Lithographie de Giuseppe Capogrossi - Composition abstraite

Maternité

Peinture à l'huile sur toile. Signé en bas à droite, peu lisible. Autre signature et titre au dos. Le thème de la nature, des paysages et des situations présents dans sa mémoire revient dans les œuvres de Mario Bionda, mais les figures humaines sont également récurrentes, représentées déformées et avec des choix de couleurs axés sur une seule palette de couleurs. Auteur d'une peinture qui exprime le drame humain intime, entre contemplation de la nature et raréfaction de l'image, Bionda a souvent aimé utiliser des techniques mixtes, superposant des matières naturelles et des pigments, des couleurs faisant allusion aux éléments de la nature (feu, eau, terre), dans les tons bruns et verts des bois et des marais, ou dans les blancs, gris et bleus du ciel et de la mer. Dans cette œuvre la maternité est dépeinte accompagnée de la présence vigilante du père, dans les gammes chromatiques de beige, avec des inserts de marron et de bleu, qui créent une atmosphère chaleureuse et douce dans l'ensemble. Le tableau est présenté dans un cadre.

Chiffres dans le bleu

Peinture à l'huile sur toile. Signé en bas à droite, peu lisible. Autre signature et titre au dos. Dans les œuvres de Mario Bionda, le thème de la nature, des paysages et des situations présentes dans sa mémoire revient, mais les figures humaines sont également récurrentes, représentées déformées et avec des choix de couleurs axés sur une seule palette de couleurs. Auteur d'une peinture qui exprime le drame humain intime, entre contemplation de la nature et raréfaction de l'image, Bionda a souvent aimé utiliser des techniques mixtes, superposant des matières naturelles et des pigments, des couleurs faisant allusion aux éléments de la nature (feu, eau, terre), dans les tons bruns et verts des bois et des marais, ou dans les blancs, gris et bleus du ciel et de la mer. Ici les deux personnages, une mère et un fils, sont représentés plongés dans les dégradés bleus du fond, également soulignés dans le titre. Le tableau est présenté dans un cadre.

Printemps été automne hiver

Quatre sérigraphies sur toile. Signé en bas à droite. Numéro de série 100/125 en bas à gauche. Accompagnés de certificats d'authenticité individuels avec photos, délivrés par l'Institut Seledi. Ulisse Sartini, originaire de Plaisance mais qui vit et travaille à Milan, est considéré comme l'un des plus importants portraitistes italiens vivants. Dans sa production, il y a des portraits de divers papes, personnalités politiques italiennes et étrangères, personnalités du monde du spectacle et du théâtre. Il est considéré par les critiques d'art comme un peintre d'une capacité exécutive extrêmement élevée, qui définit souvent ses œuvres selon les canons de la Renaissance. Les allégories des quatre saisons sont présentées ici, sous les traits de quatre jeunes et belles femmes, drapées de tissus différents, tenant chacune dans ses mains une fleur ou un fruit de la saison qu'elle représente. En arrière-plan, des signes faisant référence à la cosmologie, récurrents dans la production de Sartini. Les œuvres sont présentées dans un cadre.

L'ensemencement 1979

Huile sur verre. Signé et daté en bas à droite, du symbole de l'artiste, la figure stylisée d'un homme en fauteuil roulant. Au dos de l'étiquette avec une signature supplémentaire et les données de l'œuvre. La peinture de style naïf propose un moment de vie paysanne, ou plutôt les semailles du petit champ ; le fermier travaille dans le petit lopin de terre, presque un potager, avec les poules qui picorent autour de lui, et des collines verdoyantes tout autour, illuminées par un immense soleil étincelant. Il s'agit d'une œuvre sur verre du peintre Mario Previ, qui vit et peint en fauteuil roulant depuis l'âge de dix-huit ans, en raison d'une tétraplégie résultant d'un plongeon dans son Taro. Il disait de lui-même : « Le monde, le temps qui passe, de ce point de vue (le fauteuil roulant) enseigne beaucoup de choses. On apprend à se réveiller chaque matin avec un but, même si son corps souffre, si chaque geste génère souffrir et dépendre des autres et abandonner pourrait être une solution facile. Et à la place, l'art, la peinture, ainsi que la sérénité de mon monde, des amis, me donnent une énergie incroyable. Ils m'ont sauvé, me donnant la force de vivre". En 1974, trois ans après l'accident, inspiré par une émission télévisée sur les peintres naïfs yougoslaves, notamment par les œuvres sur verre de Mijo Kovacic, Previ commence à peindre et à apprendre l'art de la peinture sur verre en autodidacte, jusqu'à être connu et apprécié pour ses peintures. Dans son naïf Mario Previ raconte une réalité qui a presque disparu, des histoires vraies même si sur un ton de conte de fées, il fait revivre des traditions perdues, des tranches de vie qui appartenaient à d'autres générations, celles de la civilisation paysanne (dont il est pourtant issu), mais ce qui ressort le plus de ses visions, ce sont les "forë", celles que l'on entendait autrefois dans les "firossi", les soirées traditionnelles des hameaux de Parme consacrées à se réunir pour raconter des anecdotes, des histoires et des curiosités historiques, souvent devant le feu dans la cheminée, quand dehors il faisait froid et il neigeait. L'oeuvre est présentée dans un cadre.

