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marcelo jori
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marcelo jori

En el Piso Interior

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marcelo jori

En el Piso Interior

Acrílicos sobre tabla. Acompañado de autentificación sobre foto autografiada del autor, con sello de la Galería Verlato de Milán. La obra que aquí se presenta forma parte de la rica serie de obras denominada por el artista Cristalli, por la referencia a las geometrías de estos minerales, a los que considera contenedores de energía y luz. Sobre un tablero de forma tridimensional con salientes asimétricos, recordando la estructura de un cristal, Jori pinta elementos que emergen del fondo, con opciones cromáticas que hacen referencia a la misma gama pero con tonalidades distintas, para emular los reflejos de la luz. La obra procede de una importante colección privada milanesa.

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río Salvatore
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río Salvatore

isla de las estatuas

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río Salvatore

isla de las estatuas

Óleo sobre madera contrachapada. Firmado abajo a la derecha. Complete con autenticación en la foto de la hija. La obra forma parte de la serie de pinturas de Salvatore Fiume conocida como Ciudad de las estatuas e Islas de las estatuas, en las que es evidente la influencia de la pintura renacentista italiana, así como de las obras metafísicas de maestros italianos como Giorgio de Chirico, Alberto Savinio y Carlo Carrà. Ciudades e Islas están formadas por elementos arquitectónicos con formas humanoides, que aúnan pintura, escultura y arquitectura. Salvatore Fiume fue un artista polifacético, pintor, escultor, arquitecto, escritor (publicó novelas, cuentos, tragedias, comedias y poemas) y escenógrafo (colaboró con el Teatro alla Scala de Milán, con el Covent Garden de Londres y con el Teatro Máximo de Palermo). Tras formarse en el Real Instituto de Arte del Libro de Urbino, se trasladó a Milán donde entabló relaciones con importantes intelectuales de la época, entre ellos Quasimodo y Buzzati. Comenzó su actividad como Director de Arte en Ivrea, pero pronto se trasladó a Canzo para dedicarse a tiempo completo a la pintura, su verdadera pasión, al mismo tiempo que realizaba algunos experimentos en el campo escultórico y arquitectónico. Con motivo de su primera exposición, en 1949 en la Galería Borromini, obtuvo un gran éxito de público y crítica. Fiume viajó mucho y expuso por todo el mundo, asimilando los usos, costumbres, culturas y ambientes de cada lugar donde se alojó y reproponiéndolos en sus obras. En 1993 viajó a Polinesia para visitar y dejarse influenciar por los lugares donde vivió el famoso Paul Gauguin y creó grandes obras maestras. Las obras de madurez de Salvatore Fiume están fuertemente influenciadas por el arte de Gauguin y las atmósferas exóticas: tonos cálidos, fuertes contrastes cromáticos, formas simples, temas fantásticos y escenarios casi metafísicos. Las protagonistas de este período creativo suelen ser mujeres mediterráneas y orientales con curvas y sensuales. Hoy en día, las obras de Salvatore Fiume se conservan en importantes colecciones privadas y museos italianos y extranjeros, incluidos los Museos Vaticanos, el Hermitage de San Petersburgo, el MoMA de Nueva York, el Museo Pushkin de Moscú. La obra está enmarcada.

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ARARPI0133840

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Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela lombarda del siglo XVII. El caballero está representado de pie, a tamaño natural, en el interior de la casa; apoya su mano derecha sobre una mesita cubierta de terciopelo rojo, bajo una ventana que se abre a un gran paisaje fluvial. Cerca de sus pies, a la izquierda, el perro fiel, también en pose digna y serena; en su cuello destaca el rico collar de metal dorado y trabajado, adornado con un colgante con una piedra dura. El traje negro con el que va vestido el hombre se funde casi por completo con el fondo oscuro y tenebroso de la estancia, si no fuera por los reflejos en las mangas de la luz que entra por la ventana y por el delicado encaje blanco de la gorguera y puños que enmarcar la tez rosada del rostro y las manos. La representación cualitativa de la obra es notable, en particular en el rostro, bien definido en sus rasgos y expresivo, así como en los rasgos anatómicos del animal, cuya mirada es tan intensa y penetrante como la del propietario. El retrato forma parte de esa extensa producción retratística que desde finales del siglo XVI se convierte, en Lombardía en particular con Moroni, ya no sólo en una presentación oficial y elitista de personajes importantes, sino en una representación de las personas en su naturalidad, en su verdadera esencia, retratada en poses menos estáticas y en escenarios menos oficiales. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un hermoso marco de madera tallada y dorada de principios del siglo XX.

