Paesaggio con Fossile

Olio su tela. Firma, data e titolo al retro. E' opera del pittore milanese Giulio Scapaticci, degli artisti della corrente pittorico-politica che a cavallo degli anni '50-'60 fu definita “Realismo Esistenziale”. Considerato fin da subito un artista sensibile a tematiche esistenziali, comincia a dipingere la Milano degli anni '50 e '60 con le sue tipiche case di ringhiera, le finestre scrostate che si aprono su un paesaggio urbano dai colori cupi, le periferie industriali grigie e desolate, buoi squartati e pesci appesi a chiodi. A metà degli anni '70, lascia Milano e si trasferisce nell'Oltrepò pavese, ove la sua pittura si trasforma, travalica le precedenti esperienze introspettive scure e monocromatiche e nei suoi quadri appare un mondo agreste fatto di tonalità più vive e luminose: cascine, nature statiche, morte, insetti, fiumi, anse sabbiose riposanti. Rientrato a Milano, dagli anni '80 torna a raffigurare una più dolorosa umanità, con insetti che si trasformano e si posano a ricoprire sensazioni di solitudine e silenzi volontari. L'opera qui proposta rientra nella produzione riconducibile agli anni dell'Oltrepò pavese. La scena è suddivisa in due riquadri distinti: sulla sinistra uno scorcio di campagna dominato sullo sfondo dal profilo nero di una città industriale, con la sagoma di un insetto in primo piano; a destra, il cadavere di un pesce, il fossile del titolo. I colori sono chiari, ma domina un grigiore che sottolinea la cupezza della scena. Il dipinto presenta un lieve danno in alto a destra. E' presentato in cornice.

Insetto nel Paesaggio 1973

Olio su tela. Al retro presenti la firma, il titolo e la data dell'opera. E' opera del pittore milanese Giulio Scapaticci, degli artisti della corrente pittorico-politica che a cavallo degli anni '50-'60 fu definita “Realismo Esistenziale”. Considerato fin da subito un artista sensibile a tematiche esistenziali, comincia a dipingere la Milano degli anni '50 e '60 con le sue tipiche case di ringhiera, le finestre scrostate che si aprono su un paesaggio urbano dai colori cupi, le periferie industriali grigie e desolate, buoi squartati e pesci appesi a chiodi. A metà degli anni '70, lascia Milano e si trasferisce nell'Oltrepò pavese, ove la sua pittura si trasforma, travalica le precedenti esperienze introspettive scure e monocromatiche e nei suoi quadri appare un mondo agreste fatto di tonalità più vive e luminose: cascine, nature statiche, morte, insetti, fiumi, anse sabbiose riposanti. Rientrato a Milano, dagli anni '80 torna a raffigurare una più dolorosa umanità, con insetti che si trasformano e si posano a ricoprire sensazioni di solitudine e silenzi volontari. L'opera qui proposta rientra nella produzione riconducibile agli anni dell'Oltrepò pavese, con la grande cascina lombarda sulla sinistra, uno scorcio della pianura assolata e, in primo piano, un insetto. L'opera è presentata in cornice.

Studio per Affresco 1965

Tecnica mista su carta. In basso sono presenti la firma, la data e il titolo. E' un omaggio alla grande imprenditrice polacca, fondatrice dell'omonima casa cosmetica Helena Rubinstein, realizzato nell'anno della sua morte. Giorgio Bellandi, nato a Milano nel 1931, è stato pittore scenografo di grande talento. Appassionato di arte fin da giovanissimo, frequenta l'Accademia di Brera ed entra a far parte attivamente dell'ambiente artistico milanese di quegli anni. Bellandi lavora come scenografo al Teatro alla Scala di Milano e debutta come pittore negli anni '50 aderendo al Realismo esistenziale, movimento artistico molto attivo a Milano nella seconda metà degli anni cinquanta, diventando uno degli esponenti di tale corrente. Il Realismo esistenziale si basava originariamente sulla ricerca di qualcosa di diverso, di un'alternativa sia alla pittura informale sia agli effetti dell'esistenzialismo, soprattutto politico, che aveva preso piede a causa dei danni causati dalla II Guerra Mondiale. Ideologicamente questi artisti avevano in comune il rifiuto verso gli autoritarismi e verso i conformismi sociali e politici, in un ambiente orientato complessivamente a sinistra. Bellandi è un artista dotato di talento e creatività, amante della liberà di espressione e della bellezza, ed esegue opere dalla lettura interessante con tonalità cromatiche intense ma armoniose. Appassionato del Lago di Como, spesso veniva sul Lario in cerca di relax e ispirazione. Nel '64 egli partecipa alla Biennale di Venezia e nel '65 è invitato alla IX Quadriennale di Roma. Pittore molto attivo, realizza moltissime mostre in territorio Nazionale ed Internazionale, fino alla malattia che purtroppo gli fu fatale, nel 1976. L'opera è presentata in cornice.

