PEINTURE ANCIENNE
 

Peinture à l'huile sur toile. Le grand paysage représente une étendue de campagne boisée, traversée par un ruisseau, à proximité de collines. Sur le chemin au-delà du ruisseau, une petite silhouette de voyageur qui s'éloigne. L'élément naturaliste domine également dans les couleurs, avec une vaste gamme de verts et de bruns, que l'on retrouve également dans le ruisseau comme reflets des plantes. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre doré du début des années 1900.

Peinture à l'huile sur toile. La grande scène représente Marie, déjà Assomption au ciel et soutenue sur les nuages ​​par de petits anges, recevant la couronne de la Sainte Trinité. Ce couronnement exprime l'apothéose de Marie, qui en devenant « Reine du Ciel » devient l'intermédiaire entre la terre, l'Humanité, et le Ciel, la Divinité : ce qui n'est pas donné à l'homme de voir devient possible à travers Marie qui dans cette glorification est plus que toujours le fil tenace qui nous lie au Tout-Puissant, la véritable « porte du ciel », telle que la définissent les Pères de l'Église. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre du début du XXe siècle.

Peinture à l'huile sur toile. Le Saint, au premier plan, est représenté à genoux, adorant le Crucifix qu'il tient d'une main, tandis que l'autre pointe vers le bas le crâne, le traditionnel "Memento mori". Le personnage est placé à l'intérieur d'une grotte, de l'ouverture de laquelle on peut apercevoir un paysage aride et stérile ; la lumière entre par un trou dans la roche et rayonne linéairement sur la Croix pour atteindre le visage du Saint. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre en bois du XIXème siècle.

Peinture à l'huile sur toile. Le sujet, récurrent dans la peinture des XVIIe et XVIIIe siècles en raison de la composante mystique mais en même temps sensuelle de cette sainte, représente Madeleine dans le désert, enveloppée dans ses longs cheveux dénoués et un drapé, tandis qu'à genoux elle médite sur le crâne. , le traditionnel Memento mori, tenant un sac à la main ; Au-dessus d'elle se trouve un ange tenant à la main le pot de pommade, autre attribut du saint, dont il s'apprête à oindre l'épaule, en signe de consécration à Dieu. L'œuvre, restaurée et rentoilée, est présentée dans un cadre contemporain.

Peinture à l'huile sur toile. Ecole vénitienne du XVIIIe siècle. Le portrait propose la figure d'une jeune femme vêtue d'une robe de tous les jours, mais agrémentée de bords de fourrure tachetée ; curieusement, avec le bras levé, elle exhibe un manchon de fourrure replié sur une main, probablement une habitude pour souligner une mode de l'époque. Le tableau présente des signes de restauration, avec conservation de la toile d'origine, bien que remonté sur un châssis neuf. Il est présenté dans un cadre ovale contemporain, mais surmonté d'une frise en bois ajoutée ultérieurement.

Peinture à l'huile sur toile. La Madone tient dans ses bras l'Enfant Jésus et tous deux tiennent la couronne du chapelet, invitation à la dévotion mariale. Au-dessus, des anges apparaissent du ciel ouvert. Le tableau a été préalablement restauré et rentoilé ; quelques petites gouttes de couleur sur les bords. Il est présenté dans un cadre contemporain.

Peinture à l'huile sur toile. La scène biblique représente la Sainte Famille avec Marie assise sur l'âne, Jésus nouveau-né dans ses bras et Joseph tirant l'animal, alors qu'ils fuient Nazareth en direction de l'Égypte pour échapper à la persécution d'Hérode. Quelques petits anges planent au-dessus d'eux. Les regards des anges, Joseph et Marie convergent tendrement vers l'Enfant. En arrière-plan un paysage nordique. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre d'époque.

Peinture à l'huile sur toile. École centrale italienne du XVIIe siècle. Selon la tradition iconographique, également dans ce tableau, l'ange gardien est représenté comme un jeune homme ailé qui accompagne un enfant le long d'un tronçon de route, indiquant le ciel comme destination du voyage. Le personnage ailé se détache et domine la scène, vif par ses couleurs, puissant par la force physique qu'il dégage, quoique doux dans son attitude délicatement protectrice envers l'enfant, dont le petit personnage est enveloppé dans les membres de son tuteur. La scène est enfermée dans une guirlande de fleurs vives et colorées, qui donnent de la couleur aux personnages, par ailleurs placés dans un paysage sombre et presque monochrome. La représentation de personnages, principalement religieux, enfermés dans des cadres floraux, a connu un grand développement surtout à Rome, liée à des noms tels que Giovanni Stanchi (1608 -1675), plutôt que Mario Nuzzi dit Mario de' Fiori (1603 -1673), et d'autres. . Le tableau, restauré et rentoilé, est présenté dans un cadre en bande.