'guardo Ulisse Aldrovandi' 1991-92

Technique mixte sur papier. Au revers le cachet de l'artiste avec la signature, le titre et la date de l'oeuvre. Caccioni, artiste né, formé et vivant toujours à Bologne, est l'un des protagonistes d'une génération qui a maintenant atteint une maturation linguistique définitive et occupe une place prépondérante sur la scène artistique contemporaine. Ses recherches utilisent principalement des matériaux inhabituels tels que les acétates, le pvc et, plus récemment, des décors scéniques d'œuvres théâtrales du XIXe siècle, sur lesquels il intervient en peignant des formes tirées d'une mémoire personnelle et de suggestions provenant de différentes cultures et périodes historiques. Un élément récurrent dans l'œuvre de Luca Caccioni est l'écriture, un signe auto-signifiant qui dessine l'œuvre et est capable de raconter des pensées ; travaillant par superposition, les images sont construites en ajoutant ou en soustrayant la couleur sur les différents supports. Oeuvre présentée dans un cadre.

Vent 1991

Technique mixte sur papier. Au revers le cachet de l'artiste avec la signature, le titre et la date de l'oeuvre. Caccioni, artiste né, formé et vivant toujours à Bologne, est l'un des protagonistes d'une génération qui a maintenant atteint une maturation linguistique définitive et occupe une place prépondérante sur la scène artistique contemporaine. Ses recherches utilisent principalement des matériaux inhabituels tels que les acétates, le pvc et, plus récemment, des décors scéniques d'œuvres théâtrales du XIXe siècle, sur lesquels il intervient en peignant des formes tirées d'une mémoire personnelle et de suggestions provenant de différentes cultures et périodes historiques. Un élément récurrent dans l'œuvre de Luca Caccioni est l'écriture, un signe auto-signifiant qui dessine l'œuvre et est capable de raconter des pensées ; travaillant par superposition, les images sont construites en ajoutant ou en soustrayant la couleur sur les différents supports. Oeuvre présentée dans un cadre.

Technique mixte sur papier. Au dos le cachet de l'artiste avec la signature et la date de l'oeuvre. Caccioni, artiste né, formé et vivant toujours à Bologne, est l'un des protagonistes d'une génération qui a maintenant atteint une maturation linguistique définitive et occupe une place prépondérante sur la scène artistique contemporaine. Ses recherches utilisent principalement des matériaux inhabituels tels que les acétates, le pvc et, plus récemment, des décors scéniques d'œuvres théâtrales du XIXe siècle, sur lesquels il intervient en peignant des formes tirées d'une mémoire personnelle et de suggestions provenant de différentes cultures et périodes historiques. Un élément récurrent dans l'œuvre de Luca Caccioni est l'écriture, un signe auto-signifiant qui dessine l'œuvre et est capable de raconter des pensées ; travaillant par superposition, les images sont construites en ajoutant ou en soustrayant la couleur sur les différents supports. Ouvrage encadré.

Technique mixte sur papier. Au dos le cachet de l'artiste avec la signature et la date de l'oeuvre. Caccioni, artiste né, formé et vivant toujours à Bologne, est l'un des protagonistes d'une génération qui a maintenant atteint une maturation linguistique définitive et occupe une place prépondérante sur la scène artistique contemporaine. Ses recherches utilisent principalement des matériaux inhabituels tels que les acétates, le pvc et, plus récemment, des décors scéniques d'œuvres théâtrales du XIXe siècle, sur lesquels il intervient en peignant des formes tirées d'une mémoire personnelle et de suggestions provenant de différentes cultures et périodes historiques. Un élément récurrent dans l'œuvre de Luca Caccioni est l'écriture, un signe auto-signifiant qui dessine l'œuvre et est capable de raconter des pensées ; travaillant par superposition, les images sont construites en ajoutant ou en soustrayant la couleur sur les différents supports. Ouvrage encadré.

Technique mixte sur toile. Signé en bas à droite. La peinture de Kodra, peintre albanais formé artistiquement en Italie et actif dans le contexte milanais, consiste en une interprétation personnelle, de type fantastique, du cubisme, avec la particularité que les décompositions typiques du cubisme analytique sont proposées selon une approche de son propre cubisme plus que synthétique. Le paysage marin représenté ici, avec des voiliers naviguant près d'une côte, fait partie d'une production plus tardive, dans laquelle le pays natal est souvent évoqué.

Aperçu vénitien 1940

Huile sur panneau dur. Signé et daté en bas à droite. Le tableau fait partie de la production réaliste des années 1930-1940 de Pino Ponti, artiste vénitien formé à l'Académie avec Virgilio Guidi. Dans cette phase, sa peinture propose une représentation apparemment légère et improvisée de la réalité, qui est au contraire savamment élaborée et ambiguë. Après la guerre, à laquelle Pino Ponti participe en tant que partisan, sa peinture devient dramatique, de dénonciation, caractérisée par la présence de formes éparses, mais imprégnée d'une certaine agitation et d'accents grotesques. Le tableau est présenté dans un cadre.

Émail sur plaque de métal bombée. Au dos de l'étiquette de catalogage, des Smalti De Poli de Padoue, qui fait référence à l'artiste Paolo De Poli (1905-1996) : il s'agit d'un hommage à l'artiste padouan qui s'est distingué par ses œuvres en émail cuit sur métal. Dans le cadre.

Sculpture en bas-relief, avec fils métalliques, globe en aluminium et porte-lampe montés en forme de papillon sur un panneau en plastique noir brillant. Au dos de l'étiquette du Studio EF, modèle TOP, Made in Italy.