Miroir Baroque Romain Sculpté Doré Rome Italie'700

Huile sur toile. Ecole italienne du nord du XVIIIe siècle. Un prêtre, agenouillé devant l'autel, tout en célébrant ou en se préparant à célébrer la Sainte Messe assisté d'un enfant de chœur à gauche et d'une religieuse à droite, adresse sa prière à deux saints, qui apparaissent au-dessus de sa tête comme une représentation de son méditation et prière intérieure. Sur l'autel se dresse la fresque dédiée à Marie intronisée avec l'Enfant Jésus, des anges et des saints. L'oeuvre présente différentes pertes de couleurs et est proposée dans un cadre doré de la fin du XIXème siècle, avec des manques.

Repos pendant la fuite en Égypte

Huile sur toile. XVIII -XIX siècle. Le thème sacré dans cette scène prend une connotation familière, pleine de tendresse et d'intimité très terrestres : dans un contexte presque exotique, qui évoque une oasis dans le désert pour les palmiers et une source d'eau dans un paysage aride et vallonné, dénudé, Joseph et Marie s'assoient pour se reposer pendant leur fuite en Égypte, pour échapper à la persécution d'Hérode ; la mère tient tendrement l'enfant Jésus sur ses genoux, le regarde tendrement et l'emmaillote, tandis que Joseph les observe satisfaits et détendus. Toute la scène est caractérisée par la dominance des couleurs brun-ocre, dont seule la robe de Maria diffère, dans ses couleurs bleues et rouges traditionnelles ; en arrière-plan, un ciel clair aux couleurs d'une aube qui vient de se lever, avec des nuances de rose. La toile a été appliquée sur un châssis neuf du milieu des années 1900 et placée dans un châssis de la même époque, qui présente quelques défauts.

Peinture à l'huile sur toile. Ecole italienne du nord des XVIIe-XVIIIe siècles. L'œuvre à caractère dévotionnel, voit la Madone, assise sur les nuées et assistée de deux anges qui soutiennent ses vêtements, est vénérée par deux saints, agenouillés à ses pieds : à droite la jeune femme en habit princier, aux pieds de laquelle se trouve reposant une couronne royale, il fait référence à Elisabeth de Hongrie ; à gauche, le saint tenant l'Enfant Jésus dans ses bras peut être identifié comme San Caetano da Thiene. Particulier est le jeu de regards entre les différents personnages, qui s'entremêlent avec les positions et les gestes, pour créer un mouvement presque circulaire. Le tableau a été restauré et rentoilé. Il est présenté dans un cadre ancien restauré au début du XXe siècle, avec divers manques actuels (à restaurer).

Huile sur toile. Ecole italienne du XVIIIe siècle. C'est un grand paysage vallonné, riche en végétation et traversé par un petit ruisseau, le long duquel deux hommes, au centre de la scène ci-dessous, pêchent dans un bassin d'eau. Au-dessus d'eux, un ciel plein de nuages, qui s'estompent au loin, évoquant des pluies imminentes. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre doré du milieu des années 1900.

Huile sur toile. Ecole italienne du nord des XVIIe-XVIIIe siècles. Dans un grand paysage vallonné plutôt aride, qui s'élargit et s'estompe vers la droite, se trouve un haut rocher, en forme d'arc, sous lequel se trouve saint Jérôme pénitent, représenté en acte de prière et d'adoration de la Croix. Conformément aux canons de la peinture des XVIIe-XVIIIe siècles, la figure du Saint, adaptée à l'iconographie dans ses vêtements et son attitude, s'insère cependant dans un paysage incohérent, proche de celui du peintre qui puisait dans la réalité paysagère connue de lui. . Le tableau, restauré et rentoilé, est présenté dans un cadre d'époque.

Huile sur toile. Ecole lombarde de la fin du XVIIe-début du XVIIIe siècle. La composition riche offre un grand bouquet de fleurs colorées dans un vase en relief, à côté de deux grandes citrouilles et de fruits mélangés (raisins et pêches) : avec différentes intensités de couleur, les différents éléments naturalistes émergent du fond complètement sombre, créant des effets de lumières et les ombres. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre du début du XXe siècle.

