Arte

Clase de canto

Pintura al óleo sobre lienzo. Firma y ubicación Roma abajo a la derecha. En la parte posterior del marco hay una etiqueta con el nombre del artista y las palabras "Chez J. Spiridon, Rue Pigalle, París". También está presente en el marco una etiqueta con el número de inventario. La etiqueta hace referencia al coleccionista francés Joseph Spiridon (1845 -1930), que se dedicó a continuar la colección de obras de arte ya iniciada por su padre Georges, comprándolas en Italia al cardenal Fesch, el prelado destinado en Roma que fue su un importante coleccionista de arte. La localización del cuadro en Roma corresponde a la larga estancia que el artista valenciano Vicente March pasó en la capital, adonde llegó siendo aún joven para ampliar su formación artística. Vicente March, también apasionado de la fotografía, tenía la costumbre de inmortalizar sus obras y recoger las imágenes en blanco y negro en un álbum, que luego heredó su familia, que creó un libro-catálogo y las incluyó en el sitio dedicado al artista. : la fotografía en blanco y negro de nuestra obra también aparece en esta colección (https://www.vicentemarchmarco.es/fotos-de-su-obra-bn.html.) Marzo destacó especialmente por las pinturas con temas y géneros folclóricos. Escenas, seguidora del costumbrismo, movimiento artístico-literario español que se inspiraba en los trajes y escenas de la vida popular. Sus obras alcanzaron un gran éxito en toda Europa, llegando a formar parte de numerosas colecciones privadas. En este cuadro, de gran calidad, March propone una escena interior de una familia rica, con dos muchachas con vestidos dieciochescos que se divierten tocando el laúd, una y la otra cantando; las dos figuras están colocadas cerca de una ventana alta labrada de un rico salón, con paredes decoradas con frescos y decoradas con tapices, con muebles con incrustaciones y una fina tela de damasco sobre la mesa. Es notable la capacidad de representación pictórica de detalles y detalles. El cuadro se presenta en un marco contemporáneo de finales del siglo XIX.

Italia Finales del siglo XIX – principios del XX

Busto de mármol que representa al dios Apolo del Belvedere con una cara de tres cuartos.

Martirio de los franciscanos en Nagasaki

Pintura al óleo sobre lienzo. La obra es una copia fiel de la obra maestra homónima de Tanzio da Varallo (1580-82/1633), realizada por el pintor de Valsesia para el convento franciscano de Santa Maria delle Grazie en Varallo, y actualmente conservada en la Pinacoteca di Brera. La pintura representa el martirio ocurrido en 1597 en Nagasaki de veintitrés frailes franciscanos, que posteriormente fueron beatificados en 1627, fecha que permite situar la obra en los últimos años de actividad del artista. Tanzio da Varallo probablemente se inspiró para su creación en el texto "Vida y hazañas de los mártires del Japón" del franciscano español Marcello di Ribadeneira; Del cuadro de Brera conocemos un dibujo preparatorio parcial (conservado en la Pinacoteca di Varallo), un dibujo sanguíneo publicado por Testori (1964) y un lienzo (procedente de una colección privada de Borgosesia) publicado por Ferro. La réplica que aquí se propone es fiel al original, incluso en tamaño, sólo unos centímetros menos en altura, probablemente perdida durante el revestimiento de la obra. Si bien se trata de una copia de notable calidad, donde destaca especialmente la riqueza de reflejos que resaltan sobre los tonos más cálidos y oscuros de las carnaciones, respecto al original se nota una menor finura de ejecución, una tendencia a la simplificación y una patética acentuación, que atestiguan de la mano de un copista preocupado por reproducir el modelo en cada detalle, sin concederse ninguna licencia. Además, este copista parece haber conocido muy bien el estilo de Tanzio, hasta el punto de imitar a la perfección sus manos ganchudas. Se puede pensar, por tanto, en un alumno de Tanzio o en su taller (que fue continuado por su hermano Melchiorre tras la muerte de Tanzio), o en un artista que vio y apreció sus obras, como por ejemplo Pietro Francesco Gianoli, que trabajó sobre todo en iglesias de Valsesia y de la zona de Novara y de las que se conocen otras réplicas de obras de Tanzio da Varallo, como el David con la cabeza de Goliat. Además, dado que la obra aquí presentada, antes de ser adquirida por un coleccionista privado, permaneció ubicada durante siglos en un convento franciscano de Lombardía, es posible que se trate de una copia de la de Tanzio encargada por la propia Orden, para otro monasterio, a un pintor estilísticamente cercano a Tanzio y capaz de mirar al original. La pintura ha sido revestida y restaurada. Se presenta en una ambientación de finales del siglo XIX y principios del XX.

Escuela flamenca del siglo XVI.

