Olio su tela. Il dipinto, realizzato nella prima metà del '900, riprende nel soggetto e nella modalità pittorica le opere paesaggistiche: in un paesaggio ricco di vegetazione e con cime di sfondo, una giovane popolana chiede la carità ad alcuni viandanti che si riposano sul ciglio della strada, in prossimità di un arco in pietra. La tela è stata sottoposta ad invecchiamento ed è presentata in cornice di fine '800.

Olio su tela. Scuola nord- italiana del XVIII secolo. Un sacerdote, inginocchiato davanti all'altare, mentre celebra o si accinge a celebrare la Santa Messa assistito da un chierichetto a sinistra e da una suora a destra, rivolge la sua preghiera a due santi, che compaiono sopra il suo capo a raffigurazione della sua meditazione e orazione interiore. Sull'altare spicca l'affresco dedicato a Maria in trono con Gesù Bambino, angeli e santi. L'opera presenta diverse cadute di colore ed è proposta in cornice dorata di fine '800, con mancanze.

L'incontro del Centurione Cornelio con l'Apostolo Pietro

Tecnica mista su carta (carboncino, penna , inchiostro bruno, acquarello e biacca). Firmato Pasqual Otin in basso a sinistra; proveniente da collezione privata, sono presenti i marchi di due collezioni precedenti, Dalla Bella e Frigerio. L'opera è inoltre accompagnata da studio critico del dott. Francesco Vincenti e da certificato di autenticità della Collezione Orler. Si tratta di un emozionante disegno di Pasquale Ottino detto il Pasqualotto, pittore veronese (il cognome Otin corrisponde alla dicitura veneta) che, dopo un periodo di formazione a Roma, intraprese a Verona una carriera pittorica improntata "al luminismo caravaggesco declinato alla veneta con l'uso di un robusto colorismo". Anche in questo disegno si percepisce già la tendenza controriformista, per il significato di insegnamento immediato, legato all'espressività drammatica dei personaggi. L'episodio raccontato, attinto dagli Atti degli Apostoli, vede un centurione romano che implora benedizione da Pietro, all'interno di una stanza che attinge luce dalla finestra ed è riempita da altri personaggi del quotidiano, l'attendente a destra e il servitore che porta pane e vino sul vassoio a sinistra. Centrale è l' intenso sguardo che intercorre tra i due protagonisti, accompagnato dall'accenno di sorriso delle loro labbra, ad esprimere la gioia dell'incontro della Salvezza. L'opera è in cornice in stile.

Olio su tela. XVIII -XIX secolo. Il tema di carattere sacro assume in questa scena una connotazione familiare, piena di tenerezza e intimità davvero molto terrene: in un contesto quasi esotico, che evoca un'oasi nel deserto per le palme e la polla d'acqua in un paesaggio collinare brullo e spoglio, Giuseppe e Maria siedono a riposare durante la loro fuga verso l'Egitto, per sfuggire alla persecuzione di Erode; la madre tiene teneramente sulle ginocchia il piccolo Gesù, lo guarda teneramente e lo fascia, mentre Giuseppe li osserva compiaciuto e rilassato. Tutta la scena è connotata dalla dominanza dei colori marrone-ocra, da cui si discosta solo l'abito di Maria, nei suoi tradizionali colori blu e rosso; sullo sfondo, un cielo terso nei colori di un'alba appena spuntata, con sfumature rosate. La tela è stata applicata su nuovo telaio di metà '900 e posta in cornice dello stesso periodo., che presenta mancanze.

Olio su tela. Scuola nord-italiana del XVII-XVIII secolo. L'opera di carattere devozionale, vede la Madonna, assisa sulle nubi e assistita da due angeli che le sorreggono le vesti, è venerata da due santi, in ginocchio ai suoi piedi: a destra la giovane donna in abiti principeschi, ai cui piedi è poggiata una corona regale, rimanda ad Elisabetta d'Ungheria; a sinistra, il santo che tiene in braccio il Bambin Gesù è identificabile in San Gaetano da Thiene. Particolare è il gioco di sguardi tra i vari personaggi, che si intrecciano insieme alle posizioni e ai gesti, a creare un movimento quasi circolare. Il dipinto è stato restaurato e ritelato. E' presentato in cornice antica ridorata ad inizio '900, con attuali diverse mancanze (da restaurare).

