PEINTURES EN LIGNE | GALERIE D'ART ANCIEN ET CONTEMPORAIN

Peinture à l'huile sur toile. Ecole italienne du XVIIème siècle. La grande scène représente l'événement dramatique de la mort de Jésus sur la Croix, avec tous les acteurs qui apparaissent dans l'Évangile, émergeant d'un fond sombre et sombre dans lequel on aperçoit à gauche un soleil terne. Au centre se détache presque seule la grande croix du Christ, occupant la partie supérieure du tableau ; des deux côtés, les croix des deux voleurs crucifiés avec Jésus, celui de gauche, le bon larron racheté, tourné pour regarder et parler au Christ, celui de droite en position frontale, le regard fuyant du centre . Au pied de la Croix, à gauche Marie et le groupe de femmes pieuses derrière elle, à droite l'Apôtre Saint Jean ; tout autour, les prêtres, les accusateurs de Jésus qui se disputent encore entre eux, et au fond tout le peuple. Au premier plan, en bas à gauche, se détache la figure à mi-corps d'un prêtre des temps modernes regardant la Croix les mains jointes, et qui correspond probablement à la personne qui a commandé la toile. La toile a été restaurée, regarnie et posée sur un nouveau châssis. Il est présenté dans un cadre élégant.

Peinture à l'huile sur toile. Ecole de l'Italie du Nord du XVIIe siècle. Dans le portrait de cette femme qui n'est plus une jeune femme, vêtue d'une austère robe noire qui se fond dans le décor, la dentelle blanche du col et des manches et le ventre amovible, ou plutôt le plastron richement brodé pour simuler un bijou, inventé à la fin du 1960 pour couvrir les décolletés profonds des robes des femmes, suivant l'influence moralisatrice catholique de la cour de France ; la femme exhibe alors un fin bracelet en or à son poignet. Restauré et rentoilé au XIXème siècle, le tableau est présenté dans un cadre fin XIXème-début XXème siècle.

Portrait Masculin

Crayons couleurs et craie sur papier. Signé en bas à gauche. En bas à droite se trouve la mention « issue de la photographie ». Le peintre et poète de Portogruaro se consacre principalement à la peinture décorative sacrée pour les églises de Vénétie et du Piémont. Le portrait proposé ici est présenté dans un cadre contemporain, qui nécessite une restauration en raison de multiples défauts.

Peinture à l'huile sur toile. École italienne du XVIIème siècle. Saint Jacques d'Alphée, l'un des douze apôtres de Jésus, serait le plus jeune à se distinguer clairement de l'autre apôtre nommé Jacques, dont le père était plutôt Zébédée et qui est traditionnellement appelé Jacques le Majeur. Dans ce tableau, il est représenté selon l'iconographie classique, qui le décrit avec une barbe et des cheveux longs, vêtu d'une tunique et d'un pallium, tenant un long bâton crochu ; son attribut, en effet, est l'instrument avec lequel il a été martyrisé, c'est-à-dire le bâton utilisé pour carder la laine avec une extrémité triangulaire crochue. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre redoré de la fin du XIXème siècle.

Peinture à l'huile sur toile. Portrait d'une dame bourgeoise, aux vêtements sobres et sévères. Il y a plusieurs gouttes de couleur. Il est présenté dans un cadre contemporain redoré, présentant des défauts.

Peinture à l'huile sur toile. Scène prise à l'envers et avec différentes variations dans le fond et dans certains détails, d'après l'œuvre de Pieter Van Avont (1600 -1652), probablement diffusée au travers de gravures. Ce sujet sacré a été largement proposé dans la production picturale, comme emblème de la Famille, modèle fondamental des liens d'affection, d'amour et de compréhension que toute famille humaine est appelée à exprimer. Dans cette représentation transparaissent également la tendresse parentale, les affections de la famille élargie dans la figure du petit cousin Giovanni, les relations sereines entre les enfants, surveillés par les adultes. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre du XIXème siècle.