Studi per le "Persecuzioni" 1964

Gruppo di quattro tecniche miste su carta, firmate e datate 8/10/64 singolarmente, e ulteriore firma con titolo sotto la composizione in cornice. Si tratta di bozzetti preparatori per le opere che l'artista espose alla mostra, studiata e realizzata nel 1967-68 con l'amico Amilcare Rambelli presso la Galleria del Grattacielo a Milano. Giorgio Bellandi, nato a Milano nel 1931, è stato pittore scenografo di grande talento. Appassionato di arte fin da giovanissimo, frequenta l'Accademia di Brera ed entra a far parte attivamente dell'ambiente artistico milanese di quegli anni. Bellandi lavora come scenografo al Teatro alla Scala di Milano e debutta come pittore negli anni '50 aderendo al Realismo esistenziale, movimento artistico molto attivo a Milano nella seconda metà degli anni cinquanta, diventando uno degli esponenti di tale corrente. Il Realismo esistenziale si basava originariamente sulla ricerca di qualcosa di diverso, di un'alternativa sia alla pittura informale sia agli effetti dell'esistenzialismo, soprattutto politico, che aveva preso piede a causa dei danni causati dalla II Guerra Mondiale. Ideologicamente questi artisti avevano in comune il rifiuto verso gli autoritarismi e verso i conformismi sociali e politici, in un ambiente orientato complessivamente a sinistra. Bellandi è un artista dotato di talento e creatività, amante della liberà di espressione e della bellezza, ed esegue opere dalla lettura interessante con tonalità cromatiche intense ma armoniose. Appassionato del Lago di Como, spesso veniva sul Lario in cerca di relax e ispirazione. Nel '64 egli partecipa alla Biennale di Venezia e nel '65 è invitato alla IX Quadriennale di Roma. Pittore molto attivo, realizza moltissime mostre in territorio Nazionale ed Internazionale, fino alla malattia che purtroppo gli fu fatale, nel 1976.

Senza Titolo 1958

Olio su tela. Firmato e datato in basso a destra. L'opera di forte impatto emotivo, propone uno sfondo quasi monocromatico viola, in cui si inseriscono pochi tratti in bianco e nero a definire una sagoma rannicchiata a sinistra, forse una forma umana, raccolta e chiusa su se stessa. Nato nel 1934 a Viareggio, dove vive tuttora, il pittore e scultore Mario Francesconi è considerato uno dei pochi superstiti del Dadaismo, che dalla fine degli anni Cinquanta ha attraversato le stagioni dell'arte italiana ed europea in una ricerca spiccatamente personale di forme e di tecniche. A partire dalla sua prima personale nel 1959 sviluppa un percorso artistico che attraversa diverse fasi, spesso riconducibili alla passione per le materie povere e di recupero. La sua attività artistica si muove tra gli ambiti della pittura, della scultura, del collage e dell'installazione e confina con gli adiacenti ambiti della poesia e della letteratura, anche grazie ad amicizie e rapporti professionali con alcune tra le più significative figure del mondo intellettuale italiano della seconda metà del secolo scorso, da Emilio Villa a Cesare Garboli, da Leonardo Sciascia a Mario Luzi, da Cesare Zavattini a Pier Paolo Pasolini, da Alfonso Gatto a Sandro Penna a Venturino Venturi. L'opera è presentata in cornice.

Stampa su carta. Raro manifesto anti-razzista che, come da dicitura in basso, fu pubblicato come supplemento alla rivista "MAI" del giugno '68 , nella serie "I manifesti di MAI di Giò" (Giorgio Tavaglione). Si tratta di un manifesto dei movimenti beat che si diffusero in Italia negli anni 1967-1968: grazie all'utilizzo del ciclostile, che permise la stampa in proprio di numerosissimi volantini, manifesti, antologie poetiche, piccole plaquette e soprattutto riviste, i giovani beatniks crearono un canale di informazione alternativo che rappresentò il veicolo di diffusione primario dei principi che animavano il movimento beat, in contrapposizione ai circuiti culturali e di comunicazione ufficiali. All'interno delle riviste, e in generale nelle varie attività beat, la scrittura poetica assunse un ruolo essenziale come parte integrante della pratica di dissenso, poiché rappresentava una delle principali forme d'espressione e di affermazione di un diverso ideale di vita, nonché di una diversa idea di collettività. Giorgio Tavaglione fu uno degli esponenti artistici più noti del movimento beat: da completo autodidatta Giò disegnò i poster, i flyer e le cover delle prime riviste underground italiane degli anni '60; sparito per anni dopo un viaggio in India , ricomparve successivamente come disegnatore di tarocchi e talismani nella cui realizzazione trasferì la sua sua eccellente qualità grafica, il suo tipico stile meticoloso e fantasioso, esoterico e visionario. Opera in cornice.

