Pintura de Annibale Scaroni - Vistazo a la montaña 1926

Tres bebedores y ángel 1942

Técnica mixta sobre tabla. Firmado abajo a la derecha. En el reverso además firma, título y fecha. Beppe Porcheddu, importante ilustrador y ceramista italiano, también fue pintor. En su camino artístico evolutivo "parecería que el artista ha vertido "el ilustrador" en el pintor y viceversa "el pintor ha prevalecido en la ilustración". Desde su primera producción, junto a su aptitud para lo grotesco, Porcheddu mostró una inclinación natural por lo que definió como un "trío perfecto de símbolos de un mundo (el medieval) que se expresaba a través de metáforas como ninguna otra civilización anterior". En este panel, esa tendencia hacia lo grotesco queda bien expresada en las figuras de los tres bebedores, presentadas con rasgos toscos, líneas claras y ángulos marcados, mientras que la figura del ángel aparece evanescente, desdibujada, enmarcada en la única luz que proviene de la puerta abierta.

Óleo sobre la mesa. En el reverso hay una inscripción a lápiz con la fecha "29 de junio de 1931" y la firma Amos Campaioli. El gran paisaje campestre, con árboles frondosos y un estanque, ve en primer plano a una dama a caballo flanqueada por un hombre con sus perros. El cuadro se presenta en un marco de madera, revestido en su frente con estuco dorado.

Pintura al óleo sobre lienzo. En la parte inferior izquierda hay una firma no identificada. Gran composición de flores abigarradas, colocadas al aire libre sobre un terreno desnudo y desierto. Los colores de las flores se aplican con cierta consistencia material, haciéndolas resaltar y emerger del fondo casi monocromático. El cuadro tiene algunas salpicaduras de suciedad en la esquina inferior izquierda. Se presenta en un marco contemporáneo.

Pintura al óleo sobre lienzo. La composición recuerda las producciones del siglo XVII y ofrece una mesa ricamente cargada de bandejas de frutas, cestas de cerezas, cestas de melocotones y racimos de uvas con hojas de parra decorativas, terrinas con semillas y vasos, coronada por una cortina y colocada sobre una tela. En algunos puntos se utilizó el color de forma muy matérica, para resaltar, por ejemplo, los tallos de las hojas de parra o para crear reflejos de luz en los frutos. La pintura presentada en un marco de estilo.

El organillero

Pintura al óleo sobre lienzo. Firmado abajo a la derecha. Rastro de una fecha, no legible. El artista de Cuneo Ottavio Steffanini tuvo una vida en constante movimiento, dividida entre Italia, Europa, América (en particular Venezuela). Artista inquieto e impredecible, concentró su pintura sobre todo en figuras femeninas, retratadas con plácida sensualidad y una opulencia influenciada por los maestros españoles con los que estudió. Pero en su producción no faltan otros temas, unidos por una incesante exaltación de la vida, de la naturaleza. Aquí, sin embargo, se propone una figura masculina, el retrato de medio cuerpo de un acordeonista, digno y orgulloso en su pose y mirada. La obra se presenta en un marco de época.

Figura en reposo 1969

Lápiz sobre papel. Firmado abajo a la derecha. Acompañado de fotoautenticación del Archivo Mario Tozzi. En la extensa producción del maestro Tozzi abundan los dibujos, como este que aquí se presenta, realizados con distintas técnicas (tinta, pastel, lápiz, sanguina), dedicados a la figura humana: en su estilo seco y estilizado, Mario Tozzi delinea estilizados, refinados figurillas en su geometría silenciosa y discreta, favorecida por la ausencia de color, que realza las formas sobre el papel blanco.Incluso en su producción pictórica, los temas favoritos de Mario Tozzi son, clásicamente, las figuras y los bodegones, pero tanto las figuras como la muerte son un conjunto de elementos geométricos sólidos, la esfera, el cilindro, el cono, etc. Los cuerpos son elementales, esenciales en las líneas y detalles, poderosos, escultóricos, compuestos de sólidos recién modelados, mientras que las naturalezas muertas son una celebración de la geometría euclidiana como los jarros, cuencos, frascos que son paradigmas de volumen y rigor geométrico. Las composiciones de Mario Tozzi están influenciadas por el Cubismo para ciertos cortes, por la Metafísica por ciertas inserciones arquitectónicas y por el Abstractismo por la inserción de figuras geométricas. La obra se presenta en un marco.