Olio su tela. Scuola toscana di fine '500 - inizio '600. La tela rientra in un'ampia produzione sacra, che esaltava la gloria di Maria e dei santi vicini alla committenza. Al centro Maria siede su un trono con il Figlioletto in braccio, mentre in alto, dai cieli aperti, guarda a Lei benedicente il Padreterno, con il globo terrestre tra le mani, simbolo del suo potere sul mondo; Egli è affiancato da due angeli. Ai lati del trono stanno in piedi due Santi: a sinistra, San Domenico di Guzman, vestito dell'abito da domenicano e che regge tra le mani un giglio e un libro; sulla destra, nel suo caratteristico saio, San Francesco d'Assisi, che regge la croce a forma di Tau e un libro, e sulle cui mani si vedono i segni delle stimmate. Tutta la scena è caratterizzata dalla staticità delle figure tipica ancora del periodo rinascimentale, da colori vivi e da tratti dei visi composti e delicati. Retaurato e ritelato, il dipinto è presentato in cornice antica.

Olio su tela. Scuola francese della fine del XVIII secolo. In un'atmosfera romantica, sottolineata dalle sfumature azzurro-rosate del cielo, è raffigurata una verdeggiante campagna, percorsa da un piccolo fiume (che corre a sfociare nel mare sullo sfondo e popolato di villaggi sulle sue sponde), sulle cui si rive alcune figure maschili e femminili in tuniche classiche, si intrattengono in conversazioni. Il dipinto presenta piccoli buchi e cadute di colore (cretto marcato). E' presentato in cornice in stile.

Olio su tela. Scuola italiana del XVIII secolo. Si tratta di un ampio paesaggio collinare, ricco di vegetazione e attraversato da un piccolo corso d'acqua, lungo il quale due uomini, al centro della scena in basso, stanno pescando presso una pozza d'acqua. Sopra di essi un cielo carico di nuvoloni, che sfumano in lontananza evocando piogge imminenti. Restaurato e ritelato, il dipinto è presentato in cornice dorata di metà '900.

Olio su tela. Scuola nord-italiana del XVII-XVIII secolo. In un ampio paesaggio collinare piuttosto brullo, che si allarga sfumando sulla destra, si inserisce un alto roccione, conformato ad arco, sotto il quale vi è San Gerolamo penitente, raffigurato in atto di preghiera e di adorazione della Croce. Conformemente ai canoni della pittura del XVII-XVIII secolo, la figura del Santo, adeguata all'iconografia nelle vesti e nell'atteggiamento, è però inserita in un paesaggio poco consono, vicino a quello del pittore che si rifaceva alla realtà paesaggistica a lui nota. Il dipinto, restaurato e ritelato, è presentato in cornice in stile.

Olio su tela. Scuola italiana del XVII secolo. Nata ad Alessandria d'Egitto nel 344 circa, Maria Egiziaca fu una monaca ed eremita egiziana, venerata come santa dalla Chiesa cattolica, da quella ortodossa e da quella copta. Dopo una giovinezza dissoluta, Maria arrivò a Gerusalemme seguendo un gruppo di pellegrini e qui s i convertì alla fede cristiana , iniziando una vita di penitenza nel deserto. Nell'iconografia è raffigurata come una penitente presso una grotta con i capelli lunghi che le coprono il corpo e con i tre pani che si portò nel deserto. Il dipinto , restaurato e ritelato, è presentato in cornice dorata del XIX secolo.

Olio su tela. Scuola lombarda di fine '600-inizio '700. La ricca composizione propone un grande mazzo di fiori variopinti in un vaso sbalzato, vicino a due grosse zucche ea frutta mista (uva e pesche): con diverse intensità di colore, i vari elementi naturalistici emergono dallo sfondo completamente scuro, creando effetti di luci ed ombre. Restaurato e ritelato, il dipinto è presentato in cornice di inizio '900.

Olio su tela. Scuola lombarda di fine '600-inizio '700. La ricca composizione propone un grande mazzo di fiori variopinti in un vaso sbalzato, vicino a un ciotola piena di funghi porcini e ad un grappolo d'uva: con diverse intensità di colore, i vari elementi naturalistici emergono dallo sfondo completamente scuro, creando effetti di luci ed ombre. Restaurato e ritelato, il dipinto è presentato in cornice di inizio '900.