Senza Titolo 1964

Tecnica mista su carta. Firmata e datata a sinistra. L'opera appartiene alla produzione degli ani '60 di Amilcare Rambelli, periodo in cui l'artista milanese, pittore, illustratore ma soprattutto scultore, volge la sua produzione verso l'esterno, alla ricerca di un coinvolgimento dello spazio ambientale nel rapporto tra elementi di sistemi organici e strutture di sistemi meccanici: nasce una sequenza progettuale che prelude nelle sue sculture a complessi assemblaggi polimaterici nei quali acciaio, rame, bronzo, alluminio, plexiglas, frammenti disegnativi e pellicole trovano inediti equilibri. Si tratta di opere che tendono verso un'impostazione geometrica, tecnicamente innovative e suggestive, che aggrediscono lo spazio in ogni direzione con intenso dinamismo, testimoniando la ricerca di una consonanza tra l'artista e il proprio tempo. Nei dipinti di questo periodo, a cui appartiene anche l'opera qui presentata, Rambelli traspone sulla carta o sulla tela gli stessi progetti realizzati come scultore. L'opera è in cornice.

Poster stampato a Cologno Monzese nel 1967, in edizione limitata di 500 copie. Si tratta della copia n. 7/500, valorizzata dalla dedica e firma autografa del graphic designer Giorgio Tavaglione, autore del manifesto. E' il primo manifesto del movimento beat e della cultura underground italiana, promosso a Milano dal 1966. In tal data nacque la rivista "mondo Beat", con direttore Melchiorre Gerbino, ispirata ai movimenti di protesta pacifista dei PROVO olandesi, e vicina ai movimenti anarchici italiani. I giovani beatniks crearono un canale di informazione alternativo che rappresentò il veicolo di diffusione primario dei principi che animavano il movimento beat, in contrapposizione ai circuiti culturali e di comunicazione ufficiali. All'interno delle riviste, e in generale nelle varie attività beat, la scrittura poetica assunse un ruolo essenziale come parte integrante della pratica di dissenso, poiché rappresentava una delle principali forme d'espressione e di affermazione di un diverso ideale di vita, nonché di una diversa idea di collettività. Giorgio Tavaglione fu uno degli esponenti artistici più noti del movimento beat: da completo autodidatta Giò disegnò i poster, i flyer e le cover delle prime riviste underground italiane degli anni '60; sparito per anni dopo un viaggio in India , ricomparve successivamente come disegnatore di tarocchi e talismani nella cui realizzazione trasferì la sua sua eccellente qualità grafica, il suo tipico stile meticoloso e fantasioso, esoterico e visionario. L'opera è in cornice.

Decorazione Pittorica di Ante di Armadio

Olio su tavola. Firmato sulla prima anta inferiore destra. Si tratta della decorazione pittorica delle otto ante di un armadio, realizzato su misura per la famiglia committente, che compongono una grande scena astratta - quasi una scenografia ! - in cromie pastello molto delicate, in cui si intravvedono figure destrutturate, sognanti, fluttuanti. Giorgio Bellandi, nato a Milano nel 1931, è stato pittore scenografo di grande talento. Appassionato di arte fin da giovanissimo, frequenta l'Accademia di Brera ed entra a far parte attivamente dell'ambiente artistico milanese di quegli anni. Bellandi lavora come scenografo al Teatro alla Scala di Milano e debutta come pittore negli anni '50 aderendo al Realismo esistenziale, movimento artistico molto attivo a Milano nella seconda metà degli anni cinquanta, diventando uno degli esponenti di tale corrente. Il Realismo esistenziale si basava originariamente sulla ricerca di qualcosa di diverso, di un'alternativa sia alla pittura informale sia agli effetti dell'esistenzialismo, soprattutto politico, che aveva preso piede a causa dei danni causati dalla II Guerra Mondiale. Ideologicamente questi artisti avevano in comune il rifiuto verso gli autoritarismi e verso i conformismi sociali e politici, in un ambiente orientato complessivamente a sinistra. Bellandi è un artista dotato di talento e creatività, amante della liberà di espressione e della bellezza, ed esegue opere dalla lettura interessante con tonalità cromatiche intense ma armoniose. Appassionato del Lago di Como, spesso veniva sul Lario in cerca di relax e ispirazione. Nel '64 egli partecipa alla Biennale di Venezia e nel '65 è invitato alla IX Quadriennale di Roma. Pittore molto attivo, realizza moltissime mostre in territorio Nazionale ed Internazionale, fino alla malattia che purtroppo gli fu fatale, nel 1976. E' possibile realizzare l'intervento di distacco delle ante dalla struttura dall'armadio e la loro ricomposizione su pannello unitario.

