Cadre Bois Doré Italie XVIIIe Siècle - Italie Centrale Troisième Quart XVIII Siècle

Peinture à l'huile sur toile. Selon l'étiquette au dos, le tableau a été présenté à "l'exposition de peinture baroque vénitienne" de 1943, avec le titre "Au port au coucher du soleil"et l'attribution à Marco Ricci. L'attribution peut être motivée par la capacité exécutive qui, par des coups de pinceau rapides et lâches, parvient à rendre pleinement la réalité naturelle de la mer orageuse avec sensibilité. À cet égard, voir les images similaires publiées par Rodolfo Pallucchini dans l'article « Studi ricceschi : contribution à Marco » publié dans la revue Arte veneta (vol. IX, 1955). Les productions paysagères et marines de Ricci (qui, cependant, n'étaient pas sa production la plus étendue) se caractérisent par des lumières puissantes et émotionnelles, par des arbres secs et tordus, des rochers et des tours, des cumulus qui s'ouvrent soudainement dans de vagues éclairs de bleu, des vagues écumantes, un répertoire complexe qui transfigure la nature en une représentation dramatique et agitée, dans laquelle l'homme est également inséré comme un élément intégral. Dans ce tableau également, nous trouvons ces éléments très dramatiques mais en même temps scénographiques, avec quelques figures humaines, trois hommes sur un petit bateau au premier plan, qui se distinguent à peine de la mer et des rochers qui les entourent, ainsi que les navire sur la gauche coulant englouti par la mer. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre d'époque.

Peinture à l'huile sur toile. École lombarde du XVIIIe siècle. Une composition presque en guirlande de fleurs panachées, qui occupent tout le champ pictural, sur un fond sombre d'où elles émergent toutes seules, sans aucun autre élément de mobilier. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre de style début 1900.

Peinture à l'huile sur toile. Les deux tableaux, certainement jumeaux en termes de typologie de sujet et de méthodes picturales, offrent deux aperçus paysagers typiques de la production nordique des XVIIe-XVIIIe siècles, avec de grands espaces de campagne habités par des fermes près des cours d'eau, des figures de paysans et de roturiers attentifs à leur travail. , les montagnes bleues en arrière-plan, précédées de douces collines et surmontées d'un ciel bleu brodé de nuages blancs. Déjà rentoilés et restaurés, les deux tableaux présentent des taches de couleur et d'opacité. Ils sont présentés dans des cadres élégants.

Peinture à l'huile sur toile. La composition place quelques éléments musicaux au centre, une mandoline et une partition musicale, accompagnés d'autres volumes clos, un vase en cuivre avec des fleurs à gauche, tandis qu'à droite se trouve une théière en céramique richement travaillée et en métal repoussé, devant une assiette de figues. La composition est complétée par quelques tissus, disposés à la fois sur la surface de support et en rideau en arrière-plan. La riche composition des différents éléments se voulait une sorte de prolongement des pièces dans lesquelles l'œuvre était placée. Le tableau a été restauré et rentoilé. Il est présenté dans un cadre d'époque, avec des défauts.

Scène de Sacrifice à Vénus

Aquarelle sur papier. En bas à gauche le nom Giuseppe Cades, Bien qu'au dos, en plus de l'attribution, le titre "Le serment de la Vestale" soit proposé, la scène propose plutôt une jeune fille qui offre des guirlandes de fleurs à la statue de la déesse Vénus, traditionnellement représentée discrète, qui tient le voile d'une main pour couvrir les reins tandis que l'autre va couvrir la poitrine, et la tête aux cheveux froncés et ornés de fleurs. Derrière la jeune fille, un jeune homme regarde la scène, tandis qu'un troisième regarde derrière la colonne du temple : il semble donc une scène de supplication à la déesse, lui demandant de favoriser l'amour des deux jeunes hommes : selon les deux grecs et de tradition romaine, les jeunes avant les noces se consacraient à cette déesse, considérée comme protectrice du mariage et de la fidélité conjugale. L'œuvre semble proche de la production de Giuseppe Cades, qui dans la décennie 1780-90 devint l'une des personnalités les plus connues et les plus appréciées du monde artistique romain, et fut également dessinateur et graveur. L'oeuvre est présentée dans un cadre.

Technique mixte sur papier, appliquée sur carton. école italienne. Le nom de Londonio est proposé au dos : l'œuvre délicate rappelle certainement le sujet et la manière de l'œuvre de Francesco Londonio (1723-1783), l'artiste milanais spécialisé dans le genre animalier et pastoral. On peut plutôt la considérer comme une œuvre inspirée de Londonio, par un artiste proche de son domaine.

