Groupe de 3 Miroirs Néoclassiques Verre Italie XVIII S.

Huile sur toile. Ecole napolitaine du milieu du XVIIIe siècle. Le tableau propose le mythe grec du sacrifice d'Iphigénie, la fille du roi Agamemnon, chef de l'expédition achéenne qui devait partir pour Troie. La flotte grecque ne pouvant prendre la mer en raison de vents défavorables, le devin Calcante prédit qu'en raison d'une offense que le roi avait infligée à la déesse Artémis, elle s'opposait désormais à leur départ jusqu'à ce que le roi ne sacrifie sa jeune fille. sur l'autel. Iphigénie accepta courageusement le sacrifice et monta spontanément sur l'autel, mais au dernier moment Artémis, apitoyée, l'échangea contre un faon et prit la jeune fille vivante à Tauris, où elle devint prêtresse de la déesse qui l'avait sauvée. La grande scène, située à l'extérieur du camp grec au bord de la mer (les navires ancrés au fond à gauche, les tentes à droite), voit au centre la déesse Artémis qui échange la jeune et belle Iphigénie contre le faon, tandis que le le prêtre Calcante tient déjà le couteau sacrificiel ; à droite le désespoir du roi Agamemnon et de sa femme Clytemnestre. La peinture est de manière stylistique proche de la production de Fedele Fischetti (1732-1792), l'artiste napolitain qui s'est consacré principalement aux scènes allégoriques/mythologiques, notamment dans ses premières œuvres des années 1860. L'oeuvre présentée ici a été vendue aux enchères chez Sotheby's en avril 1998. Restaurée et rentoilée, elle est présentée dans un cadre de style.

Huile sur toile. Ecole italienne du XVIIIe siècle. C'est un grand paysage vallonné, riche en végétation et traversé par un petit ruisseau, le long duquel deux hommes, au centre de la scène ci-dessous, pêchent dans un bassin d'eau. Au-dessus d'eux, un ciel plein de nuages, qui s'estompent au loin, évoquant des pluies imminentes. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre doré du milieu des années 1900.

Huile sur toile. Ecole italienne du nord des XVIIe-XVIIIe siècles. Dans un grand paysage vallonné plutôt aride, qui s'élargit et s'estompe vers la droite, se trouve un haut rocher, en forme d'arc, sous lequel se trouve saint Jérôme pénitent, représenté en acte de prière et d'adoration de la Croix. Conformément aux canons de la peinture des XVIIe-XVIIIe siècles, la figure du Saint, adaptée à l'iconographie dans ses vêtements et son attitude, s'insère cependant dans un paysage incohérent, proche de celui du peintre qui puisait dans la réalité paysagère connue de lui. . Le tableau, restauré et rentoilé, est présenté dans un cadre d'époque.

Huile sur toile. Ecole lombarde de la fin du XVIIe-début du XVIIIe siècle. La composition riche offre un grand bouquet de fleurs colorées dans un vase en relief, à côté de deux grandes citrouilles et de fruits mélangés (raisins et pêches) : avec différentes intensités de couleur, les différents éléments naturalistes émergent du fond complètement sombre, créant des effets de lumières et les ombres. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre du début du XXe siècle.

Huile sur toile. Ecole lombarde de la fin du XVIIe-début du XVIIIe siècle. La composition riche offre un grand bouquet de fleurs colorées dans un vase en relief, à côté d'un bol rempli de cèpes et d'une grappe de raisin : avec différentes intensités de couleur, les différents éléments naturalistes émergent du fond complètement sombre, créant des effets de lumières et les ombres. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre du début du XXe siècle.

Erminia parmi les bergers

Huile sur toile. La grande toile raconte un épisode tiré de la Gerusalemme Liberata de Torquato Tasso, dans lequel la jeune Erminia, princesse d'Antioche secrètement amoureuse de Tancrède, assiste à la blessure de son bien-aimé en duel. Poussée par l'amour, elle porte donc les armes de la guerrière Clorinde, son amie proche, et la nuit elle sort pour rejoindre son bien-aimé Tancredi et le guérir. Mais dans le camp chrétien un rayon de lune l'éclaire et, prise pour Clorinde par les sentinelles, elle est forcée de prendre une fuite précipitée : c'est ainsi que cela se passe dans un village habité par des bergers qui vivent loin de la guerre dans un espace idyllique , où elle demande et obtient d'être hébergée quelque temps dans le (vain) espoir d'oublier son amour malheureux. L'oeuvre, déjà attribuée à Carlo Loth, relève plutôt de la production de Louis Dorigny, le peintre parisien qui vécut longtemps en Italie, à Rome, à Venise et enfin définitivement à Vérone, où il obtint de nombreuses commandes de Véronèse mais également de clients vénitiens et lombards, étendant son activité de peintre de fresques de Bergame à Udine. A Vérone depuis le début du siècle, les préférences dans le domaine de la peinture vont vers un langage classiciste complexe dans la composition, mais calme et élégant, même dans les grandes œuvres décoratives. Dorigny se conforme à ce tableau qui mêle dans cette toile le classicisme équilibré de Simon Vouet (dont il était le petit-fils) au clair-obscur appris à Rome et à la calme élégance vénitienne. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre du début du XXe siècle.