Óleo sobre la mesa. Escuela flamenca del siglo XVI. La obra tiene una placa en la base que la atribuye a Lambert Van Noort (1520 -1571), justificada por la cercanía a sus métodos pictóricos que se puede encontrar en los rostros de Jesús y Magdalena, pero no confirmable en el resto de partes del cuadro. . La obra relata el episodio del Evangelio de Juan en el que los escribas y fariseos llevaron a Jesús a una mujer acusada de adulterio, para comprobar su observancia de la ley de Moisés, que incluía la lapidación. Pero Jesús, inclinándose hasta el suelo, comenzó a escribir con el dedo en el polvo, luego, cuando se le instó, pronunció las palabras "Cualquiera de vosotros que esté libre de pecado, que tire la primera piedra", salvando a la mujer y posteriormente perdonándola. El gran escenario está lleno de un grupo numeroso y compacto de personajes. Jesús en el centro, es la única figura inclinada en el suelo, distanciada del resto del grupo y fija en su gesto de escribir con un dedo; detrás de él, con una precisa alineación vertical de su rostro con el de Cristo, está la mujer acusada, que cubre su cuerpo con su manto observando el gesto de Chrsito, mientras espera la sentencia; Alrededor de los escribas, los fariseos, algunos soldados, que en cambio hablan animadamente entre ellos, están agitados, enfrentándose unos a otros, indicando lo que Jesús está haciendo. El tema estuvo ampliamente representado en la pintura flamenca, con diferentes métodos interpretativos. Si en este cuadro la escuela flamenca se percibe claramente en los rostros de rasgos duros y en los cuerpos más bien rígidos en los movimientos de los escribas y fariseos, así como en la representación del edificio al fondo y en la minuciosa representación del zapatos en primer plano a la derecha, los dos Las figuras de Jesús y la mujer están en cambio afectadas por la influencia italiana, que suavizó los rasgos de los rostros, dio a los movimientos del cuerpo mayor compostura y gracia, y con la ayuda de un color más brillante. los hizo destacar entre las demás figuras. El panel del cuadro fue sometido a restauración y entarimado en la primera mitad del siglo XX. El cuadro se presenta en un marco antiguo adaptado.

Chiquito Futbolista de Tánger 1982

Sanguíneo sobre papel. Firmado y fechado en números romanos abajo a la derecha. El título en la parte superior derecha. Claudio Bravo Camus fue un pintor chileno que se destacó sobre todo por sus composiciones (en particular parcelas) y retratos hiperrealistas, incluidos los de eminentes personajes políticos. Considerado con razón uno de los mayores maestros del hiperrealismo, Claudio Bravo persiguió la fotografía en la pintura, pero siempre a partir de la observación directa de los propios objetos: "Los ojos ven mucho más que la cámara: medios tonos, sombras, pequeños cambios de color y luces. ," él dijo. El retrato aquí presentado, el de un conocido futbolista marroquí, desprende un realismo minucioso y mimético, especialmente en la mirada del hombre; fue creado durante los años en los que el artista vivió en Tánger, donde se había refugiado para escapar de la dictadura de Franco. Se presenta en un marco.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela emiliana del siglo XVIII. Gran retrato de un noble del siglo XVII, ataviado con un elegante manto ribeteado de pelo moteado y con la peluca blanca propia de la moda de los siglos XVII y XVIII, identificando un alto linaje. El señor sostiene una hoja de papel en la que está dibujada una iglesia rodeada de otros edificios, tal vez un convento, o en todo caso un pueblo del que el noble fue probablemente benefactor. La pintura ha sido restaurada y revestida. Se presenta en un marco dorado contemporáneo. Los anteriores propietarios indicaron que provenía de un elegante edificio de Parma.

Clase de canto

Pintura al óleo sobre lienzo. Firma y ubicación Roma abajo a la derecha. En la parte posterior del marco hay una etiqueta con el nombre del artista y las palabras "Chez J. Spiridon, Rue Pigalle, París". También está presente en el marco una etiqueta con el número de inventario. La etiqueta hace referencia al coleccionista francés Joseph Spiridon (1845 -1930), que se dedicó a continuar la colección de obras de arte ya iniciada por su padre Georges, comprándolas en Italia al cardenal Fesch, el prelado destinado en Roma que fue su un importante coleccionista de arte. La localización del cuadro en Roma corresponde a la larga estancia que el artista valenciano Vicente March pasó en la capital, adonde llegó siendo aún joven para ampliar su formación artística. Vicente March, también apasionado de la fotografía, tenía la costumbre de inmortalizar sus obras y recoger las imágenes en blanco y negro en un álbum, que luego heredó su familia, que creó un libro-catálogo y las incluyó en el sitio dedicado al artista. : la fotografía en blanco y negro de nuestra obra también aparece en esta colección (https://www.vicentemarchmarco.es/fotos-de-su-obra-bn.html.) Marzo destacó especialmente por las pinturas con temas y géneros folclóricos. Escenas, seguidora del costumbrismo, movimiento artístico-literario español que se inspiraba en los trajes y escenas de la vida popular. Sus obras alcanzaron un gran éxito en toda Europa, llegando a formar parte de numerosas colecciones privadas. En este cuadro, de gran calidad, March propone una escena interior de una familia rica, con dos muchachas con vestidos dieciochescos que se divierten tocando el laúd, una y la otra cantando; las dos figuras están colocadas cerca de una ventana alta labrada de un rico salón, con paredes decoradas con frescos y decoradas con tapices, con muebles con incrustaciones y una fina tela de damasco sobre la mesa. Es notable la capacidad de representación pictórica de detalles y detalles. El cuadro se presenta en un marco contemporáneo de finales del siglo XIX.