Coppia di Disegni ad Inchiostro

Inchiostro su carta. Uno dei due è firmato in basso a destra. Le opere dell'artista russo Vyacheslav Sawich Mikhailov sono esposte in prestigiosi musei come la Galleria Tretyakov o il Museo d'Arte Moderna di Mosca, il Museo Nazionale d'Arte Russa, il Museo d'Arte Anticonformista di San Pietroburgo. Considerato autore di stampo espressionista, realizza con tecniche diverse scene di intensa drammaticità. Il disegno qui proposto fa parte di una serie di scene piene di figure intrecciate drammaticamente tra di loro in contorsioni del corpo, con elementi allegorici e chiazze di colore spesso rosso, a evocare il sangue. In cornice.

Senza Titolo 1990

Inchiostro su carta. Firmato e datato in basso a destra. Le opere dell'artista russo Vyacheslav Sawich Mikhailov sono esposte in prestigiosi musei come la Galleria Tretyakov o il Museo d'Arte Moderna di Mosca, il Museo Nazionale d'Arte Russa, il Museo d'Arte Anticonformista di San Pietroburgo. Considerato autore di stampo espressionista, realizza con tecniche diverse scene di intensa drammaticità. Il disegno qui proposto fa parte di una serie di scene piene di figure intrecciate drammaticamente tra di loro in contorsioni del corpo, con elementi allegorici e chiazze di colore spesso rosso, a evocare il sangue. In cornice.

Senza Titolo 1990

Inchiostro su carta. Firmato e datato in basso a destra. Le opere dell'artista russo Vyacheslav Sawich Mikhailov sono esposte in prestigiosi musei come la Galleria Tretyakov o il Museo d'Arte Moderna di Mosca, il Museo Nazionale d'Arte Russa, il Museo d'Arte Anticonformista di San Pietroburgo. Considerato autore di stampo espressionista, realizza con tecniche diverse scene di intensa drammaticità. Il disegno qui proposto fa parte di una serie di scene piene di figure intrecciate drammaticamente tra di loro in contorsioni del corpo, con elementi allegorici e chiazze di colore spesso rosso a evocare il sangue. In cornice.

Senza Titolo 1990

Inchiostro su carta. Firmato e datato in basso a destra. Le opere dell'artista russo Vyacheslav Sawich Mikhailov sono esposte in prestigiosi musei come la Galleria Tretyakov o il Museo d'Arte Moderna di Mosca, il Museo Nazionale d'Arte Russa, il Museo d'Arte Anticonformista di San Pietroburgo. Considerato autore di stampo espressionista, realizza con tecniche diverse scene di intensa drammaticità. Il disegno qui proposto fa parte di una serie di scene piene di figure intrecciate drammaticamente tra di loro in contorsioni del corpo, con elementi allegorici e chiazze di colore spesso rosso a evocare il sangue. In cornice.

Tableau doré

Tecnica mista su compensato (pittura e fogli di carta argento). Al retro presente autentica con timbro e firma della sorella dell'artista. L'opera appartiene alla serie dei Tableaux dorés, opere realizzate dall'artista milanese Remo Bianco a partire dagli anni '50. Nato e formatosi a Milano, Remo Bianco fu allievo di De Pisis, presso il cui studio frequentò i grandi artisti del Novecento italiano (Carrà, Sironi, Savinio, Soffici, Soldati, Marini, Cantatore). Dopo la parentesi della guerra (arruolato, affondò con la sua nave e fu fatto prigioniero a Tunisi), riprese la sua attività artistica a Milano, partecipando al Movimento Nucleare e allo Spazialismo, arrivando a staccarsi completamente dalla pittura figurativa per creare opere fatte di pennellate pure. All'inizio degli anni Cinquanta cominciò a realizzare opere, pittoriche e scultoree, con materiali diversi e a sperimentare temi e tecniche differenti; a questa produzione appartengono i Tableaux dorés, composti da lamine di alluminio argentato o dorato su basi dipinte.

