Tableau Contemporain Oeuvre de A. Fratteggiani Blanc Bleu 2002 - Bleu, 2002

Tempera, crayon et fusain sur papier. Signé au dos. Le dessin est enregistré dans les archives Fausto avec le code DIS 84020. Fausto Melotti était un artiste aux multiples facettes et très prolifique et il est presque impossible de lier sa production à une technique ou à un thème particulier, sans fournir qu'une vue partielle de sa vision artistique. Les traits saillants qui sont constants chez Melotti sont la géométrie, l'étude de l'abstraction, qui l'amène à utiliser des éléments réalistes mais non scientifiquement exacts, et à disposer les éléments de manière à ce qu'ils rappellent un rythme musical, un détail qui fait référence à sa formation de musicien. Sculpteur, peintre, musicien, poète, il réalise de nombreux dessins de conception pour ses œuvres. Le dessin représentait pour lui un exercice fondamental, pour transfuser le trait graphique originel des feuilles de papier dans les sculptures et les céramiques. Les sculptures pour lesquelles il est le plus connu sont constituées d'éléments géométriques réalisés avec des métaux (laiton, fer et or) travaillés en filaments fins, donnant vie à des compositions éthérées, en apesanteur et presque fragiles. L'oeuvre est présentée dans un cadre.

Crayon sur papier. Signé au dos. Le dessin est enregistré dans les archives Fausto Melotti, avec le code DIS 72006. Fausto Melotti était un artiste aux multiples facettes et très prolifique et il est presque impossible de lier sa production à une technique ou à un thème particulier, sans fournir qu'une vue partielle de sa vision artistique . Les traits saillants qui sont constants chez Melotti sont la géométrie, l'étude de l'abstraction, qui l'amène à utiliser des éléments réalistes mais non scientifiquement exacts, et à disposer les éléments de manière à ce qu'ils rappellent un rythme musical, un détail qui fait référence à sa formation de musicien. Sculpteur, peintre, musicien, poète, il réalise de nombreux dessins de conception pour ses œuvres. Le dessin représentait pour lui un exercice fondamental, pour transfuser le trait graphique originel des feuilles de papier dans les sculptures et les céramiques. Les sculptures pour lesquelles il est le plus connu sont constituées d'éléments géométriques réalisés avec des métaux (laiton, fer et or) travaillés en filaments fins, donnant vie à des compositions éthérées, en apesanteur et presque fragiles. L'oeuvre est présentée dans un cadre.

Sans titre

Technique mixte : photographie retravaillée avec applications de cire et superposition de panneau de plexiglas peint. Eva Petrič, une artiste d'origine slovène qui travaille actuellement entre New York, Vienne et Ljubljana, crée des photographies, des vidéos, des performances et des installations, dans lesquelles le but est de "créer un espace", qui peut être un espace physique, plutôt qu'un , imaginaire. ou métaphorique plutôt que réel. Dans ses productions c'est souvent elle-même, son corps ou son ombre, le personnage sur lequel elle élabore alors une « vision » particulière, un thème, superposant d'autres éléments différents pour créer une nouvelle dimension spatiale. Attaché à l'œuvre, extrait du catalogue relatif à l'exposition d'Eva Petrič à la galerie Suppan à Vienne en 2007

Peinture à l'huile sur toile. Non signé, on trouve au dos du cadre une étiquette avec attribution à Ferdinand II Wagner (1847 -1927), peintre allemand apprécié pour la peinture décorative. Le grand tableau offre, selon un goût ancien, un aperçu d'un marché urbain dans un village nordique, avec des personnages en vêtements flamands du XVIIe siècle. La partie centrale est occupée par un étal rempli de fruits et légumes : à gauche, la vendeuse, assise avec la charpente suspendue au-dessus d'elle, négocie avec le couple d'acheteurs de droite, avec l'intention de tester la qualité des produits. Le tableau est présenté dans un cadre d'époque.

Peinture à l'huile sur toile. Signé Bertolotti en bas à droite. Il offre un aperçu d'une forêt, avec des plantes clairsemées et hautes et un sous-bois plein de rochers recouvert d'une pelouse verte ; à travers les arbres, une entaille s’ouvre au centre, inondée de lumière, encadrant des sommets escarpés. Le tableau, à fort impact scénographique, est présenté dans un cadre contemporain.

Cabanes de montagne

Huile sur panneau. Signée en bas à droite. Mario Moretti Foggia a vécu et travaillé jusqu'à sa mort à Macugnaga, le village de montagne de la vallée d'Ossola qu'il a souvent représenté dans ses œuvres, laissant souvent entrevoir des refuges de montagne dans les vallées, comme dans cette œuvre. Formé à l'école de Tallone, Moretti Foggia était principalement un peintre de paysages, offrant des vues réalistes caractérisées par une palette de couleurs très lumineuses et texturées. L'œuvre est présentée dans un cadre élégant.

Le Portrait de la Reine

Huile sur toile. Signature non identifiée en bas à droite. La grande toile représente une scène d'intérieur, située dans une cour du XVIIIe siècle : dans la pièce richement meublée avec des rideaux de velours, des sculptures et de grands tableaux sur les murs, une reine (identifiée par son manteau bordé d'hermine) pose pour le peintre qui fait son portrait, entourée de la cour, de dames et de messieurs souriants, et d'un prélat, qui semble plutôt mécontent. L'œuvre s'inscrit dans la production du peintre Arturo Ricci (1854 -1919), spécialisé dans les scènes de genre se déroulant dans les cours du XVIIIe siècle. Le tableau est présenté dans un cadre assemblé avec des éléments du début du XXe siècle.