Italia Finales del siglo XIX – principios del XX

Busto de mármol que representa al dios Apolo del Belvedere con una cara de tres cuartos.

Martirio de los franciscanos en Nagasaki

Pintura al óleo sobre lienzo. La obra es una copia fiel de la obra maestra homónima de Tanzio da Varallo (1580-82/1633), realizada por el pintor de Valsesia para el convento franciscano de Santa Maria delle Grazie en Varallo, y actualmente conservada en la Pinacoteca di Brera. La pintura representa el martirio ocurrido en 1597 en Nagasaki de veintitrés frailes franciscanos, que posteriormente fueron beatificados en 1627, fecha que permite situar la obra en los últimos años de actividad del artista. Tanzio da Varallo probablemente se inspiró para su creación en el texto "Vida y hazañas de los mártires del Japón" del franciscano español Marcello di Ribadeneira; Del cuadro de Brera conocemos un dibujo preparatorio parcial (conservado en la Pinacoteca di Varallo), un dibujo sanguíneo publicado por Testori (1964) y un lienzo (procedente de una colección privada de Borgosesia) publicado por Ferro. La réplica que aquí se propone es fiel al original, incluso en tamaño, sólo unos centímetros menos en altura, probablemente perdida durante el revestimiento de la obra. Si bien se trata de una copia de notable calidad, donde destaca especialmente la riqueza de reflejos que resaltan sobre los tonos más cálidos y oscuros de las carnaciones, respecto al original se nota una menor finura de ejecución, una tendencia a la simplificación y una patética acentuación, que atestiguan de la mano de un copista preocupado por reproducir el modelo en cada detalle, sin concederse ninguna licencia. Además, este copista parece haber conocido muy bien el estilo de Tanzio, hasta el punto de imitar a la perfección sus manos ganchudas. Se puede pensar, por tanto, en un alumno de Tanzio o en su taller (que fue continuado por su hermano Melchiorre tras la muerte de Tanzio), o en un artista que vio y apreció sus obras, como por ejemplo Pietro Francesco Gianoli, que trabajó sobre todo en iglesias de Valsesia y de la zona de Novara y de las que se conocen otras réplicas de obras de Tanzio da Varallo, como el David con la cabeza de Goliat. Además, dado que la obra aquí presentada, antes de ser adquirida por un coleccionista privado, permaneció ubicada durante siglos en un convento franciscano de Lombardía, es posible que se trate de una copia de la de Tanzio encargada por la propia Orden, para otro monasterio, a un pintor estilísticamente cercano a Tanzio y capaz de mirar al original. La pintura ha sido revestida y restaurada. Se presenta en una ambientación de finales del siglo XIX y principios del XX.

Escuela flamenca del siglo XVI.

Óleo sobre la mesa. Escuela flamenca del siglo XVI. La obra tiene una placa en la base que la atribuye a Lambert Van Noort (1520 -1571), justificada por la cercanía a sus métodos pictóricos que se puede encontrar en los rostros de Jesús y Magdalena, pero no confirmable en el resto de partes del cuadro. . La obra relata el episodio del Evangelio de Juan en el que los escribas y fariseos llevaron a Jesús a una mujer acusada de adulterio, para comprobar su observancia de la ley de Moisés, que incluía la lapidación. Pero Jesús, inclinándose hasta el suelo, comenzó a escribir con el dedo en el polvo, luego, cuando se le instó, pronunció las palabras "Cualquiera de vosotros que esté libre de pecado, que tire la primera piedra", salvando a la mujer y posteriormente perdonándola. El gran escenario está lleno de un grupo numeroso y compacto de personajes. Jesús en el centro, es la única figura inclinada en el suelo, distanciada del resto del grupo y fija en su gesto de escribir con un dedo; detrás de él, con una precisa alineación vertical de su rostro con el de Cristo, está la mujer acusada, que cubre su cuerpo con su manto observando el gesto de Chrsito, mientras espera la sentencia; Alrededor de los escribas, los fariseos, algunos soldados, que en cambio hablan animadamente entre ellos, están agitados, enfrentándose unos a otros, indicando lo que Jesús está haciendo. El tema estuvo ampliamente representado en la pintura flamenca, con diferentes métodos interpretativos. Si en este cuadro la escuela flamenca se percibe claramente en los rostros de rasgos duros y en los cuerpos más bien rígidos en los movimientos de los escribas y fariseos, así como en la representación del edificio al fondo y en la minuciosa representación del zapatos en primer plano a la derecha, los dos Las figuras de Jesús y la mujer están en cambio afectadas por la influencia italiana, que suavizó los rasgos de los rostros, dio a los movimientos del cuerpo mayor compostura y gracia, y con la ayuda de un color más brillante. los hizo destacar entre las demás figuras. El panel del cuadro fue sometido a restauración y entarimado en la primera mitad del siglo XX. El cuadro se presenta en un marco antiguo adaptado.