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El sacrificio de Ifigenia
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El sacrificio de Ifigenia

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El sacrificio de Ifigenia

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela napolitana de mediados del siglo XVIII. La pintura propone el mito griego del sacrificio de Ifigenia, la hija del rey Agamenón, líder de la expedición aquea que debía partir hacia Troya. Como la flota griega no podía hacerse a la mar debido a los vientos desfavorables, el adivino Calcante predijo que, debido a una ofensa que el rey había infligido a la diosa Artemisa, ahora se oponía a su partida hasta que el rey no sacrificara a su pequeña hija. en el altar Ifigenia aceptó valientemente el sacrificio y subió espontáneamente al altar, pero en el último momento Artemisa, compadecida, la cambió por un cervatillo y se llevó viva a la niña en Tauris, donde se convirtió en sacerdotisa de la diosa que la había salvado. La gran escena, ambientada fuera del campamento griego junto al mar (los barcos anclados al fondo a la izquierda, las tiendas a la derecha), ve en el centro a la diosa Artemisa que cambia a la joven y hermosa Ifigenia por el cervatillo, mientras el el cura Calcante ya tiene en la mano el cuchillo del sacrificio; a la derecha la desesperación del rey Agamenón y su esposa Clitemnestra. La pintura es estilísticamente cercana a la producción de Fedele Fischetti (1732-1792), el artista napolitano que se dedicó principalmente a las escenas alegóricas/mitológicas, en particular en sus primeras obras de la década de 1860. La obra que aquí se presenta fue subastada en Sotheby's en abril de 1998. Restaurada y revestida, se presenta en un marco de estilo.

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Capriccio Arquitectónico con Figuras
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Capriccio Arquitectónico con Figuras

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Capriccio Arquitectónico con Figuras

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela napolitana del siglo XVIII. De gran impacto y de buena calidad ejecutiva, la obra remite en cierto modo a la obra de Leonardo Coccorante (1680-1750), artista napolitano conocido por sus detallados paisajes de gran escala caracterizados por ruinas arquitectónicas clásicas, confirmando así la hipótesis de trabajo en la zona napolitana. Todo el escenario está ocupado por imponentes estructuras arquitectónicas, de estilo barroco, entre las que se mueven diversas figuras. En particular, en el centro, en primer plano, se destacan unos soldados a caballo con armadura de la antigua Roma, al frente de un pelotón de infantería, armados con lanzas, y precedidos por trompetas; todos están atentos a admirar la ciudad en la que entran, mientras a su alrededor, los ciudadanos atentos a sus actividades los observan. Restaurada y rebasada, la pintura aún presenta algunas pérdidas de color. Se presenta en un elegante marco.

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Mentor Silvani
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Mentor Silvani

Paisaje nevado con figuras 1872

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Mentor Silvani

Paisaje nevado con figuras 1872

Pintura al óleo sobre lienzo. Firmado, fechado en 1872 y ubicado en Parma en el ángulo inferior derecho. Se trata de un gran paisaje invernal de fuerte impacto escénico, que encaja bien en el tradicionalismo escenográfico de la pintura de Mentore Silvani, artista nativo de Traversetolo (Parma), paisajista pero también conocido como escenógrafo. En la escena, salpicada por el blanco de una corta nevada que crea esa típica atmósfera invernal enrarecida y silenciosa, entre árboles desnudos y secos, un camino de terracería serpentea atravesado por un viajero; a la derecha un edificio en ruinas con un lavadero donde una mujer saca agua; en el centro una pequeña columna sobre la que está montada una imagen sagrada. Formado en su ciudad natal, Silvani participó en las exposiciones del Estímulo de Parma a partir de 1864, y es principalmente en su ciudad donde sus obras se encuentran hoy (en el Municipio de Parma, la Galería Nacional, la escuela secundaria artística Paolo Toschi) ; sin embargo, también expuso en Milán (1872) y Florencia (1875). Formado como escenógrafo en la escuela de Gerolamo Magnani, Silvani ocupó este cargo en Parma pero también en Venecia a partir de 1871. Su producción pictórica, que incluye principalmente paisajes rurales de la campiña de Parma, se caracteriza siempre por la fidelidad a la realidad. El trabajo propuesto aquí se presenta en un marco contemporáneo.