Visage

Technique mixte sur toile. Signé en bas à droite. Dans la vaste production artistique de Giacomo Manzù, excellent sculpteur, on trouve également de rares peintures sur toile et de nombreux dessins sur papier, parmi lesquels le visage humain est l'un des sujets les plus récurrents, notamment celui de son épouse Inge Schabel, muse et modèle préféré de l'artiste. Le visage dessiné ici, bien qu'à peine esquissé de quelques traits réalisés en techniques mixtes, exprime une intense expressivité. L'œuvre est présentée dans un cadre.

Peinture à l'huile sur toile. Ecole nord-européenne du XIXe siècle. Portrait d'une dame ronde et posée, en tenue de maison sobre. Restauré et rentoilé, il est présenté dans un cadre d'époque.

Intérieur d'un Ferme

Peinture à l'huile sur toile. Signé en bas à gauche. L'œuvre avait déjà été acquise lors de la vente aux enchères Sotheby's à Milan le 12/10/2007. Il a été exposé en 1991 dans l'exposition "Giovanni Sottocornola. Images d'une collection" organisée à Milan à la Galerie Silbernagl. Après une première phase picturale consacrée aux portraits et aux natures mortes, Giovanni Sottocornola aborde dans les années 1880 des thèmes sociaux, qui deviennent les sujets de prédilection des jeunes peintres lombards attentifs aux aspects les plus misérables de la société, liés à l'adoption de techniques artistiques originales. Sottocornola embrasse la pratique de la peinture pointilliste, à propos de laquelle il écrit en 1895 : « Pour l'instant, c'est certain, je suis convaincu qu'il n'y a pas d'autre tableau plus propre à transmettre certaines sensations que celui-ci ». Cependant, ce type de peinture est resté entièrement axé sur la lumière par l'artiste, sur ses vibrations tonales incertaines, comme c'est le cas dans l'Intérieur Stable, réalisé vers la fin des années 1980, où le jeu d'ombre et de lumière joue et crée les effets visuels dans les touches de couleur jouées sur quelques gammes chromatiques, celles des bruns, exprimées dans une grande multiplicité de nuances. L'œuvre est présentée dans un cadre d'époque.

Peinture à l'huile sur toile. Signé en bas à droite et au dos. Ezio Pastorio, originaire de Crémone mais transplanté en Valseriana après ses études, est considéré comme « un grand maître de l'art italien du XXe siècle, qui a su renouveler le langage artistique du paysage tout en conservant un lien fort avec la peinture du XIXe siècle ». Sa production est post-impressionniste, notamment dans la grande production paysagère qui représente la vallée du Pô et Bergame, la lagune vénitienne et quelques vues parisiennes, admirées lors de certains voyages. Dans ses œuvres, Pastorio crée des atmosphères suggestives en utilisant des gammes infinies de couleurs, qui s'harmonisent et parfois même contrastent, mais toujours présentées comme une transparence qui annule le caractère statique de la représentation et avec une délicatesse qui exprime sa fervente religiosité envers la nature et le créé. Les sujets floraux sont moins fréquents dans sa production, comme ce vase plein de marguerites, qui reflète également toute la capacité expressive de l'artiste et son savant usage de la couleur. L'œuvre, issue d'une collection privée, est présentée dans un cadre.

Paysage avec Rivière 1906

Peinture à l'huile sur toile. Signé en bas à gauche. L'artiste d'origine romaine Cesare Maggi s'est imposé comme un peintre paysagiste pointilliste, représentant des paysages alpins de l'Engadine et de la Vallée d'Aoste, souvent animés par l';inclusion de personnages et d'animaux. Devenu ami du peintre Giacomo Grosso à Turin en 1901, il s'oriente alors avec succès vers le genre du portrait, délaissant la technique pointilliste. Tout en privilégiant toujours les vues de haute montagne, il élargit ses sujets en s'engageant également dans les marines et les natures mortes. Dans cette œuvre, toujours de la première période, Maggi dépeint un aperçu de la campagne traversée par une rivière calme, bordée de rangées d'arbres dénudés et de petites collines herbeuses, derrière laquelle dominent les fermes : déjà plus liées aux techniques divisionnistes, les l'œuvre est plutôt caractérisée par des mélanges de couleurs denses et opaques, dans lesquels la terre, l'eau et les fermes se superposent dans un continuum rompu uniquement par la bande de ciel au-dessus. L'oeuvre est présentée dans un cadre d'époque.