Chiquito Futbolista de Tánger 1982

Sanguíneo sobre papel. Firmado y fechado en números romanos abajo a la derecha. El título en la parte superior derecha. Claudio Bravo Camus fue un pintor chileno que se destacó sobre todo por sus composiciones (en particular parcelas) y retratos hiperrealistas, incluidos los de eminentes personajes políticos. Considerado con razón uno de los mayores maestros del hiperrealismo, Claudio Bravo persiguió la fotografía en la pintura, pero siempre a partir de la observación directa de los propios objetos: "Los ojos ven mucho más que la cámara: medios tonos, sombras, pequeños cambios de color y luces. ," él dijo. El retrato aquí presentado, el de un conocido futbolista marroquí, desprende un realismo minucioso y mimético, especialmente en la mirada del hombre; fue creado durante los años en los que el artista vivió en Tánger, donde se había refugiado para escapar de la dictadura de Franco. Se presenta en un marco.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela emiliana del siglo XVIII. Gran retrato de un noble del siglo XVII, ataviado con un elegante manto ribeteado de pelo moteado y con la peluca blanca propia de la moda de los siglos XVII y XVIII, identificando un alto linaje. El señor sostiene una hoja de papel en la que está dibujada una iglesia rodeada de otros edificios, tal vez un convento, o en todo caso un pueblo del que el noble fue probablemente benefactor. La pintura ha sido restaurada y revestida. Se presenta en un marco dorado contemporáneo. Los anteriores propietarios indicaron que provenía de un elegante edificio de Parma.

Sin título 1971

Acrílico sobre cartón. Firmado abajo a la derecha. Acompañado de Autenticación sobre fotografía firmada por el artista, con sello de la Galería Bolzicco de Portogruaro (VE). Publicado en el Catálogo General de las ediciones Electa (vol.II, pág. 535, n. 230). Emilio Scanavino, pintor y escultor originario de Génova, tras un inicio figurativo, dio a su pintura características poscubistas, estilizándose progresivamente las formas hasta su total disolución a principios de los años cincuenta. En el 54 comenzó a aparecer en sus lienzos el nudo estilizado, que se convirtió en su signo característico, caracterizando toda su producción posterior. En la producción de los años 70, a la que pertenece la obra que aquí presentamos, el "nudo" se vuelve perfectamente delineado y reconocible, expresado en formas inquietantes, a veces amenazantes y teñidas de rojo sangre. La obra se presenta en un marco.

Pintura al óleo sobre lienzo. Mediados del siglo XIX. La gran escena narra un episodio histórico no identificado, ambientado en la época del Renacimiento, en el que un arzobispo escucha la súplica de un joven en armas, acompañado de su madre, que apoya su súplica. El escenario es el interior de la sala de recepción del alto prelado, presumiblemente en el palacio del obispo, que desde la logia del fondo se asoma a la Catedral, cuya cúpula se vislumbra; el obispo está rodeado de sus subordinados y guardias, mientras asisten diferentes personas del pueblo. Particular es la presencia del hombre sentado en primer plano a la izquierda, que mira hacia el espectador y señala la escena, como si la estuviera contando. La atmósfera se juega con los contrastes entre luces y sombras, entre los colores brillantes de los personajes dominantes frente a los tonos apagados y difusos de las figuras circundantes, que literalmente tienden a desaparecer en las sombras en los límites de la escena. La obra forma parte de esa gran producción decimonónica que se nutre del tema histórico o literario, replanteándolo en clave romántica. El cuadro, restaurado y reasentado, se presenta en un marco importante de la segunda mitad del siglo XIX, con algunas carencias.