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Busto en mármol Luigi Crippa
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Busto en mármol Luigi Crippa

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Busto en mármol Luigi Crippa

Escultura de mármol que representa a un caballero. Detrás, firma grabada del autor y fecha de producción.

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Busto de mármol Costantino Pandiani
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Busto de mármol Costantino Pandiani

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Busto de mármol Costantino Pandiani

Escultura de mármol que representa a un caballero. Firma del autor y fecha de producción grabada al dorso.

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Tema histórico
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Tema histórico

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Tema histórico

Pintura al óleo sobre lienzo. Mediados del siglo XIX. La gran escena narra un episodio histórico no identificado, ambientado en la época del Renacimiento, en el que un arzobispo escucha la súplica de un joven en armas, acompañado de su madre, que apoya su súplica. El escenario es el interior de la sala de recepción del alto prelado, presumiblemente en el palacio del obispo, que desde la logia del fondo se asoma a la Catedral, cuya cúpula se vislumbra; el obispo está rodeado de sus subordinados y guardias, mientras asisten diferentes personas del pueblo. Particular es la presencia del hombre sentado en primer plano a la izquierda, que mira hacia el espectador y señala la escena, como si la estuviera contando. La atmósfera se juega con los contrastes entre luces y sombras, entre los colores brillantes de los personajes dominantes frente a los tonos apagados y difusos de las figuras circundantes, que literalmente tienden a desaparecer en las sombras en los límites de la escena. La obra forma parte de esa gran producción decimonónica que se nutre del tema histórico o literario, replanteándolo en clave romántica. El cuadro, restaurado y reasentado, se presenta en un marco importante de la segunda mitad del siglo XIX, con algunas carencias.

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Venecia vista de la laguna
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Venecia vista de la laguna

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Venecia vista de la laguna

Pintura al óleo sobre lienzo. Siglo xix. Una mirada sugerente a la laguna de Venecia, con barcos pesqueros de velas vivas en el centro, y al fondo el perfil de la ciudad sobre el que destaca a la derecha el campanario de la basílica de San Marco. El tema de los colores y las atmósferas cálidas, la nitidez y la minuciosa descripción de los detalles, recuerda algunas obras de la pintora Antonietta Brandeis (1848-1926), conocida paisajista ucraniana que estudió arte en Venecia y fue la autora de pinturas arquitectónicas con destellos detallados de ciudades italianas. No es atribuible a ella (quien suele firmar sus obras), sino que remite a una autora contemporánea igualmente eficaz. La pintura se presenta en un marco de principios del siglo XX.

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Busto de Niño en Mármol
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Busto de Niño en Mármol

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Busto de Niño en Mármol

Escultura de mármol blanco de estilo renacentista que representa el busto de un niño. El traje con sus pliegues y mangas finamente talladas con bordados resaltan la buena capacidad escultórica del artista anónimo.

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Joseph Zais
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Joseph Zais

Paisaje fluvial con pastora infantil y rebaños

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Joseph Zais

Paisaje fluvial con pastora infantil y rebaños

Pintura al óleo sobre lienzo. La pintura está acompañada por la experiencia de dos historiadores del arte, el dr. Dario Succi y la Dra. Federica Spadotto. Ambos confirman la atribución del cuadro a Giuseppe Zais, "el maestro de Belluno reconocido unánimemente como uno de los más originales y genuinos intérpretes del gran paisaje veneciano del siglo XVII". En el paisaje, bajo las ramas de un árbol que enmarca la izquierda y con el fondo de montañas azules, una pastora y su pequeño hijo destacan en primer plano, haciendo que sus animales (ovejas y vacas) rieguen del río. El Zais, tras una formación inicial en su país natal en la escuela de su compatriota Marco Ricci, que se trasladó a Venecia en 1732, pronto pasó a formar parte de las filas de los arquitectos paisajistas de lagunas, apreciados y contratados para grandes obras decorativas en los palacios de la ciudad. En la década de 1970 el Zais abandonó esta producción y optó por dedicarse solo a obras pequeñas, que reflejaban una adhesión al mundo de los humildes y una dimensión contemplativa del pasado, raramente sujetos presentes en las pinturas de importantes clientes. El trabajo que aquí se presenta se puede considerar un ejemplo de esta última fase creativa, de acuerdo con los historiadores del arte en los años 70 del siglo XVIII: el Zais propone un paisaje faldas en lugar estéril, donde la pastora seguido por su pequeño hijo jugar el su asignación, sin cualquier concesión a una belleza ideal, sino más bien con un recordatorio de una vida real precisa, dura, sencilla, hecha de esfuerzo y cariño al mismo tiempo. Incluso los colores del lienzo realzan la empatía del artista por el mundo que representa: los cálidos tonos dorados del paisaje, iluminados por el azul de los picos distantes que reverberan el del cielo, envuelven las figuras humanas y animales en primer plano, que surgen gracias a las pinceladas de materiales y colores más brillantes, pero no brillantes, especialmente en la lana de los animales y con ropa de mujer. También son peculiares de los Zais los rostros, redondos y llenos, con rasgos que se repiten siempre idénticos en las figuras campesinas de sus obras, asociadas a cuerpos torneados, vestidos con ropas que parecen papel maché. La obra muestra signos de restauración, aunque todavía en el primer lienzo. En la parte posterior hay una inscripción en alemán con el nombre del propietario anterior y la fecha "Navidad de 1977". Se presenta en un marco dorado de principios del siglo XX, con pequeñas grietas y carencias.