Erminia tra i Pastori

Olio su tela. La grande tela racconta un episodio tratto dalla Gerusalemme Liberata di Torquato Tasso, in cui la giovane Erminia, principessa d'Antiochia segretamente innamorata di Tancredi, assiste al ferimento in duello dell'amato. Spinta dall'amore indossa quindi le armi della guerriera Clorinda, sua intima amica, e di notte esce per raggiungere l'amato Tancredi e curarlo. Ma al campo cristiano un raggio di luce lunare la illumina e, scambiata per Clorinda dalle sentinelle, è costretta ad una fuga precipitosa: capita così in un villaggio abitato da pastori che vivono lontani dalla guerra in uno spazio idilliaco, dove chiede e ottiene di essere ospitata per qualche tempo nella speranza (vana) di dimenticare il suo amore infelice. L'opera, già attribuito a Carlo Loth, è piuttosto rimandabile alla produzione di Louis Dorigny, il pittore parigino che visse a lungo in Italia, a Roma, a Venezia e infine definitivamente a Verona, ove ottenne numerose commesse da veronesi ma anche da committenti veneti e lombardi, estendendo la sua attività di affrescatore da Bergamo sino a Udine. A Verona fin dall'inizio del secolo, le preferenze in campo pittorico andavano verso un linguaggio classicistico complesso nella composizione, ma pacato ed elegante, anche nelle grandi opere decorative. A questa pittura si uniforma il Dorigny, che in questa tela coniuga l'equilibrato classicismo di Simon Vouet (di cui era nipote) con i chiaroscuri appresi a Roma e la pacata eleganza veneta. Restaurato e ritelato, il dipinto è presentato in cornice di inizio '900.

Olio su tela. L'Immacolata Concezione è un dogma cattolico, proclamato da papa Pio IX l'8 dicembre 1854 che sancisce come la Vergine Maria sia stata preservata immune dal peccato originale fin dal primo istante del suo concepimento. Il percorso storico che portò alla sua definizione si protrasse per almeno quattro secoli, durante i quali si intrecciarono furiose dispute teologiche, soprattutto tra francescani e domenicani. Il tema dell'Immacolata Concezione cominciò ad apparire in opere artistiche fin da quando si accese il dibattito, Inizialmente il tema veniva affrontato dagli artisti gotici in maniera criptica, rimandando allo spettatore la conclusione, mettendo magari una serie di simboli e metafore facilmente decodificabili. Nel XV secolo le opere d'arte divennero più evidenti, ma è dal XVII secolo, con la Controriforma, che si affermò l'immagine iconografica più nota di tale dogma. I caratteri essenziali sono quelli della donna dell'Apocalisse: una donna sempre giovane - perchè scelta e concepita prima di tutta l'umanità - , vestita di sole (la luce che si irradia da dietro), incoronata da dodici stelle sormontate da un'apoteosi di cherubini, che poggia i piedi su una luna crescente e spesso, come in questa raffigurazione, che schiaccia il capo del dragone apocalittico sconfitto; Ella ha gli occhi rivolti al cielo, in atteggiamento contemplativo, le mani spesso giunte in preghiera, altre volte spalancate e protese verso l'alto in un gesto di slancio. La produzione pittorica di tale soggetto divenne da allora amplissima e estremamente variegata, sulla scia appunto delle dispute che la riguardarono. Produzioni analoghe a quella qui proposta si trovano, alla fine del '500, soprattutto tra Lombardia e Genova. Come esempio lombardo può essere citato Stefano Maria Legnani, detto il Legnanino (1660 -1715). Nell'ambito ligure, in particolare a Genova, ove l'immagine dell'Immacolata ebbe una straordinaria diffusione dalla fine del Cinquecento a tutta l'età barocca, divenendo tema centrale attraverso dipinti e sculture nei programmi decorativi degli edifici cittadini, si trova tale soggetto raffigurato in modo molto vicino a quello proposto, nella produzione di Paolo Gerolamo Piola (1666-1724). Il dipinto qui presentato, restaurato e ritelato, è in cornice in stile.