Los caminantes 1910

Óleo sobre cartón. En la parte inferior izquierda está la inscripción autografiada "Bozzetto per una copy", con la firma y la fecha Natale 1910; el título en la parte inferior derecha. Se trata de un boceto para una réplica con variaciones del cuadro homónimo realizado por Carena en 1907, gran monumental (159 x 300 cm), expuesto en la Bienal de Venecia de 1909 y actualmente conservado en los Museos Cívicos, Galería de Arte Moderno de Udine, Algunos en la obra aparecen figuras en movimiento, precisamente de caminantes, representando las diferentes categorías de la humanidad, hombres y mujeres, adultos y niños, viejos y jóvenes, pero todos viajando en la misma dirección. En comparación con el original, en este boceto con rasgos faciales aún sin definir, las figuras están colocadas en posiciones ligeramente diferentes, con el joven envuelto en una capa roja en el centro, y faltan la parte inferior y el fondo. Los colores son casi duros, vivos, esparcidos con pinceladas rápidas y con contornos indefinidos. El cuadro pertenece a la etapa pictórica todavía simbolista de Carena, inspirada en el simbolismo francés de Eugène Carrière, etapa que finaliza con su participación en la Bienal de 1912. La obra se presenta en un marco coetáneo.

Paisaje nevado con figuras 1872

Pintura al óleo sobre lienzo. Firmado, fechado en 1872 y ubicado en Parma en el ángulo inferior derecho. Se trata de un gran paisaje invernal de fuerte impacto escénico, que encaja bien en el tradicionalismo escenográfico de la pintura de Mentore Silvani, artista nativo de Traversetolo (Parma), paisajista pero también conocido como escenógrafo. En la escena, salpicada por el blanco de una corta nevada que crea esa típica atmósfera invernal enrarecida y silenciosa, entre árboles desnudos y secos, un camino de terracería serpentea atravesado por un viajero; a la derecha un edificio en ruinas con un lavadero donde una mujer saca agua; en el centro una pequeña columna sobre la que está montada una imagen sagrada. Formado en su ciudad natal, Silvani participó en las exposiciones del Estímulo de Parma a partir de 1864, y es principalmente en su ciudad donde sus obras se encuentran hoy (en el Municipio de Parma, la Galería Nacional, la escuela secundaria artística Paolo Toschi) ; sin embargo, también expuso en Milán (1872) y Florencia (1875). Formado como escenógrafo en la escuela de Gerolamo Magnani, Silvani ocupó este cargo en Parma pero también en Venecia a partir de 1871. Su producción pictórica, que incluye principalmente paisajes rurales de la campiña de Parma, se caracteriza siempre por la fidelidad a la realidad. El trabajo propuesto aquí se presenta en un marco contemporáneo.

Óleo sobre la mesa. Escuela central italiana de la segunda mitad del siglo XVI. La escena sagrada de la Anunciación ve a las dos figuras protagonistas colocadas en primer plano en un interior que corresponde a la habitación de María. La joven está sentada frente a un pequeño escritorio de madera, sostenido por figuras de ángeles, sobre el que descansa el libro de oraciones y un pequeño jarrón con flores; a sus pies, el costurero. El cuerpo de María está parcialmente girado hacia atrás, en un movimiento retorcido, casi como si intentara escapar, como si quisiera alejarse de la otra figura, la del Arcángel Gabriel. Está de pie a la derecha, majestuoso y elegante, con una mano sosteniendo un lirio y la otra apuntando hacia arriba, sobre él, donde la paloma blanca, símbolo del Espíritu Santo, emerge de un hueco de luz. Al fondo, altas columnas con cortinas coronan la plataforma sobre la que descansa la cama de Mary. La composición remite, en el estilo figurativo y en las elecciones cromáticas, a la pintura ya manierista de las escuelas del centro de Italia: en particular, hay una fuerte concordancia de estilo y composición con algunas obras del mismo tema del pintor Bastiano Vini Detto. Bastiano Veronese (1525/1530 - 1602), que vivió y trabajó en Pistoia hacia 1540. Es en esta ciudad donde se encuentran algunas de sus Anunciaciones: en particular la de la Iglesia de Santa Maria delle Grazie (un retablo de más de dos metros de altura), muestra claras similitudes a nivel formal y compositivo con la que aquí se presenta. . Hay concordancia en la ambientación de la escena sagrada: una habitación, al fondo de la cual hay una cortina que cubre parcialmente una cama, amueblada con los elementos esenciales para la narración, el atril y la silla ricamente decoradas con cariátides de querubines o ángeles. que parecen tallados en la madera. El esquema compositivo se corresponde, aunque con ligeras variaciones, con las dos figuras dispuestas "a modo de friso" en el mismo plano de colocación, y también se corresponden los rasgos somáticos de la Virgen y el Arcángel. Sin embargo, difiere el suelo, que si bien en nuestra mesa es homogéneo, en Pistoia se presenta con colores alternados en forma de damero, pero parece que este diseño del suelo se añadió en una época posterior, con motivo de la reconstrucción de el altar en 1637 -1639, junto con el de otra obra del mismo Sebastiano Vini en la misma iglesia, una Conversación Sagrada. Por tanto, parece bastante seguro que nuestro panel fue pintado siguiendo la obra de Bastiano Veronese, probablemente por petición expresa del cliente, y antes del cambio de suelo, por lo que se remonta a la segunda mitad del siglo XVI. La pintura ha sido restaurada, con la aplicación de dos refuerzos en la parte posterior del panel. Se presenta en una ambientación de finales del siglo XIX. (Referencia del retablo de Pistoia: Catálogo del patrimonio cultural https://catalogo.beniculturali.it/detail/HistoricOrArtisticProperty/0900035285)