Técnica mixta sobre lienzo. La gran escena, pintada en la única gama de rojo-rosa, ve dos grandes figuras a la derecha, mientras que todo el lado izquierdo está ocupado por un paisaje desértico, con las olas de las dunas desapareciendo en la distancia. Las dos figuras representan a un caballero sentado, con turbante y vestido sarraceno, siendo refrescado por una muchacha con traje occidental, que le entrega una bandeja cargada de comida, mientras que en la superficie subyacente hay una palangana con agua, mazorcas de maíz y varias frutas. Podría ser una de las tantas representaciones de la historia de Angélica y Medoro, contada por Ariosto en Orlando furioso, que narra el amor entre la muchacha cristiana y el soldado de infantería sarraceno herido en una batalla, que luego huyeron juntos a Catay. desatando así la locura de Orlando. La obra se presenta en un marco.

En Brianza

Pintura al óleo sobre lienzo. En la parte inferior izquierda está el monograma DB. Sello de título y galería en la parte posterior. El atisbo de la campiña de Brianza, todavía llana, muestra a un pastor que deja pastar a sus vacas en los prados inmediatamente a las afueras del pueblo, cerca del camino de tierra flanqueado por postes de luz; dos troncos desnudos y delgados se alzan verticales, casi paralelos, dividiendo la escena en tres planos. La obra se presenta en un marco coetáneo.

Sur le Canapé d'Argent Pale 1911

Litografía en color sobre papel vitela. El título en la parte inferior izquierda. En el passepartout el nombre y la frase "original lithographie". Se trata del planche n.10 de la serie "Amour", creada en 1899 por el artista francés e inspirada en los poemas de amor que Denis escribió para su futura esposa, Marthe Meurier. Se realizaron algunas réplicas de la serie inicial, de las cuales la sobre papel de seda datada en 1911. Maurice Denis, pintor francés, se formó artísticamente en coincidencia con el nacimiento del movimiento simbolista que lo marcó fuertemente, imponiéndose por su sencillez y por su filosofía de un arte que era síntesis entre el mundo exterior y la espiritualidad del artista. En sus primeras obras, el estilo pictórico fue naturalista y neoimpresionista, pero con el tiempo tendió hacia un decorativismo puro, caracterizado por zonas de color plano y contornos claros. En 1888, en la Julian Academy de París, Maurice Denis fundó con Paul Sérusier, Pierre Bonnard y Paul Ranson, el grupo de pintores Nabis (Profetas), grupo que se inspiraba en las obras y poéticas de Paul Gauguin en sus ideales estéticos. por la superación del naturalismo impresionista a través de un retorno al arte primitivo y japonés. De las reuniones de los Nabis, generalmente celebradas en la redacción de la revista "Revue Blanche" o en la Academia Ranson, Denis apreciaba especialmente el clima místico, la jerga esotérica y el apodo que cada pintor recibía del grupo: Denis era llamado "el Nabi por las bonitas fotos". Así como "Nabi" Maurice Denis pintaba cuadros íntimos, enigmáticos y los temas de su pintura, de carácter religioso o situaciones de la vida cotidiana, eran llevados a una dimensión ideal e irreal, en una atmósfera de cálida y serena intimidad, obtenida con una extremada característica delicada. Una constante en su vida fue la profesión de fe católica, que siempre tuvo para él un papel prioritario. Recibió numerosos encargos para la decoración de iglesias y esto le hizo volver a la gran tradición de la pintura mural realizando solemnes frescos de estructura monumental, inspirados en un catolicismo literario. El fervor religioso llevó a Maurice Denis a fundar, en 1919, los Ateliers d'Art Sacré, dedicando mucho tiempo a la oración, tanto que se convirtió en el terciario de San Domenico, sin aislarlo del mundo, por lo que participó en la vida social de la época. Además de su vasta producción como pintor, Denis fue un gran dibujante e ilustrador. Hasta su muerte, Maurice Denis siguió pintando en una interpretación moderna de la gran pintura antigua, apoyado en su fuerte vena artística, alimentado continuamente por sus viajes, muchos de ellos en Italia, que lo llevaron a entrar en contacto directo con los prerrafaelitas. y los neoclásicos.