Olio su tela. Scuola veneta del XVII-XVIII secolo. Al retro è presente etichetta della Galleria d'Arte Di Rosa, che attribuisce l'opera a "Scuola veneta del 1600". La grande scena, ricca di figure e molto movimentata nell'intreccio e sovrapposizione deic orpi, , racconta l'episodio del Vangelo di Giovanni in cui una donna colta in adulterio è portata dinanzi a Gesù da scribi e Farisei per conoscere il suo parere circa la sua condanna a lapidazione. Gesù, mentre scrive per terra con un dito, sollecita alla misericordia i suoi interlocutori con la frase "Chi è senza peccato, scagli la prima pietra", salvando in tal modo la donna dalla condanna a morte e lasciandola libera di andare, con l'esortazione a non peccare più. Il soggetto è stato ampiamente riproposto nell'arte, con sguardi diversi sui personaggi. In questo dipinto in posizione centrale è la donna, ma le tutti i personaggi altri che le stanno intorno, fanno convergere lo sguardo verso il basso, verso la mano con cui Gesù, accovacciato, sta scrivendo per terra; sia il volto che il braccio destro della donna sono praticamente paralleli a quelli del Cristo, come se seguissero e si uniformassero alla direzione che Gesù le indica. Nelle altre numerose figure domina la curiosità, l'intento di capire, l'interrogativo che Gesù suscita con la sua domanda, rappresentato in molteplici varianti espressive sia dei visi che dei corpi; curioso il particolare delle lenti - gli occhiali del sacerdote di cui sbuca la testa dietro la donna e la lente d' ingrandimento della figura accovacciata a sinistra in secondo piano - che ben due figure utilizzano per "vedere meglio" ciò che succede. Le modalità pittorica ed interpretativa del dipinto richiamano la produzione veneta vicina a Girolamo Brusaferro (1677 – 1745), l'artista veneziano la cui pittura rappresenta la via mediana tra la grande tradizione della pittura tardo barocca affine a Luca Giordano e l'innovativa sensibilità coloristica tipica della grazia settecentesca. Restaurato e ritelato, il dipinto è presentato in cornice coeva, in legno intagliato, stuccato e laccato.

Olio su tela. Scuola nord-italiana del XVII-XVIII secolo. Al retro presente etichetta di Galleria d'arte con indicazione "Scuola veneta del 1600". E' raffigurato l'episodio evangelico delle deposizione di Cristo dalla Croce. Il corpo di Gesù, che spicca bianco per il pallore della morte ma anche a simbolo della sua purezza, spicca al centro tra le altre figure, unico inerte in mezzo agli altri personaggi. Le sue braccia ancora aperte mentre viene staccato dalla Croce, costituiscono un tramite tra le due figure di Maria e Giovanni in piedi sotto di Lui, e il cielo. Intorno diverse figure che coralmente creano movimento, intrecci, di forme e colori. L'opera restaurata e ritelata, è presentata in cornice coeva, in legno intagliato, stuccato e laccato.

Olio su tavola. Scuola nord-italiana (veneta?) del XVIII secolo. La sagoma della tavola suggerisce che il dipinto facesse parte di un allestimento d'arredo, inserita in una composita struttura parietale insieme ad altre scene a soggetto mitologico-allegorico. Il dipinto rappresenta un episodio mitologico narrato nelle Metamorfosi di Ovidio: Mercurio si accinge a far addormentare Argo con le melodie suadenti del suo flauto, per poi ucciderlo su comando di Giove. Argo, il pastore dai cento occhi e dotato di grande forza, era stato incaricato da Giunone di sorvegliare la giovane Io, amata da Giove e da lui trasformata in giovenca. In questa rappresentazione, collocati all'interno di un paesaggio bucolico, si identificano Mercurio dal cappello e i calzari alati, mente suona il suo flauto, e Argo seduto a sorveglianza della bianca giovenca alle sue spalle: come in molte rappresentazioni di questo mito, anche in opere di grande fama, Argo è raffigurato come un semplice pastore, senza i cento occhi e senza doti speciali. La dimensione bucolica più che drammatica, sottolinea l' intento decorativo del pannello, che vuole evocare leggerezza piuttosto che pathos. L'opera è in buone condizioni.