Trois Figures

Peinture à l'huile sur toile. Signé en bas à gauche. Au dos se trouve un cachet de la Galleria Palmieri historique de Milan (aujourd'hui n'existe plus). L'œuvre propose les personnages typiques de la peinture satirique de Franz Borghèse : ce sont des figures qui rappellent, dans leurs gestes et leurs vêtements, les sujets de 1910, représentés avec des traits et des poses presque caricaturales et sarcastiques. La production de Borghèse en effet, après une période initiale caractérisée par une peinture sombre et profonde, presque dramatique, du XVIIIe siècle transformée en une peinture de satire et de sarcasme, accentuée par une palette chromatique lumineuse, qui s'adressait en particulier à la bourgeoisie du tournant du siècle. le siècle. Les trois personnages de cette œuvre, deux hommes et une dame, sont représentés de côté marchant en file indienne dans leurs élégants vêtements de ville : les expressions sérieuses, les regards lointains, semblent souligner l'indifférence mutuelle, ainsi que l'ennui et la vacuité des personnages. leur vie qui contraste avec les couleurs vives et vives. L'œuvre est présentée dans un cadre.

Allégorie du Feu avec Jupiter et Sémélé

Peinture à l'huile sur toile. La grande scène voit au centre, survolant les rochers, un oiseau d'où planent des flammes, représentant allégoriquement l'élément naturel ; sur le côté gauche de la scène se déroule la vie frénétique d'une forge : au premier plan deux hommes avec des paniers pleins de bois, deux autres plus isolés s'apprêtent à discuter avec des putti, devant un autel. Cependant, la partie principale du cadre est occupée par Jupiter et Sémélé : dans la partie supérieure le roi des dieux descend du ciel, recouvert d'une draperie orange flottante, dans ses mains il tient un faisceau d'éclairs et est accompagné de les vents; en bas à droite la princesse, allongée sur un coussin et entourée d'angelots. Le tableau est attribuable à l'atelier de Luca Giordano (1634-1705), vraisemblablement créé dans les années 1680. En fait, notre toile propose à nouveau, bien qu'avec quelques modifications, le même sujet que Giordano avait déjà peint pour le palais de la Zarzuela à Madrid, où elle fut envoyée en 1688 avec d'autres tableaux à sujets mythologiques. Ce sujet a dû être particulièrement apprécié, car on connaît au moins une autre copie de l'atelier, réalisée en contrepartie de celle du palais de Madrid, conservée au musée Casa Martelli de Florence : cette version appartient à une série de peintures de Giordano représentant les quatre éléments, provenant des collections de don Gaspar de Haro y Guzmán, marquis del Carpio et vice-roi de Naples de 1683 à 1687. Par rapport à l'original, notre version présente également des changements : non pas en contrepartie, mais avec le même décor de la scène, cependant, diffère en taille, élargissant légèrement la hauteur de 114 cm de l'original à 125 cm de cette toile, permettant ainsi un cadrage plus large. Cette astuce laisse vraisemblablement supposer que le tableau en question a été réalisé pour un client très spécifique, peut-être italien, et dans les dimensions appropriées au lieu de placement. Un autre changement important peut également être lu comme une demande directe du client, à savoir le fait que la princesse Sémélé est présentée dans une variante plus chaste, non plus presque nue et avec seulement un léger drapé pour la couvrir, mais vêtue d'une tunique et d'un manteau. Par rapport à l'autographe original de Luca Giordano, notre version démontre, malgré la grande qualité picturale, une plus grande ingéniosité et un rendu moins minutieux, ce qui conduit donc à l'attribution à l'atelier. Le tableau présente des signes de restauration et de regarnissage.