Huile sur toile. Ecole lombarde de la fin du XVIIe-début du XVIIIe siècle. La composition riche offre un grand bouquet de fleurs colorées dans un vase en relief, à côté d'un bol rempli de cèpes et d'une grappe de raisin : avec différentes intensités de couleur, les différents éléments naturalistes émergent du fond complètement sombre, créant des effets de lumières et les ombres. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre du début du XXe siècle.

Erminia parmi les bergers

Huile sur toile. La grande toile raconte un épisode tiré de la Gerusalemme Liberata de Torquato Tasso, dans lequel la jeune Erminia, princesse d'Antioche secrètement amoureuse de Tancrède, assiste à la blessure de son bien-aimé en duel. Poussée par l'amour, elle porte donc les armes de la guerrière Clorinde, son amie proche, et la nuit elle sort pour rejoindre son bien-aimé Tancredi et le guérir. Mais dans le camp chrétien un rayon de lune l'éclaire et, prise pour Clorinde par les sentinelles, elle est forcée de prendre une fuite précipitée : c'est ainsi que cela se passe dans un village habité par des bergers qui vivent loin de la guerre dans un espace idyllique , où elle demande et obtient d'être hébergée quelque temps dans le (vain) espoir d'oublier son amour malheureux. L'oeuvre, déjà attribuée à Carlo Loth, relève plutôt de la production de Louis Dorigny, le peintre parisien qui vécut longtemps en Italie, à Rome, à Venise et enfin définitivement à Vérone, où il obtint de nombreuses commandes de Véronèse mais également de clients vénitiens et lombards, étendant son activité de peintre de fresques de Bergame à Udine. A Vérone depuis le début du siècle, les préférences dans le domaine de la peinture vont vers un langage classiciste complexe dans la composition, mais calme et élégant, même dans les grandes œuvres décoratives. Dorigny se conforme à ce tableau qui mêle dans cette toile le classicisme équilibré de Simon Vouet (dont il était le petit-fils) au clair-obscur appris à Rome et à la calme élégance vénitienne. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre du début du XXe siècle.

Huile sur toile. Vaste paysage de campagne, avec des arbres feuillus, un chemin menant à la rivière et le petit village au loin. Paysage traditionnel à but décoratif, typique de la production du XVIIIe et du début du XIXe siècle. Soumise à une restauration au siècle dernier, le châssis a été changé. Cadrez avec style.

Huile sur toile. Ecole vénitienne du XVIIe-XVIIIe siècle. Au dos se trouve une étiquette de la galerie d'art Di Rosa, qui attribue l'œuvre à "l'école vénitienne de 1600". La grande scène, riche en figures et très animée dans l'entrelacement et la superposition des corps, raconte l'épisode de l'évangile de Jean dans lequel une femme surprise en adultère est amenée devant Jésus par des scribes et des pharisiens pour connaître son opinion sur la sa peine d'être lapidé. Jésus, tout en écrivant sur le sol avec son doigt, exhorte ses interlocuteurs à être miséricordieux avec la phrase "Que celui qui est sans péché jette la première pierre", sauvant ainsi la femme de la condamnation à mort et la laissant libre de partir, avec le exhortation à ne plus pécher. Le sujet a été largement re-proposé dans l'art, avec des points de vue différents sur les personnages. Dans ce tableau, la femme occupe une position centrale, mais tous les autres personnages qui l'entourent font converger le regard vers le bas, vers la main avec laquelle Jésus, accroupi, écrit par terre ; le visage et le bras droit de la femme sont pratiquement parallèles à ceux du Christ, comme s'ils suivaient et se conformaient à la direction que Jésus lui indique. Dans les autres nombreuses figures dominent la curiosité, l'intention de comprendre, la question que Jésus soulève avec sa question, représentée dans de multiples variantes expressives des visages et des corps ; curieux est le détail des lentilles - les lunettes du prêtre dont la tête sort derrière la femme et la loupe du personnage accroupi à gauche en arrière-plan - que deux personnages utilisent pour "mieux voir" ce qui se passe. Les modalités picturales et interprétatives de la peinture rappellent la production vénitienne proche de Girolamo Brusaferro (1677 - 1745), l'artiste vénitien dont la peinture représente la voie médiane entre la grande tradition de la peinture baroque tardive semblable à Luca Giordano et la sensibilité coloristique innovante typique de grâce du XVIIIe siècle. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre contemporain, en bois sculpté, stuqué et laqué.