Peinture à l'huile sur toile. Ecole d'Europe centrale. La scène se déroule dans la boutique d'un barbier, qui a l' intention de couper les cheveux d'un homme sous l'œil vigilant d'autres clients et, surtout, de certaines femmes avec des enfants, dont l' observe même le résultat de l'Opéra. Les lunettes ont été introduites dans l'art d'abord comme signe de distinction, puis aussi comme signe d'attention scientifique, délimitant progressivement la figure du savant, du médecin et du chirurgien : dans cette toile, elles soulignent en fait l'ironie de la scène, utilisée comme un outil pour un examen féminin attentif de la coupe de cheveux de son conjoint ! Toute la scène est remplie de personnages, peints de manière brute et presque grotesque, avec des expressions et des poses très marquées, presque théâtrales, également soulignées par des couleurs vives. En raison de ces caractéristiques, la peinture se intègre bien dans la production de scènes de genre de dessin sur la vie populaire capturé dans ses moments les plus animés et caractéristiques, qui a été calculée à compter du dix - septième siècle en Europe centrale, en particulier aux Pays - Bas, pour les remplacer par des sujets plus légers étaient des peintures naturalistes et religieuses, et qui en Italie trouvèrent une expression particulière dans l'"école Bamboccianti", développée à Rome par des peintres flamands et italiens. Le tableau a été restauré et regarnisé. Il est présenté dans un cadre d'époque.

Tempera sur papier, appliquée sur panneau dur. L'épisode biblique représenté, raconté dans le livre de l'Exode, raconte comment le jeune Moïse, à la cour du pharaon d'Égypte, défend les sept jeunes filles du prêtre Jetro, harcelées par certains bergers madianites alors qu'ils tirent de l'eau du puits. Suite à cette intervention, Moïse recevra comme épouse l'une des filles de Jetro, Sefora. Sujet largement re-proposé dans l'art, il est ici présenté avec une attention particulière à la composante portrait, avec une exacerbation particulière des traits expressifs, tant dans les visages que dans les poses, des personnages. La scène est très animée, avec la figure de Moïse au centre, vigoureux et combatif, qui sépare le champ en deux: à sa gauche les sept filles, chacune caractérisée par un comportement différent; à droite les bergers importuns, qui souffrent de la colère de Moïse. En arrière-plan, un paysage typique des productions du XVIIIe siècle, avec une ruine architecturale derrière le puits. L'œuvre est présentée dans un cadre en style.

Huile sur toile. Ecole d'Europe centrale. Dans la scène se déroulant à l'intérieur d'une taverne, une bagarre est décrite entre deux hommes, qui sont détenus par les autres clients et par l'aubergiste ; sur la table, à côté du déjeuner interrompu, les cartes du jeu qui ont déclenché la querelle. Toute la scène est remplie de personnages, peints de manière brute et presque grotesque, avec des expressions et des poses très marquées, presque théâtrales, également soulignées par des couleurs vives. En raison de ces caractéristiques, la peinture se intègre bien dans la production de scènes de genre de dessin sur la vie populaire capturé dans ses moments les plus animés et caractéristiques, qui a été calculée à compter du dix - septième siècle en Europe centrale, en particulier aux Pays - Bas, pour les remplacer par des sujets plus légers étaient des peintures naturalistes et religieuses, et qui en Italie trouvèrent une expression particulière dans l'"école Bamboccianti", développée à Rome par des peintres flamands et italiens. Le tableau a été restauré et regarnisé. Il est présenté dans un cadre d'époque.

Sant'Antonio Abate et San Paolo l'Ermite

Huile sur toile. C'est un vaste paysage nordique, dominé par des pics rocheux à gauche et un lac avec une île centrale à droite ; au premier plan quelques figures qui racontent la légende de San Paolo Eremita, à gauche, et de Sant'Antonio abate, à droite avec un centaure. La Légende dorée de Jacopo da Varagine raconte que Saint Antoine l'Abbé rendit visite à Paul l'ermite, qui pendant quarante ans avait vécu dans la solitude nourri par un corbeau qui lui apportait du pain chaque jour. Sant'Antonio a demandé des nouvelles d'un centaure, qui également dans cette scène lui montre le chemin à suivre avec son bras. L'oeuvre, restaurée et rentoilée, est présentée dans un cadre de style.

Huile sur toile. École du nord de l'Italie. Dans la scène quatre jeunes filles dansent, accompagnées de différents instruments: Vénus, qui se distingue par la couronne sur sa tête, bat sur un triangle, les trois grâces ont un tambourin et des castagnettes. En bas au centre, un garçon les accompagne avec la flûte, tandis qu'à gauche, assis sur un rocher appuyé sur son épée, le dieu Mars les observe. Restauré et regarni, le tableau est présenté dans un cadre doré à l'ancienne.