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela napolitana del siglo XVIII. La escena, ubicada cerca del mar, está dominada por un gran complejo de ruinas arquitectónicas, con estatuas, arcos, jardines colgantes y animado por numerosas figurillas de plebeyos dedicados a diversas actividades. Restaurado y revestido, el cuadro se presenta en un marco antiguo.

Italia mediados del siglo XIX

Estatua femenina en mármol blanco estatuario, personificación alegórica del otoño, Italia mediados del siglo XIX. Figura entera vestida a la antigua usanza con toga, tocado de hojas de parra y racimos de uvas, estos últimos colocados también en el lado izquierdo; con su brazo derecho sostiene frutos de otoño. Descansando sobre una base circular. Pequeños descansos.

Temple sobre papel, aplicado sobre tableros duros. El episodio bíblico narrado en el libro del Éxodo cuenta cómo el joven Moisés, todavía en la corte del faraón de Egipto, defiende a las siete hijas del sacerdote Jetro, molestadas por unos pastores madianitas mientras sacan agua del bien. Tras esta intervención, Moisés recibirá como esposa a una de las hijas de Jetro, Sefora. Sujeto ampliamente replanteado en el arte, se presenta aquí con especial atención al componente del retrato, con una particular exacerbación de los rasgos expresivos, tanto en los rostros como en las poses, de los personajes. La escena es muy viva, con la figura de Moisés en el centro, vigorosa y combativa, que divide el campo en dos: a su izquierda las siete muchachas, cada una caracterizada por un comportamiento diferente; a la derecha los pastores importunos, que sufren la ira de Moisés. Al fondo, un paisaje típico de las producciones del siglo XVIII, con una ruina arquitectónica detrás del pozo. La obra se presenta en un marco de estilo.

Escena de asedio

Pintura al óleo sobre lienzo. Fuera de las fortificaciones de una ciudad, un líder, rodeado por sus soldados, está a punto de encender la mecha del cañón. El ejército defiende la ciudadela fuera de los muros y los soldados escanear hacia abajo el horizonte buscando: esto lleva con nosotros para realizar la escena sobre las fortificaciones de una ciudad, en particular las de Génova que se alza sobre las montañas detrás y desde el cual el genovés defendió la ciudad de los ataques del mar; la ubicación en Génova está respaldada por la pancarta que ondea sobre las paredes, la bandera Croce di San Giorgio (cruz roja sobre fondo blanco) de la República de Génova. La forma de las armaduras, armas y vestimentas se referiría al asedio de Génova en 1522. Se trata, por tanto, de la representación decimonónica de un episodio histórico, que por tanto forma parte de esa producción pictórica difundida en Italia en el siglo XIX, inspirada en la nueva novela histórica propuesto por la literatura. En la parte posterior del marco está el nombre G. Boni, junto con un número que hace referencia a la participación en una exposición oficial. Giovanni Boni fue alumno de la Academia de Brera, en particular seguidor de Giuseppe Sogni, un artista que entre los primeros favoreció la pintura histórica en sus innovadoras declinaciones románticas. De Boni no se sabe mucho, ni desde el punto de vista biográfico ni desde su producción. De su atribución segura sólo conocemos el Desnudo de hombre (Academia pintada) con el que obtuvo el primer premio de la Scuola del Nudo de Brera en 1852. La obra expresa las figuras y el patetismo de la escena con eficacia expresiva; los personajes en primer plano están muy bien caracterizados en sus poses, expresiones, en los detalles de la ropa y las armas, mientras que las otras figuras se desvanecen en el fondo, sugiriendo la presencia de un gran ejército. La pintura, todavía en el primer lienzo, muestra pequeñas gotas de color difusas. Se presenta en un marco elegante.