Huile sur toile. Vaste paysage de campagne, avec des arbres feuillus, un chemin menant à la rivière et le petit village au loin. Paysage traditionnel à but décoratif, typique de la production du XVIIIe et du début du XIXe siècle. Soumise à une restauration au siècle dernier, le châssis a été changé. Cadrez avec style.

Peinture à l'huile sur toile. Ecole italienne du nord du début du XVIIIe siècle. La scène raconte un épisode de l'histoire d'amour entre la reine d'Égypte et le triumvir romain Antonio : Cléopâtre, pour démontrer sa richesse et séduire le beau général, prépare un somptueux banquet, au cours duquel elle choisit une perle d'une valeur inestimable et il la dissout. dans du vinaigre, puis offrant la boisson, considérée comme un puissant aphrodisiaque, à Antonio. Ce beau tableau représente la belle reine en buste, séduisante dans le jeu de la nudité couverte de bijoux précieux et drapée de riches étoffes, alors qu'elle s'apprête à plonger une grosse perle dans un calice : à sa gauche le visage d'Antonio qui dévisage elle étonnée, figée dans un geste des mains qui exprime l'émerveillement d'être la bénéficiaire de cet acte extrême, à droite quelques servantes, admirées et émerveillées. La blancheur du teint de Cléopâtre se détache au centre, tandis que les autres figures se fondent dans les ombres sur les côtés, ainsi l'apothéose de la beauté. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre d'époque.

Huile sur toile. Ecole vénitienne du XVIIe-XVIIIe siècle. Au dos se trouve une étiquette de la galerie d'art Di Rosa, qui attribue l'œuvre à "l'école vénitienne de 1600". La grande scène, riche en figures et très animée dans l'entrelacement et la superposition des corps, raconte l'épisode de l'évangile de Jean dans lequel une femme surprise en adultère est amenée devant Jésus par des scribes et des pharisiens pour connaître son opinion sur la sa peine d'être lapidé. Jésus, tout en écrivant sur le sol avec son doigt, exhorte ses interlocuteurs à être miséricordieux avec la phrase "Que celui qui est sans péché jette la première pierre", sauvant ainsi la femme de la condamnation à mort et la laissant libre de partir, avec le exhortation à ne plus pécher. Le sujet a été largement re-proposé dans l'art, avec des points de vue différents sur les personnages. Dans ce tableau, la femme occupe une position centrale, mais tous les autres personnages qui l'entourent font converger le regard vers le bas, vers la main avec laquelle Jésus, accroupi, écrit par terre ; le visage et le bras droit de la femme sont pratiquement parallèles à ceux du Christ, comme s'ils suivaient et se conformaient à la direction que Jésus lui indique. Dans les autres nombreuses figures dominent la curiosité, l'intention de comprendre, la question que Jésus soulève avec sa question, représentée dans de multiples variantes expressives des visages et des corps ; curieux est le détail des lentilles - les lunettes du prêtre dont la tête sort derrière la femme et la loupe du personnage accroupi à gauche en arrière-plan - que deux personnages utilisent pour "mieux voir" ce qui se passe. Les modalités picturales et interprétatives de la peinture rappellent la production vénitienne proche de Girolamo Brusaferro (1677 - 1745), l'artiste vénitien dont la peinture représente la voie médiane entre la grande tradition de la peinture baroque tardive semblable à Luca Giordano et la sensibilité coloristique innovante typique de grâce du XVIIIe siècle. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre contemporain, en bois sculpté, stuqué et laqué.

Huile sur toile. Ecole italienne du nord des XVIIe-XVIIIe siècles. Au dos cette étiquette de la Galerie d'Art avec l'indication "Ecole Vénitienne de 1600". L'épisode évangélique de la déposition du Christ de la croix est représenté. Le corps de Jésus, qui se détache blanc pour la pâleur de la mort mais aussi comme symbole de sa pureté, se détache au centre parmi les autres personnages, le seul inerte parmi les autres personnages. Ses bras encore ouverts alors qu'il est détaché de la Croix, constituent un lien entre les deux figures de Marie et Jean debout en dessous de lui, et le ciel. Autour de plusieurs figures qui créent en chorale du mouvement, des entrelacs, des formes et des couleurs. L'oeuvre restaurée et rentoilée est présentée dans un cadre contemporain, en bois sculpté, stuqué et laqué.

Huile sur table. Ecole italienne du nord (vénitienne ?) du XVIIIe siècle. La forme de la table suggère que le tableau faisait partie d'un ensemble d'ameublement, inséré dans une structure murale composite avec d'autres scènes mythologiques et allégoriques. Le tableau représente un épisode mythologique relaté dans les Métamorphoses d'Ovide : Mercure s'apprête à endormir Argus avec les mélodies persuasives de sa flûte, puis le tue sur ordre de Jupiter. Argos, le berger aux cent yeux et doté d'une grande force, avait été chargé par Junon de veiller sur la jeune Io, aimée de Jupiter et transformée par lui en génisse. Dans cette représentation, placée dans un paysage bucolique, Mercure peut être identifié avec son chapeau et ses chaussures ailées, tout en jouant de sa flûte, et Argus assis regardant la génisse blanche derrière lui : comme dans de nombreuses représentations de ce mythe, également dans des œuvres de grande renommée , Argo est dépeint comme un simple berger, sans cent yeux et sans dons particuliers. La dimension bucolique plutôt que dramatique souligne l'intention décorative du panneau, qui cherche à évoquer la légèreté plutôt que le pathos. L'ouvrage est en bon état.