Le chemin de San Rocco (Camogli)

Huile sur carton. Signé en bas à gauche. Au dos ce titre au crayon. Peintre paysagiste extrêmement original qui expérimente la peinture à l'huile mais aussi l'aquarelle et la gravure, Raul Viviani se rapproche beaucoup de la peinture divisionniste, développant cependant sa technique personnelle, caractérisée par de très fins filaments de couleur en forme de fines virgules, qui définissent le structures de ses paysages. Avec son transfert en Ligurie, qui fait du paysage de cette région le protagoniste de ses œuvres, sa technique change, s'éloignant du divisionnisme originel pour s'ouvrir à un coup de pinceau large et sommaire, qui aboutit finalement dans la dernière période à une production de nature mort aux couleurs violentes et contrastées. Ce paysage peut également être placé dans la période ligure, qui offre un aperçu d'une localité ligure bien connue, encore rendue dans le style caractéristique de Viviani, fait de coups de pinceau en filaments fins, superposés à des taches de couleur vive, dans les gammes chromatiques. des couleurs de la nature. Dans le cadre.

Nature morte

Huile sur panneau en bois. Signé en haut à droite. Peintre paysagiste extrêmement original qui expérimente la peinture à l'huile mais aussi l'aquarelle et la gravure, Raul Viviani se rapproche beaucoup de la peinture pointilliste, développant cependant sa technique personnelle, caractérisée par de très fins filaments de couleur en forme de fines virgules, qui définissent le structures de ses paysages. Avec son transfert en Ligurie, qui fait du paysage de cette région le protagoniste de ses œuvres, sa technique change, s'éloignant du divisionnisme originel pour s'ouvrir à un coup de pinceau large et sommaire, qui aboutit finalement dans la dernière période à une production de nature mort aux couleurs violentes et contrastées. Cette nature morte, une composition de légumes et une bouteille aux couleurs vives, peut être replacée dans cette période. L'œuvre est présentée dans un cadre.

Huile sur table.Signé en bas à droite et à l'arrière Verschafeldt. Petites gouttes de couleur. Présenté dans un cadre contemporain, avec des lacunes.

Le retour après la chasse

Huile sur toile appliquée au tableau. Ecole nord-européenne du XVII-XVIIIème siècle. Au verso figure une ancienne attribution à Peter Wouwerman (1623 -1682), justifiée par la proximité avec les méthodes picturales de l'artiste flamand, très attentif au rendu des moindres détails. Ce tableau représente le retour d';un gentilhomme de la chasse à son palais sur le côté gauche : pendant que les chevaux se reposent et que les chiens s'abreuvent à la fontaine, un serviteur aide le maître à enlever ses hautes bottes, tandis que les femmes quittent le maison pour accueillir les chasseurs. Le tableau est présenté dans un cadre de la fin du XIXe siècle.

Huile sur papier appliquée sur toile. Les quatre œuvres proposent des sujets bucoliques, animés par des bergers avec leurs troupeaux et leurs fidèles chiens, parfois au repos sur le bord de la route, dans deux scènes également flanquées de marchandes de fruits. Les œuvres s'inspirent (ainsi que par la citation au dos de l'une d'elles) de la production de Francesco Londonio, l'artiste milanais du XVIIIe siècle qui s'est fait connaître pour ses scènes rurales et pastorales, dans un répertoire de instantanés savoureux de la vie paysanne. Les quatre tableaux sont présentés dans des cadres dorés contemporains, avec de petits défauts.

Mémoire écologique 1974

Peinture acrylique sur toile. Au verso présenter la signature, le titre et la date de l'oeuvre. Peintre d'origine napolitaine mais ayant vécu à Paris, Guido Biasi a élaboré une peinture figurative particulière, dans laquelle il récupère des images de la mémoire ou du passé pour en re-proposer un reflet revisité et ironique. De la période 1973-75 est la série des Mémoires écologiques, fondée sur la duplicité entre mémoire psychique, c'est-à-dire subjective, et mémoire historique. L'oeuvre est présentée dans un cadre.