Les Bouches de Nápoles gemissent de Terreur ou de Plaisir 1969

Tinta sobre papel. Firma, fecha y título a continuación. Acompañado de autenticación en foto de Galleria Giò Marconi en Milán y sello de archivo privado. Es el dibujo del joven artista que pronto se convirtió en uno de los más importantes exponentes del surrealismo mundial, que fue poeta y pintor, pero también cineasta, crítico de arte y cine, fotógrafo y diseñador humorístico. Nacido en el norte de Francia, en 1927 se instaló en París, donde entró en contacto con un grupo de jóvenes poetas y filósofos, con los que fundó el movimiento ''Grand Jeu'': el juego se entiende como un arte de vivir. Desde 1928 colabora con textos, poemas y dibujos para la revista del movimiento y mientras tanto colabora como redactor y reportero en varios diarios parisinos. En 1932, agotada la experiencia del ``Grand Jeu'', pasa a el movimiento surrealista, colaborando en sus publicaciones y participando en sus exposiciones. Su humor se vuelve hacia lo insólito y la crueldad, cada vez más burlón del absurdo de la vida cotidiana, del lado trágico de la existencia común, al que se rebelan el espíritu y el inconsciente, tratando de acceder a lo inobservable. Conoce a Salvador Dalí. En 1939 inició también su actividad como cineasta.En 1941 tuvo lugar en París su primera exposición personal: el primer comprador fue Pablo Picasso. Participa en todas las exposiciones surrealistas, incluida la internacional de 1947 en París. En 1951, por motivos relacionados con la disciplina interna del grupo, abandona con otros el movimiento surrealista, sin dejar de practicar su poética. En 1955 también se apasionó por la fotografía. Desde 1968 se dedica casi exclusivamente a la pintura, abandonando la actividad de dibujante humorístico. En el mismo año se instala definitivamente en Milán: en Italia expone en varias exposiciones personales, las de Milán en la Galleria Marconi. El trabajo que aquí se presenta, un dibujo temprano, proviene de una importante colección privada milanesa. Se presenta en un marco.

el camino rural

Óleo sobre tableros duros. Firmado abajo a la izquierda. Tras mudarse de niño con su familia a Milán en 1898, siendo muy joven aún, Raoul Viviani se matriculó en la Academia de Brera, donde estudió bajo la dirección de Giuseppe Mentessi (1857-1931). Paralelamente frecuenta la escuela de desnudo de la Familia Artística, con la que expone por primera vez a los 17 años, cosechando inmediatamente un gran éxito de público y crítica, como paisajista de fuerte personalidad y modernidad y por su estilo muy original se caracteriza por fuertes experimentos cromáticos. En 1912 participó en la Bienal de Venecia y posteriormente participó en numerosas exposiciones nacionales e internacionales. A partir de 1926 inició su carrera en el campo de la crítica de arte, escribiendo para varios periódicos, pero su oposición al fascismo lo llevó a optar por el exilio voluntario: en 1931 se trasladó a Uruguay, donde fundó y dirigió la Academia de Bellas Artes de Montevideo. Al regresar a Milán en 1937, reanudó su actividad como pintor y crítico. En la década de 1950 se trasladó a Rapallo por motivos de salud y permaneció allí hasta su muerte. Pintor paisajista de gran originalidad, que se dedica a la pintura al óleo pero también a la acuarela y al grabado, está muy cerca de la pintura puntillista, sin embargo, desarrolla una técnica muy personal, caracterizada por finísimos filamentos de color en forma de finas comas, que definen las estructuras. de sus paisajes. Con su traslado a Liguria, el paisaje ligur se convierte en protagonista de sus obras y también de su técnica muda, alejándose del puntillismo original para abrirse a una pincelada amplia y sumaria, que desemboca finalmente en una producción de naturalezas muertas a partir de violencias y contrastes. colores. En esta obra en la que se aprecia bien la característica técnica de Viviani, por el camino rural que discurre junto al canal, aparece la figura de una mujer, que constituye una excepción en su producción, normalmente desprovista de elementos figurativos. Trabajo en marco.

figuras femeninas

Pintura al óleo sobre lienzo. Firmado abajo a la izquierda. La producción artística de Mino Maccari está orientada principalmente a la sátira social y política, expresada sobre todo a través del dibujo; es más, nunca se posicionó como un juez de las costumbres italianas, sino más bien como un cronista divertido y divertido de los vicios y debilidades de la sociedad. En su producción pictórica, aunque no se desvía excesivamente de los temas de sus dibujos, acentúa más el aspecto fantástico: con pinceladas rápidas y decididas y colores brillantes, a menudo violentos, caracteriza figuras casi irreales o más bien caricaturescas. La obra se presenta en un marco.