Odalisque 1988

Crayons couleurs et collages sur papier. En bas à droite se trouvent la signature et le nom du personnage. Au dos se trouve une étiquette de la galerie d'art Il Vicolo de Milan. L'activité éclectique d'Emanuele Luzzati, illustrateur, scénographe, costumier, décorateur, maître de tous les arts appliqués, était extraordinaire ; il a également été nominé deux fois pour un Oscar pour deux films d'animation. Interprète d'une culture figurative habile et cultivée, capable d'utiliser magistralement toutes sortes de matériaux (de la terre cuite à l'émail, du tissage de la laine pour les tapisseries à la gravure sur différents supports, en passant par les collages de papiers et tissus composites) pour construire des esquisses de scènes, de costumes, expositions navales, grâce à la richesse de son monde fantastique, à l'immédiateté et à l'expressivité de son style très personnel, Luzzati fut l'un des artistes les plus aimés et admirés de notre époque. Le croquis est présenté dans un cadre.

Le Bûcheron 1980

Huile sur verre. En bas à gauche se trouvent la signature et la date, accompagnées du symbole de l'artiste, la figurine stylisée d'un homme en fauteuil roulant. Il s'agit d'une œuvre sur verre du peintre Mario Previ, qui vit et peint en fauteuil roulant depuis l'âge de dix-huit ans, à la suite d'une tétraplégie consécutive à un plongeon dans sa rivière Taro. Il dit de lui-même : « Le monde, le temps qui passe, de ce point de vue (le fauteuil roulant) vous apprend beaucoup de choses. Vous apprenez à vous lever chaque matin avec un but, même si votre corps souffre, si chaque geste génère de la souffrance et que vous dépendez des autres, et que le renoncement pourrait être une solution facile. Au lieu de cela, l'art, la peinture, ainsi que la sérénité de mon monde, de mes amis, me donnent une énergie incroyable. Ils m'ont sauvé, en me donnant la force de vivre". En 1974, trois ans après l'accident, inspiré par une émission de télévision sur les peintres naïfs yougoslaves, en particulier par les œuvres sur verre de Mijo Kovacic, Previ a commencé à peindre et à apprendre l'art de la peinture sur verre en tant qu'artiste autodidacte, jusqu'à ce qu'il soit connu et apprécié pour ses peintures. Dans ses naïfs, Mario Previ raconte une réalité qui a presque disparu, des histoires vraies mais sur le ton du conte de fées, il fait revivre des traditions perdues, des aperçus de la vie qui appartenait à d'autres générations, celles de la civilisation paysanne (dont il est issu), mais ce qui ressort le plus de ses visions, ce sont les « forë », ceux que l'on entendait autrefois dans les « firossi », les soirées traditionnelles des hameaux de Parme consacrées à se réunir pour raconter des anecdotes, des histoires et des curiosités historiques, souvent devant la cheminée, lorsqu'il faisait froid et qu'il neigeait à l'extérieur. L'œuvre est présentée dans le cadre.

Le Feu de Joie sous la Neige, 1979

Huile sur verre. En bas à droite figurent la signature et la date, accompagnées du symbole de l'artiste, la figurine stylisée d'un homme en fauteuil roulant. Il s'agit d'une œuvre sur verre du peintre Mario Previ, qui vit et peint en fauteuil roulant depuis l'âge de dix-huit ans, en raison d'une tétraplégie résultant d'une plongée dans son Taro. Il a dit de lui-même : « Le monde, le passage du temps, de ce point de vue (le fauteuil roulant) enseignent beaucoup de choses. On apprend à se réveiller chaque matin avec un but, même si son corps souffre, si chaque geste génère souffrir et dépendre des autres et abandonner pourrait être une solution facile. Et au contraire, l'art, la peinture, ainsi que la sérénité de mon monde, des amis, me donnent une énergie incroyable. Ils m'ont sauvé, me donnant la force de vivre. En 1974, trois ans après l'accident, inspiré par une émission télévisée sur les peintres naïfs yougoslaves, notamment par les œuvres sur verre de Mijo Kovacic, Previ commence à peindre et apprend l'art de la peinture sur verre en autodidacte, jusqu'à ce qu'il se faire connaître et apprécier pour ses peintures. Dans ses naïfs, Mario Previ raconte une réalité presque disparue, des histoires vraies quoique sur le ton d'un conte de fées, il fait revivre des traditions perdues, des tranches de vie qui ont appartenu à d'autres générations, celles de la civilisation paysanne (dont il est également issu), mais ce qui ressort le plus de ses visions sont les "forë", ceux qu';on pouvait autrefois entendre dans les "firossi", les soirées traditionnelles des hameaux de Parme dédiées aux rencontres pour raconter des anecdotes, des histoires et des curiosités historiques, souvent devant la cheminée. feu, alors qu'il faisait froid et qu'il neigeait dehors. L'œuvre est présentée dans un cadre.

Technique mixte sur papier. Au dos le cachet de l'artiste avec la signature, le titre (non déchiffré) et la date de l'œuvre. Caccioni, artiste né, formé et vivant toujours à Bologne, est l'un des protagonistes d'une génération qui a aujourd'hui atteint une maturation linguistique définitive et occupe une place importante dans le panorama artistique contemporain. Ses recherches utilisent principalement des matériaux inhabituels tels que les acétates, le PVC et, plus récemment, des fonds de scène d'œuvres théâtrales du XIXe siècle, sur lesquels il intervient en peignant des formes tirées de sa mémoire personnelle et de suggestions provenant de différentes cultures et périodes historiques. Un élément récurrent dans l'œuvre de Luca Caccioni est l'écriture, signe signifiant qui conçoit l'œuvre et est capable de raconter des pensées ; Travaillant par superposition, les images sont construites par addition ou soustraction de couleur sur les différents supports. Travail dans le cadre.