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Busto de mármol
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Busto de mármol

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Busto de mármol

Escultura de mármol que representa el busto de un hombre. Firma del autor "F. Parisi" grabada en la base.

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Busto de Madame du Barry en terracota
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Busto de Madame du Barry en terracota

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Busto de Madame du Barry en terracota

Escultura de terracota que representa a Madame du Barry.

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Estatua de piedra sin cabeza
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Estatua de piedra sin cabeza

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Estatua de piedra sin cabeza

Escultura de piedra sin cabeza que representa a un obispo.

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Arnaldo Soldini, una visión del país
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Arnaldo Soldini, una visión del país

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Arnaldo Soldini, una visión del país

Óleo sobre cartón. Firmado en la parte inferior derecha. La pintura, que representa a las casas de pueblo y las vistas desde la parte superior, con el telón de fondo de montañas cubiertas de nieve y las nubes, que pertenece a la producción paisaje típico y exclusivo de la importante autor de brescia, en la que retrató siempre en los lugares nativos a él queridos y familiares. Una etiqueta en la parte posterior de la adquisición de la Galería, la Campana de Brescia, en el año 1978, y desde entonces ha estado en una colección privada. Presentado en una preciosa contemporáneo marco.

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Alegoría del amor
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ARARPI0097148
Alegoría del amor

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Alegoría del amor

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Europa. Se trata de una divertida escena alegórica de amor profano, que pretende demostrar cómo todas las personas, de cualquier clase social y de todas las edades, pueden caer en la trampa del enamoramiento. El fondo del lienzo está ocupado por una enorme red de guarda, la red de canasta utilizada en algunos tipos de pesca, sobre cuya boca se sienta un putto violinista, decidido a tocar; la trampa está abarrotada de parejas, mientras que un desfile de otros pasa junto a ella para llegar a su entrada. Entre ellos hay parejas de ancianos y jóvenes, parejas de ricos y pobres, nobles, burgueses y proletarios: todos tienen expresiones alegres y ligeras, se miran enamorados o miran con bondad la felicidad de los demás. Dentro de la olla hay incluso un par de miembros de la realeza, que corresponden en características y vestimenta al elector palatino de Renania, Giovanni Guglielmo del Palatinado-Neuburg y a su segunda esposa Anna Maria Luisa de'Medici. En el reverso del cuadro hay una etiqueta con una atribución histórica a Jan Frans Douven (1656-1727): el artista holandés que a partir de 1682 se trasladó a Düsseldorf como pintor oficial en la corte del elector palatino de Renania, principalmente creando escenas de la vida diaria del príncipe y su segunda esposa. Por lo tanto, la etiqueta confirmaría el área de atribución a un artista del norte de Europa de los siglos XVII y XVIII. La pintura proviene de una colección histórica milanesa. Tiene rastros de restauraciones y parche. En un marco elegante.