Pintura al óleo sobre lienzo. Intenso y de calidad, el cuadro representa a un monarca de la casa real de Escocia. Alrededor del retrato, en un marco ovalado pintado, hay algunas escrituras: el nombre Rober (t) aparece en la parte superior izquierda, el título Rex en la parte inferior izquierda y la abreviatura Scot a la derecha, que significa Scotorum; la escritura en la parte superior derecha no es identificable, pero parece ser un acrónimo. El hombre retratado viste un sombrero y una chaqueta adornada con piel de armiño, considerada la piel más noble reservada a la realeza. Lleva un colgante de oro alrededor del cuello, que representa dos hojas con el fruto del cardo, que en heráldica simboliza Escocia. Por tanto, la escritura y el colgante se refieren a un Roberto de Escocia, probablemente de la dinastía que reinó en el siglo XIV. El retrato también se realizó en el período romántico del siglo XIX, probablemente utilizando algunos grabados antiguos como inspiración. Restaurado y revestido, se presenta en un marco de época.

Lombardía principios del siglo XVIII

Escultura de ángel barroco sosteniendo un jarrón en madera de tilo tallada y repintada íntegramente de negro en época posterior, Lombardía, principios del siglo XVIII. La figura, vestida con una túnica decorada con lambrequines, está colocada sobre una base sostenida por cuatro pies salvajes. Las catas realizadas sacaron a la luz los colores originales.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Italia. La representación de la Natividad se ve aquí como un momento contemplativo del Santo Niño, por María y José, acompañados de angelitos. Los caminos pictóricos retoman los de modelos ampliamente replicados, partiendo de Correggio, de Barocci, para llegar a las numerosas versiones de Gherardo delle notte, o del pintor flamenco Gerard Von Honthorst, representante del tenebrismo, corriente pictórica que jugaba con fuertes contrastes de tinieblas. y la luz, la luz y la oscuridad. También en esta obra, la luz irradiada por el Niño Jesús ilumina las figuras que lo rodean y las hace emerger de la oscuridad circundante. La obra restaurada y revestida se presenta en un marco del siglo XIX.

Baco borracho

Pintura al óleo sobre lienzo. Firmado abajo a la derecha. El dios se representa de pie para llenar la escena, cubierto únicamente con un paño que le envuelve la cintura y con hojas de hiedra, colocado sobre sus costados y sobre su cabeza, mientras sostiene una copa en una mano; la mirada está vacía y desconcertada. Detrás de él, un putto semi-reclinado juega con una hiedra. Alrededor, nubes blancas, al igual que el suelo es blanco, con destellos de cielo azul y un arbusto verde para crear los únicos contrastes. En el reverso de la obra hay una etiqueta "Mario Galli Collezione d'Arte", con el número de catálogo 64 y una inscripción manuscrita del artista. La obra representa bien la pintura de este artista de Módena, pero que se formó artísticamente primero en Roma y luego en Florencia, donde pasó la mayor parte de su vida. Su rica producción inicialmente proponía sobre todo temas históricos, pero luego también recurrió a los retratos y finalmente a los paisajes: su singularidad se reconoce en la capacidad de ir desde el tema histórico, a menudo colocado en escenarios obtenidos de la antigua Pompeya, hasta el naturalismo de la Estilo Macchiaioli, de su segundo período, en el que Muzzioli buscaba una percepción significativa de la atmósfera y la luz en temas inspirados en el ambiente rural toscano, a menudo situado en la antigüedad. En esta obra, retrato de un personaje mitológico, brilla con fuerza la intención luminista del artista, la búsqueda del efecto de la luz que juega sobre los cuerpos desnudos del dios y el putto, para luego desvanecerse en el fondo. La etiqueta de la galería de arte remite al florentino Mario Galli (1877 -1946), escultor que también fue un importante coleccionista de obras, sobre todo de los Macchiaioli. La obra tiene una fisura importante y ha sido rebasada. Se presenta en un elegante marco.

Pintura al óleo sobre lienzo. En la gran escena ambientada en el exterior, se destaca en el lado izquierdo el laboratorio de un herrador, que intenta con sus ayudantes trabajar las herraduras de un caballo mientras el dueño atiende; en el centro llegan otros caballeros con sus sirvientes que van al artesano; a la derecha algunas figuras populares descansando al borde de la carretera. Al fondo, un gran paisaje fluvial se abre a la derecha, mientras que a la izquierda está el acceso al pueblo, presidido por un edificio ruinoso, con varias figuras populares concentradas en sus actividades: la mujer que está a punto de amamantar a un niño. , mientras que el otro hijo se escapa por la escalera, otra mujer colgando la ropa en el balcón de la casa construida sobre pilotes en la roca, mientras que un hombre sube por la escalera. Es una obra realizada con gran probabilidad por un autor flamenco que trabaja en Lombardía. Algunas referencias a la ropa y la construcción ciertamente indican contaminación del norte de Europa, mientras que otros detalles indican la ubicación de la construcción en Lombardía. La pintura proviene de una prestigiosa residencia histórica de una familia noble lombarda. Aún en el primer lienzo, tiene algunos cortes y un agujero en la banda inferior; en la parte posterior algunos parches de una restauración antigua. Se presenta en un marco coetáneo delgado.