Peinture à l'huile sur toile. École d'Europe centrale du XVIIIe siècle. Un paysage fluvial est proposé à proximité d'un village, avec un petit pont au centre qui traverse le cours d'eau, et peuplé de nombreux personnages populaires, aux caractéristiques typiquement nord-européennes en raison de leurs traits charnus et de leurs expressions rusées et curieuses. Ils s';adonnent à des activités quotidiennes liées à la pêche : au centre un homme expose sa prise à un couple, garantissant, par le geste de son bras, sa nouvelle origine ; devant lui, un enfant renverse un bac rempli de poissons et de serpents d'eau tandis qu'un autre pêcheur, plus en arrière, vend également ses marchandises. Deux autres hommes, debout dans l'eau, remontent leurs filets ; Une bergère passe sur le pont avec son enfant et sa chèvre. w assise au premier plan à droite, une femme observe la scène. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre d'époque.

Huile sur planche de noyer. École flamande du XVIème siècle. Le tableau présente un paysage caractérisé par une grande plante feuillue au centre, qui divise verticalement la scène en deux parties, s'élevant de la terre brune et sombre du premier plan, vers l'horizon de collines bleues et boisées, qui se fondent ensuite dans un continuum chromatique. dans le ciel au-dessus, interrompu par le feuillage épais de l'arbre. La scène du premier plan est animée par diverses figurines de personnages marchant, disséminées dans la campagne. Les choix chromatiques sont particuliers, les bruns et les bleus, qui, avec le type de paysage et les personnages, font référence à la peinture flamande ; par ailleurs, l'utilisation d'un panneau de noyer témoigne d'un artiste flamand travaillant en Italie, où ce support pictural, inhabituel en Europe du Nord, était utilisé. Le tableau est présenté dans un cadre contemporain.

Huile sur toile. École vénitienne de la fin du XVIIIe siècle. Le grand tableau raconte l'épisode évangélique de la rencontre entre sainte Élisabeth, enceinte de Jean-Baptiste, et Marie, qui attend Jésus, mais inséré dans une scène chorale plus vaste. Il se déroule sur un large escalier, probablement celui du temple où Zacharie, l'époux d'Élisabeth, était prêtre, et est animé par une foule de personnages, dont plusieurs femmes accompagnées d'enfants et de familles. Au premier plan, à gauche, se trouve un personnage avec un jeune garçon attaché à ses jambes : regardant vers le spectateur, il indique d'un large geste du bras l'événement central, la rencontre entre les deux saintes femmes. Les couleurs, qui, selon la tradition de la peinture vénitienne, sont les éléments de base des scènes, soulignant les figures et se dégradant en différents plans tridimensionnels, sont remarquables. Retintée et restaurée, la toile présente une légère cassure sur la gauche. Elle est présentée dans un cadre doré de la fin du XIXe siècle.

Peinture à l'huile sur toile. Le grand tableau rappelle les méthodes picturales du XVIIe siècle mais est d'une période plus tardive et a été réalisé sur une toile appliquée sur une toile plus ancienne. La scène raconte l'épisode biblique (tiré du Livre des Rois) largement narré en images, représentant le bain de Bethsabée, l'épouse du général Urie, au service du roi David. Selon le récit biblique, David est sur la terrasse de son palais lorsqu'il aperçoit la femme se baignant dans le jardin de sa maison, entourée de ses servantes. Davide tombe amoureux d'elle et la séduit, la rendant enceinte. Pour cacher le crime, il rappelle du front le général Uriah, pour le faire coucher avec sa femme, mais Uriah ne veut pas abandonner ses soldats ; puis David l'envoie combattre en première ligne en espérant qu'il sera tué : cela arrive et David peut épouser Bethsabée, mais il sera puni par Dieu pour l'adultère et l'impiété commis. Le tableau montre le moment où Bethsabée, à peine sortie de la salle de bains, alors qu'elle se reflète dans le miroir tenu par une esclave et entourée d'autres servantes, lit le message que le roi David lui a envoyé ; cette dernière apparaît en haut à droite, donnant sur la terrasse. La scène est dominée par des figures féminines entrelacées les unes dans les autres, dans un enchevêtrement de vêtements et de tissus, et entourées de fleurs du jardin ; au centre se trouve le miroir dans un riche cadre doré. Le tableau présente une tache en bas à droite. Il est présenté dans un cadre doré ancien.