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Cuatro retratos del rey Condottieri
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Cuatro retratos del rey Condottieri

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Temple aceitosa sobre lienzo. Escuela del norte de Italia. Se cree que las cuatro grandes obras formaron parte del aparato decorativo de un gran palacio. La técnica empleada - un temple untuoso aplicado sobre lienzo con una preparación muy ligera y un rayado rápido sin referencias precisas de las figuras - subraya la rapidez de ejecución, orientada a obtener obras con fines puramente decorativos en poco tiempo. Los cuatro grandes retratos muestran las figuras de reyes, reconocibles por diferentes atributos reales (coronas, cetros, mantos reales), pero representados como líderes, por lo tanto con armaduras y / o armas. La peculiaridad es que los personajes pertenecen a diferentes épocas y orígenes geográficos, como para rendir homenaje a las grandes figuras reales de la historia. La identificación de los personajes no es segura, aunque es posible hipotetizar algunos nombres: el rey con la corona de pobre metal pero con cúspides muy puntiagudas, que sostiene una espada con empuñadura en forma de cabeza de pájaro y está cubierta con un manto de tela tosca y una coraza sencilla de la que brotan elementos de piel, podría ser Atila, el rey de los hunos; la figura oriental, con un turbante adornado con piedras preciosas, podría ser un sultán otomano, como Suleiman; el guerrero con la armadura característica de la antigua Grecia, con el casco coronado por un dragón y el peto ricamente decorado con frisos, podría ser Alejandro Magno; Finalmente, el joven rey en armadura completa y coronada con un "sombrero de armas" casco, debido a sus características fisonómicas, se pudo identificar en Pedro I el Grande, zar de Rusia (1672-1725), aquí en un joven retrato. Las cuatro pinturas, aún en el primer lienzo, muestran huellas de restauraciones y adiciones, con algunos pequeños parches en el reverso. Provienen de una colección histórica boloñesa. Se presentan en marcos estilizados.

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Lamentación por el Cristo muerto
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Lamentación por el Cristo muerto

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Lamentación por el Cristo muerto

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Italia. Insertadas en un paisaje del Renacimiento tardío, la composición de las figuras se ordena según una diagonal ascendente hacia la izquierda y culminando más precisamente con las tres cruces del Calvario a lo lejos; En el centro está el cuerpo de Cristo, extendido aunque también de forma oblicua, detrás del cual tres figuras, San Juan, María en el centro y una mujer piadosa, la única representada con ropa del siglo XVII, probablemente retratando a una persona cercana al cliente. La obra puede situarse en la producción cultural lombardo-veneciana de la primera mitad del siglo XVI, más precisamente en la actividad pictórica que floreció entre Brescia, Garda y Verona, que tuvo máxima expresión en las formas manieristas de Giovanni Demio (1500- 1570 ca). En particular, algunos elementos se encuentran en la obra, especialmente en las formas de vestimenta y poses (por ejemplo de San Giovanni), que hacen referencia a modelos de molde rafaelesco muy utilizados, gracias a la mediación de grabadores como Marcantonio Raimondi (1480 - 1534 bis), lo que contribuyó a la difusión de las obras de los maestros. La pintura, restaurada y revestida, tiene amplias renovaciones. Se presenta en un marco antiguo, que data de alrededor del siglo XVII, repintado.

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Retrato de Eleonora Lampugnani
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Retrato de Eleonora Lampugnani

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Retrato de Eleonora Lampugnani

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela lombarda. La señora rica representada va acompañada de la inscripción identificativa en la parte superior derecha que dice "Eleonora Lampuniana Nupta N.V. Bartolomei De Cornu 1478": se trata, por tanto, de Eleonora Lampugnani, esposa de Bartolomeo Del Corno. La familia Lampugnani es una antigua familia patricia de Milán (el nombre deriva del distrito de Lampugnano), con residencias en Legnano y Busto Arsizio, y a la que Filippo Maria Visconti (duque de Milán) asignó el feudo de Trecate en el siglo XV; el marido de la noble pertenecía en cambio a la noble familia piamontesa Corno (originalmente llamada Del Corno). La mujer noble está representada de pie, con un espléndido vestido ricamente bordado y adornado con encajes; apoya la mano en una preciosa caja con incrustaciones de marfil, probablemente una vitrina, símbolo de riqueza y poder, coronada por un jarrón con flores, más bien un símbolo de vanidad. La pintura tiene una restauración antigua en las manos, que son de menor calidad que la del rostro, la ropa, el frasco de vidrio. La pintura proviene de una antigua colección lombarda. La fecha 1478 reportada con la inscripción, no está muy en consonancia con la indumentaria del siglo XVI: según la historia de la familia de origen del cuadro, la fecha que apareció antes de la última restauración fue 1578, y por lo tanto sería un cambio realizado. por error del restaurador.

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