Grabado de Nicolás De Bruyn 1594 - Tres gallinas dos gallos

Jacob recibe la túnica ensangrentada de José

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela veneciana del siglo XVIII. La pintura representa el episodio bíblico tomado del libro del Génesis, en la que los hermanos de José, celoso de su padre, la predilección de Jacob por él, lo venden a un esclavo a los comerciantes que van a Egipto y declarar a su padre que está muerto: se usan en prueba la túnica manchada con la sangre de un animal, esa túnica especial que Jacob había tejido especialmente para su amado hijo. En esta representación, en la que los colores vivos subrayan el drama, se destaca el intenso movimiento del viejo patriarca, quien, desfigurado por el dolor en el rostro, intenta mantener esa tela manchada lejos de sí mismo, moviendo todo su cuerpo hacia la izquierda y hacia la derecha. extendiendo el brazo. no para que le permita acercarse a él, casi un intento de negar la evidencia. A la derecha, el grupo de tres hermanos, muy juntos en actitud cómplice, que se cuentan y señalan el drama paterno. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco antiguo readaptado.

El cuadro representa a Clelia cruzando el Tíber. Clelia fue una heroína romana, que fue entregada como rehén, junto con otras niñas, al rey etrusco Porsenna durante las negociaciones de paz con la ciudad; sin embargo, logró escapar cruzando a nado el Tíber. Porsenna pidió a los romanos que se lo devolvieran, quienes accedieron, pero admirado por su heroísmo, decidió liberarla permitiéndole llevarse otros prisioneros con ella, a quienes Clelia eligió entre los más jóvenes. El momento de la representación es precisamente el del cruce del río, del que está la personificación en primer plano a la derecha, con un anciano canoso, acompañado de una joven con un cuerno de la abundancia. La escena es muy dinámica, con Clelia y las demás chicas que forman un grupo numeroso y animado, junto al caballo de la protagonista, como recuerdan algunas versiones del cuento; detrás de ellos las tiendas del campamento del rey etrusco con algunos soldados. Al otro lado del río hay otro grupo de mujeres, el cruce ya realizado, mientras que al fondo se puede ver la extensión con la ciudad Capitolina con un rostro clásico. La obra, como lo demuestra un pequeño pergamino, se atribuye a Domenico Lupini, un artista del que no se sabe mucho pero cuyo ámbito de actividad entre Bérgamo y Venecia se puede hipotetizar. Las únicas dos obras firmadas son una "Magdalena convertida" y una "Anunciación", pero la erudita Federica Nurchis le ha atribuido otras obras y las ha colocado en el monasterio de Santa Chiara en Bérgamo. Estas pinturas presentan un cromatismo cálido y refinado que, junto con la elegancia de los personajes y la modalidad compositiva, sugieren una estancia veneciana de Lucini, que parece recordar las atmósferas de Tintoretto, Veronese y Palma il Giovane. Presentado en un marco dorado del siglo XVII, restaurado y reasentado.

Pintura al óleo sobre lienzo. En la gran escena ambientada en el exterior, se destaca en el lado izquierdo el laboratorio de un herrador, que intenta con sus ayudantes trabajar las herraduras de un caballo mientras el dueño atiende; en el centro llegan otros caballeros con sus sirvientes que van al artesano; a la derecha algunas figuras populares descansando al borde de la carretera. Al fondo, un gran paisaje fluvial se abre a la derecha, mientras que a la izquierda está el acceso al pueblo, presidido por un edificio ruinoso, con varias figuras populares concentradas en sus actividades: la mujer que está a punto de amamantar a un niño. , mientras que el otro hijo se escapa por la escalera, otra mujer colgando la ropa en el balcón de la casa construida sobre pilotes en la roca, mientras que un hombre sube por la escalera. Es una obra realizada con gran probabilidad por un autor flamenco que trabaja en Lombardía. Algunas referencias a la ropa y la construcción ciertamente indican contaminación del norte de Europa, mientras que otros detalles indican la ubicación de la construcción en Lombardía. La pintura proviene de una prestigiosa residencia histórica de una familia noble lombarda. Aún en el primer lienzo, tiene algunos cortes y un agujero en la banda inferior; en la parte posterior algunos parches de una restauración antigua. Se presenta en un marco coetáneo delgado.

Pintura al óleo sobre lienzo. La gran escena se desarrolla a la entrada de un pueblo cerca de una parada para los caballos: numerosos jinetes están parados con sus bestias, que son provistas por los sirvientes y los aldeanos que llenan de heno el pesebre; uno de los sirvientes, a la derecha, hace agua a los animales en el arroyo cercano. Al fondo, las casas del pueblo dispuestas a lo largo del río, que luego desemboca en el paisaje montañoso de la derecha. Es una obra realizada con gran probabilidad por un autor flamenco que trabaja en Lombardía. Algunas referencias a la ropa y la construcción ciertamente indican contaminación del norte de Europa, mientras que otros detalles indican la ubicación de la construcción en Lombardía. La pintura proviene de una prestigiosa residencia histórica de una familia noble lombarda. Aún en el primer lienzo, tiene algunos cortes en la banda inferior. Se presenta en un marco coetáneo delgado.

virgen con el niño el padre ángeles y santos

Pintura al óleo sobre lienzo. Acompañado de tarjeta de atribución del Dr. Franco Moro. El lienzo forma parte de una gran producción sacra, que exaltaba la gloria de María y los santos cercanos al cliente. En el centro María se sienta en un trono con su pequeño Hijo en brazos, mientras arriba, desde el cielo abierto, el Padre Eterno mira su bendición, con el globo en sus manos, símbolo de su poder sobre el mundo; Está flanqueado por dos ángeles. Dos santos están de pie a ambos lados del trono: a la izquierda, Santo Domingo de Guzmán, vestido con el hábito dominicano y sosteniendo un lirio y un libro en sus manos; a la derecha, con su hábito característico, San Francisco de Asís, sujetando la cruz en forma de Tau y un libro, y en cuyas manos se aprecian las marcas de los estigmas. Toda la escena se caracteriza por la naturaleza estática de las figuras todavía típicas del Renacimiento, por los colores brillantes y por los rasgos serenos y delicados de los rostros. Además, algunos rasgos, excéntricos con respecto a la actitud neorrafaelesca común de la época, apuntan hacia el ambiente boloñés, en el que se encuentran en particular Bartolomeo y Tiburzio Passerotti. En particular, algunos aspectos extravagantes que fluyen en cada detalle del lienzo se refieren a este último: la correspondencia cromática de colores vivos y luminosos, el alargamiento esquemático de los miembros inferiores, acentuado por el marcado signo negro que caracteriza el contorno de las pestañas y cejas, hasta la persuasiva forma de la boca. Restaurado y revestido, el cuadro se presenta en un marco antiguo.