Detrémpe et huile sur panneau. École vénitienne-crétoise du XVIIe-XVIIIe siècle. Le terme école vénitienne-crétoise (ou créto-vénitienne) désigne une école picturale importante, également connue sous le nom d'école post-byzantine, mouvement qui a prospéré sur l'île de Crète sous le contrôle de la Sérénissime de Venise entre 1204 et 1669. Merci En raison de la situation politique, notamment après la chute de Constantinople, la Crète devint du XVe au XVIIe siècle le principal centre artistique chrétien d'origine grecque. Dans cet environnement se développe un style pictural particulier marqué par la tradition et les mouvements d'origine tant byzantine que latine. En particulier, compte tenu de la demande importante d’icônes byzantines en Europe, l’île est rapidement devenue un centre de production de ces œuvres d’art. Le style de l'icône byzantine se retrouve dans cette œuvre, qui propose un sujet largement reproposé dans l'art, à savoir l'Adoration des bergers à la naissance de Jésus : les figures de la Sainte Famille et des bergers sont fortement imputables au style traditionnel Représentation iconographique byzantine, mais ils sont placés dans un paysage plus latin, qui s'ouvre largement, avec une profondeur de perspective qui fait référence à la peinture paysagère européenne du XVIIe siècle, sans le fond doré traditionnel mais avec des choix chromatiques qui rappellent encore la divine lumière dorée, en particulier là où un ange annonçant la Gloire de Dieu regarde depuis les cieux ouverts. Le tableau présente un détachement de la peinture dans la partie centrale, correspondant à une restauration antérieure, qui nécessite une récupération ultérieure. Au dos de la plaque se trouve un tampon de cire à cacheter. Le tableau est présenté dans un cadre en bois ancien.

Peinture à l'huile sur toile. École italienne du XVIIIème siècle. Le tableau représente la mort de saint Joseph qui, selon les évangiles apocryphes, s'est produite assistée de Marie et de Jésus : le mourant repose en effet sur son lit d'agonie, soutenu affectueusement par son fils putatif Jésus et son épouse Marie, tandis que plusieurs anges assister, soit au pied du lit, soit d'en haut là où le ciel s'ouvre déjà pour accueillir l'âme du saint. La mort de Joseph est considérée comme la forme la plus désirable et la plus paisible de la mort, de la vieillesse, dans son lit et entouré de ses proches, et c'est pour cette raison que le Saint est considéré comme le saint patron des mourants et de la douce mort. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté avec un cadre.

Peinture à l'huile sur toile. École italienne du XVIIème siècle. Le Saint est représenté dans son bureau, occupé à lire et à étudier les textes sacrés, mais en costume pénitentiel, c'est-à-dire vêtu uniquement d'un tissu rouge drapé autour de son corps nu. Le tableau, regarni, présente une fissure importante ; Il est placé dans un cadre contemporain en bois doré.

Peinture à l'huile sur toile. École centrale italienne du XVIIe siècle. Dans son style pictural, le tableau rappelle la production d'Angelo Caroselli (1585-1652), artiste baroque romain qui fut peintre, copiste, restaurateur, mais aussi pasticheur et connaisseur d'art, c'est-à-dire créateur de peintures « à la manière de " - dans la "technique"et dans le "style" d'une époque artistique spécifique ou d'un auteur spécifique, voire en assemblant des "parties" tirées de différents tableaux. Initialement caravagesque, Il Caroselli a ensuite développé son propre langage artistique personnel, copié par de nombreux artistes mineurs. Dans cette œuvre se distingue l'expressivité figée et presque exaspérée du personnage, dont l'élégance de la tenue vestimentaire du XVIIe siècle et les traits presque féminins du visage au teint rose contrastent avec la grossièreté de la tête de Goliath, ensanglantée, avec le grand coup de couteau. qui tranche sur la pâleur mortelle. Le tableau a été restauré et regarni, en conservant le cadre en bois d'origine. Il est présenté dans un cadre en bois contemporain.

Peinture à l'huile sur toile. École italienne du XVIIe-XVIIIe siècle. Une grande composition de fleurs colorées, dans des vases en métal repoussé, et quelques fruits éparpillés au sol, sont placés près d'un mur surplombant un paysage maritime : l'éclat du ciel et de la mer à droite contraste avec la zone ombrée à gauche, sur lequel ressortent les couleurs des fleurs. Le tableau, rentoilé et restauré, présente une fissure importante. Il est présenté dans un cadre contemporain laqué et doré.