Tableau doré

Tecnica mista su compensato (pittura e fogli di carta argento). Al retro presente autentica con timbro e firma della sorella dell'artista. L'opera appartiene alla serie dei Tableaux dorés, opere realizzate dall'artista milanese Remo Bianco a partire dagli anni '50. Nato e formatosi a Milano, Remo Bianco fu allievo di De Pisis, presso il cui studio frequentò i grandi artisti del Novecento italiano (Carrà, Sironi, Savinio, Soffici, Soldati, Marini, Cantatore). Dopo la parentesi della guerra (arruolato, affondò con la sua nave e fu fatto prigioniero a Tunisi), riprese la sua attività artistica a Milano, partecipando al Movimento Nucleare e allo Spazialismo, arrivando a staccarsi completamente dalla pittura figurativa per creare opere fatte di pennellate pure. All'inizio degli anni Cinquanta cominciò a realizzare opere, pittoriche e scultoree, con materiali diversi e a sperimentare temi e tecniche differenti; a questa produzione appartengono i Tableaux dorés, composti da lamine di alluminio argentato o dorato su basi dipinte. L'opera è presentata in cornice.

Senza Titolo 1999

Tecnica mista su tavola. Firmato e datato al retro. Nato a Magenta, Giovanni Sesia non si definisce pittore e nemmeno scultore o fotografo, ma “artista”. Frequenta l'Accademia di Brera a Milano e si accosta alla pittura con dipinti dal segno forte e dai colori accesi. Dopo un'iniziale ricerca artistica nell'astrattismo e la scoperta della fotografia mezzo tecnico da affiancare all'espressività pittorica, alla fine degli anni Novanta Giovanni Sesia scopre un intero archivio fotografico di un ospedale psichiatrico in abbandono: affascinato dalle vecchie fotografie, che ritraggono volti e luoghi dimenticati, l'artista le ingrandisce e le rielabora sovrapponendovi campiture, ritocchi pittorici e inserti calligrafici, indagando il tema della follia e riportando alla luce esistenze segnate dal dolore e dalla malattia, per sottrarle al passare del tempo e all'oblio. Il senso della tradizione, i colori caldi della terra, i bruni, l'ocra e la ruggine, come le scritte realizzate con una grafia pressoché illeggibile, diventano i tratti personali e inconfondibili anche nelle opere che rappresentano temi differenti, come gli oggetti domestici, i paesaggi, la città, tutti con una matrice comune, l'essere umano e il valore della memoria. L'opera è incorniciata.

Fuga in Egitto 1991

Acrilici su tavola. Accompagnata da autentica su foto autografa dell'autore, con timbro della Galleria Verlato di Milano. L'opera qui presentata rientra nella ricca serie di opere denominate dall'artista Cristalli, per il richiamo alle geometrie di tali minerali, che egli considera contenitori di energie e di luce. Su una tavola sagomata tridimensionalmente con asimmetriche punte sporgenti, a richiamare la struttura di un cristallo, Jori dipinge elementi che emergono dallo sfondo, con scelte cromatiche che rimandano tutte alla stessa gamma ma con sfumature differenti, ad emulare i riflessi della luce. Questa opera è costituita da tre elementi, di dimensioni e forme differenti, che si propongono accostati orizzontalmente, seppur senza toccarsi: sullo sfondo nero emergono, nelle tonalità di grigi sempre più chiari fino ad arrivare al bianco, le sagome di alcune forme geometriche che richiamano strutture architettoniche, evocanti delle abitazioni lungo una strada, il percorso fatto dalla Sacra Famiglia nella fuga verso l'Egitto per cercare la salvezza da Erode. L'opera proviene da un'importante collezione privata milanese.

Volto Femminile 2001

Olio su tela. Datato e firmato al retro. Nato a Seregno, Danilo Martinis si è formato con Osvaldo Minotti. Pittore e designer, ha arredato residenze prestigiose in tutto il mondo, le sue opere sono particolarmente apprezzate negli Emirati Arabi e in Russia. Egli ama esprimere i suoi pensieri attraverso immagini grafico-figurative rese attraverso effetti geometrici e giochi cromatici, utilizzando come interpreti prevalentemente le figure femminili. In quest'opera propone un primo piano di un viso femminile, esaltandone l'espressività attraverso i giochi di colore nelle gamme del giallo.