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La Prédication du Baptiste

Huile sur toile. Le tableau peut être rattaché au cercle de Pier Francesco Mola, dit le Tessinois, peintre actif en Italie au XVIIe siècle, dont la production comprend au moins deux toiles ayant le même sujet (à la National Gallery de Londres et à la Fondation Thyssen-Bornemisza de Lugano). Dans ces œuvres de Mola, jusqu'alors essentiellement paysagiste, la figure humaine commence à jouer un rôle primordial par rapport au paysage, mais l'attention portée à l'élément naturaliste reste présente dans toute la production de cet artiste, qui a toujours cherché un rapport adéquat entre les figures et l'arrière-plan. Dans l'œuvre présentée ici, cet équilibre est trouvé : les figures sont placées dans le paysage, bien réparties dans différents espaces et sur différents niveaux de profondeur, et interagissent avec les éléments naturalistes. La figure de Jean-Baptiste est assise sur un rocher isolé et aride ; la foule qui écoute le prophète, disposée en demi-cercle au premier plan, de dos ou de profil, se confond presque avec quelques arbres arides et la maigre végétation qui les entoure ; au loin, à droite et indiqué par le Baptiste, avance le Christ, figure bleue et ombrée dans le paysage également bleu et ombré. Restauré et retouché à la fin du XIXe siècle, le tableau est présenté dans un cadre doré de la seconde moitié du XIXe siècle.

Sans Titre 1974

Tempera, graphite et crayon conté sur papier filigrané. Accompagné d'une photo d'authentification des archives Fausto Melotti.

Detrémpe sur panneau représentant une figure féminine à mi-corps ; elle porte une robe rouge sur une tunique claire. rouge sur une tunique claire, tandis que sur son épaule droite repose un drapé vert. Un drapé vert repose sur son épaule droite. Ses cheveux roux sont rassemblés dans une raie centrale et sont en partie recouverts d'un manteau blanc comme la neige. couverts en partie par une coiffe blanche comme neige ; le visage entier a une expression absorbée : le regard pensif. expression : le regard pensif, les sourcils arqués et les lèvres légèrement froncées. lèvres froncées. Présenté dans un cadre composé de parties d'un cadre antique plus grand. de plus grandes dimensions.

Aperçu de la Montagne

Huile sur panneau. Signée en bas à droite. Spécialisé dans la peinture de paysage, le peintre Romeo Borgognoni a principalement représenté des vues de la campagne de Pavie, dans un style qui, bien que vériste dans sa rigueur, s'inspire de l'impressionnisme pour ses coups de pinceau lumineux et vibrants. Ici, il s'agit d'une vue alpine, avec des refuges au premier plan et le massif enneigé qui s'élève majestueusement à l'arrière-plan. L'oepra est présenté dans un cadre.

Vue de la Ville

Huile sur Bois. Signé au dos. Riccardo Viriglio, peintre paysagiste de Pavie, a représenté des vues urbaines principalement de sa ville et des paysages, en particulier de la Lombardie. Ici aussi, on a vue sur une place de ville avec un portique. Dans un cadre élégant.

Huile sur toile. École italienne du XVIIe siècle. Elle représente un épisode biblique de l'Ancien Testament : Suzanne, la belle et chaste épouse de Ioachim, un riche juif, est harcelée par deux vieux juges du peuple alors qu'elle se baigne dans son jardin. Le sujet a été largement repris dans l'art. Dans ce tableau, la belle Israélite occupe le centre de la scène : placée en plein air près d'une fontaine, à gauche, ornée d'une statue de putto chevauchant un gros poisson, dans le style baroque, la jeune femme exprime l'effroi, dans son regard et dans le geste de son bras qui tente de couvrir sa nudité. Sur la droite apparaissent les deux vieillards, au regard lascif : l'un d'eux demande d'une main à la femme de se taire, de l'autre il lui tend un riche diadème avec lequel il tente de l'acheter. Le tableau est vivant dans sa composition figurative, avec de beaux effets lumineux dans les couleurs du teint et des vêtements, et avec le souci du détail, en particulier dans les bijoux (le diadème et les épingles à cheveux de la jeune fille). Les deux hommes ont des visages tirant sur le grotesque, leurs expressions étant bien marquées par les rides, les grands nez et les grands yeux. Restauré et retouché, le tableau est présenté dans un cadre doré du début du XXe siècle.

