), ce qui suggère une bonne copie, faite au XIXe siècle, à la suite de l'intérêt et de la suggestion pour le thème naturaliste et, en particulier, pour la puissance de la nature, qui surtout développée en Italie pendant la période du romantisme. Au dos du cadre se trouve une étiquette en papier avec un numéro d'inventaire et les initiales C.G. (Collection Gnecchi ?). Sur la première toile, le tableau présente une toute petite déchirure à droite. Elle est présentée dans un cadre fin XIXème.

Intérieur d'une Église

Peinture à l'huile sur toile. Signé au dos. Issu d'une riche famille vénitienne, Vittore Zanetti Zilla a commencé à peindre en autodidacte, en s'inspirant de Giacomo Favretto, un ami de la famille, avant de passer à l'Académie des Beaux-Arts de Venise sous la direction de Guglielmo Ciardi. En effet, sur son modèle, il passe des scènes de genre de sa première période à la peinture de paysage. Commençant à voyager, d'abord en Italie, il se rapproche de très près de l'école napolitaine ; à partir de 1898, il entame ses longs voyages à l'étranger, qui le rapprochent des instances paysagères européennes les plus répandues, l'amenant à adopter un langage pictural très moderne. Il monte ses premières expositions personnelles notamment dans la région allemande et autrichienne, où il connaît du succès ; la contamination étrangère se produit aussi dans le choix de la technique picturale, passant de l'aquarelle à la peinture à l'huile et enfin à la tempera, qui le caractérisera plus tard. Avec la Première Guerre mondiale, Zanetti Zilla retourne en Italie, d'abord à Florence puis à Milan, mais se rapproche de très près du genre du paysage vénitien et se passionne finalement pour la nature morte. Avec le passage à l'utilisation de la détrempe, Zanetti Zilla affine cette technique qui deviendra son trait distinctif : à travers des coups de pinceau larges et gras, il crée des œuvres aux couleurs intensément vives et voilées d'un éclat de porcelaine obtenu grâce au vernis à l'huile final. L'œuvre présentée propose l'intérieur d'une église avec des personnages en prière. La technique picturale exprime déjà cette contamination de la peinture nord-européenne, la situant déjà dans la période de la fin du XIXe-début du XXe siècle. Le tableau est présenté dans un cadre doré du début des années 1900.

Marie Dolente

Bas-relief en marbre. Signature gravée dans la marge gauche. Né à Cannobbio (sur le lac Majeur), Giulio Branca a été initié à l'art par le sculpteur cannobien Bergonzoli, et a ensuite fréquenté l'école de nu et de sculpture de G. Strazza à l'Académie de Brera. Né à Cannobio le 13 décembre. 1850 de Ludovico, initié à l'art par le sculpteur cannobien Bergonzoli, fréquente l'école de nu et celle de sculpture de G. Strazza à l'Académie de Brera. Il a réalisé environ quatre cents sculptures, dont des monuments commémoratifs, des monuments funéraires et des portraits en buste. Branca a également participé, à la suite d'un concours, à l'achèvement de ce haut mur de la cathédrale de Côme qui est resté inachevé pendant des siècles, en sculptant diverses figures de marbre blanc sur la façade et l'autel entre 1897 et 1900. L'œuvre présentée est un bas-relief représentant, à mi-corps, la Vierge des Douleurs flanquée de deux femmes pieuses. Il est présenté dans un cadre de support en bois contemporain de la fin du XIXe-début du XXe siècle.

Huile sur toile. Il s'agit d'une représentation picturale d'un épisode tragique très probablement antisémitique. À droite un militaire en Russe uniforme, de retour à maison blessée, il se retrouve devant les yeux la scène dramatique de la famille massacrée, que le rabbin est en train de veiller en prière. La fenêtre cassé, les tiroirs retourné, montrent l'irruption forcée des assassins. À gauche du miroir nous trouvons une inscription en Hébreu qu'il pourrait suggérer la localisation ou la trace qui propose. Le mot pourrait être traduit avec du "Ciro", et il pourrait se référer à la zone de la Géorgie et Azerbaijan traversés par le Kura,fiume que de la Turquie il se jette dans le Mer Caspienne, note connue en le 800 comme Ciro. La peinture restaurée et réintolé est présenté en cadre de 800.

Huile sur toile. Le tableau célèbre la mémoire d'un défunt : il représente une pierre tombale portant le nom du défunt et les dates, posée sur le sol nu dans un paysage désert et ombragé avec un coucher de soleil en arrière-plan, mais entouré d'une guirlande de fleurs vives. Un lys blanc se détache surtout, étiré vers le haut, mais sa tige est brisée, obligeant la corolle à se pencher vers la terre : c'est le "memento mori", symbole de la fugacité de la vie. La belle peinture est présentée dans un cadre doré contemporain.