Pintura al óleo sobre lienzo. La gran escena se desarrolla a la entrada de un pueblo cerca de una parada para los caballos: numerosos jinetes están parados con sus bestias, que son provistas por los sirvientes y los aldeanos que llenan de heno el pesebre; uno de los sirvientes, a la derecha, hace agua a los animales en el arroyo cercano. Al fondo, las casas del pueblo dispuestas a lo largo del río, que luego desemboca en el paisaje montañoso de la derecha. Es una obra realizada con gran probabilidad por un autor flamenco que trabaja en Lombardía. Algunas referencias a la ropa y la construcción ciertamente indican contaminación del norte de Europa, mientras que otros detalles indican la ubicación de la construcción en Lombardía. La pintura proviene de una prestigiosa residencia histórica de una familia noble lombarda. Aún en el primer lienzo, tiene algunos cortes en la banda inferior. Se presenta en un marco coetáneo delgado.

proyecto de escultura

Lápiz sobre papel con filigrana. Firmado abajo a la izquierda. El dibujo va acompañado de una autenticación en foto del Archivo Fausto Melotti, con código DIS 36 015, que muestra los datos de la obra. Fausto Melotti fue un artista multifacético y muy prolífico y es casi imposible vincular su producción a una técnica o tema en particular, sin brindar solo una visión parcial de su visión artística. Los rasgos sobresalientes que son constantes en Melotti son la geometría, el estudio de la abstracción, que lo lleva a utilizar elementos realistas pero no científicamente precisos, y la disposición de los elementos para que recuerden un ritmo musical, detalle que remite a su formación como músico. Escultor, pintor, músico, poeta, realizó numerosos dibujos de diseño para sus obras. Dibujar representó para él un ejercicio fundamental, transfundir el rasgo gráfico original de las hojas de papel a las esculturas y cerámicas. Las esculturas por las que es más conocido están formadas por elementos geométricos elaborados con metales (latón, hierro y oro) trabajados en finos filamentos, dando vida a composiciones etéreas, ingrávidas y casi frágiles. La obra se presenta en un marco.

Italia central Siglo XVII

Escultura barroca en nogal, centro de Italia siglo XVII. La figura masculina, creada para ser vista en una posición elevada con respecto al observador y originalmente parte de un grupo escultórico más grande, se caracteriza por cabello ondulado y barba, el brazo derecho llevado hasta el mentón mientras que el izquierdo en una posición envolvente, en el acto de apoyar un objeto o agarrarse a algún elemento de apoyo; ataviada con un rico drapeado que deja al descubierto la parte superior del busto y las piernas, una doblada y la otra estirada. El volumen y la plasticidad del cuerpo, combinados con la sensación de movimiento que transmite el giro, remiten a la producción escultórica del barroco romano.

Tres Caras Ocho Hojas

Gouaches sobre papel. En el reverso hay pegatinas de la subasta de Sotheby's con el nombre del artista y el título original "Tres caras ocho hojas". Se trata de dos dibujos similares, con el mismo tema aunque con pequeñas diferencias, y coloreados con técnicas distintas. Jean Cocteau fue un artista polifacético: escritor, dramaturgo, dramaturgo, también incursionó en las artes visuales, amando experimentar con todas las vanguardias de su siglo. Jean Cocteau publicó su primer libro de dibujos en 1923, con tan solo 36 años. En él el poeta retrató a sus amigos Raymond Radiguet, Pablo Picasso, Erik Satie, Francis Poulenc, pero también numerosas escenas de la vida cotidiana parisina, los ballets rusos de Nijinski, alegorías, caricaturas, imágenes poéticas. Cocteau se revela como un talentoso dibujante, pero sobre todo un artista capaz de captar la esencia de los rostros, los comportamientos y las debilidades humanas. Obra enmarcada.

Paisaje invernal con figuras sobre hielo

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela flamenca del siglo XVII-XVIII. En el marco hay una etiqueta que atribuye a Thomas Heeremans (pero con fecha incorrecta). La gran escena ofrece un paisaje invernal propio del territorio holandés, ya que se caracteriza por un canal helado, cerca de un pueblo, poblado por numerosas figuras de patinadores, absortos en sus actividades cotidianas: el trineo tirado por caballos para el transporte de personas, el hombre el que empuja la "carretilla" llena de leña, el niño que se empuja a sí mismo en su cajita; otras figuras pasan por el terraplén a lo largo del canal. El cielo gris y frío de un día de invierno se cierne sobre todo. El tema fue recurrente en la producción del pintor holandés Thomas Heeremans, quien pintó principalmente paisajes invernales de su tierra, replicándolos en varias ocasiones debido al éxito obtenido, e induciendo a numerosos otros artistas a imitarlo; por lo tanto, se cree que este trabajo se remonta a un imitador de los Heereman, en lugar de a él directamente. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco de época.