Huile sur toile. Le tableau représente un portrait de deux saintes, en pied : toutes deux jeunes et belles, celle de droite porte une couronne sur la tête, mais aucun autre signe iconographique ne permet de les identifier. Au-dessus d'elles plane, baignée de lumière, la colombe symbolisant l'Esprit Saint, vers laquelle se dirige le regard de la reine, tandis que l'autre femme garde humblement les yeux baissés. Restauré et réencadré, le tableau est présenté dans un cadre ancien.

Aperçu du Village avec Figures

Huile sur panneau, signée en bas à gauche. Vittore Antonio Cargnel, père de Lucio Cargnel, était surtout un peintre de paysage, auteur notamment de vues évocatrices de Trévise et d'aperçus passionnants du Frioul, sa terre natale. Il est considéré comme le porte-parole de la peinture de paysage intimiste, en raison de sa capacité à saisir les paysages dans l'immédiateté des changements atmosphériques, souvent sur de petites tablettes, afin de ne pas manquer l'instant d'une condition lumineuse particulière responsable de l'impression faite à l'artiste. Dans cet aperçu d'un village, le contraste luministe se distingue entre la place encore dominée par la grisaille de la pluie, dénoncée par les parapluies des passants - figures qui ne sont que des taches indistinctes, éléments neutres du paysage - et la lumière qui, traversant les nuages, illumine et colore la partie supérieure des bâtiments. Le tableau est présenté dans un cadre contemporain.

Huile sur toile. La scène raconte l'épisode biblique du livre de l'Exode dans lequel le bébé Moïse, que sa mère avait confié au fleuve dans un panier pour le sauver du massacre des enfants mâles israélites (ordonné par le pharaon d'Égypte pour éviter que le peuple israélite ne devienne trop nombreux et ne se rebelle contre l'esclavage), est trouvé par une servante de la fille du même pharaon, qui décide de l'adopter et de le sauver. La scène, qui se déroule le long du fleuve, est entièrement occupée par les figures féminines de la suite princière, serrées les unes contre les autres et projetées vers le coin inférieur droit où se trouve le panier avec le nouveau-né. Tous les regards sont également tournés vers l'enfant, dans la direction indiquée par le bras tendu de la femme au premier plan à droite. La rondeur des formes féminines ressort, en particulier celle des trois personnages du premier plan, où les jeux d'ombre et de lumière font ressortir les carnations émergeant des vêtements. Restauré et retouché, le tableau est présenté dans un cadre.

Huile sur carton. Signature non identifiée, d'un nom français, en bas à droite. De nombreux personnages sur la plage sont occupés à ranger les bateaux de pêche sur le rivage, certains en tirent peut-être un à terre. La peinture est post-impressionniste. L'œuvre est présentée dans un cadre.

Huile sur toile. École du sud de l'Italie, XVIIe-XVIIIe siècle. La scène, pleine de personnages, voit au centre la figure d'un condottiere, bien défini dans les détails de l'armure, du cimier et de l'anatomie, qui accompagne avec bienveillance, d'un mouvement des bras, un homme agenouillé qui, avec sa compagne, rend hommage à un empereur, tout en montrant de sa main tendue le groupe de six enfants, tenus à droite par des soldats. L'empereur s'est levé de son trône, à gauche, et va à la rencontre du couple prosterné, mais lui aussi semble presque dans une attitude de révérence à l'égard du chef central. La scène semble faire référence à un épisode historique de clémence d'un condottiere qui, par son âge, ses traits et le type d'armure qu'il porte, pourrait être Alexandre le Grand, un personnage qu'il est cependant difficile de faire correspondre à l'autre figure couronnée de laurier qui descend de son trône dans le somptueux palais. L'épisode (historique ou légendaire ?) de référence ne peut donc être identifié précisément. On peut cependant apprécier la richesse compositionnelle de la scène, avec de nombreux personnages bien détaillés et des couleurs vives qui en soulignent le dynamisme. L'œuvre, restaurée et réencadrée, est présentée dans un cadre ancien.

Scène de chasse

Huile sur toile. École nord-européenne du XVIIIe siècle. La grande scène, située dans un paysage nordique de végétation dense sous des sommets bleus imperméables, représente le point culminant d'une chasse au fauve : le cavalier, qui occupe la partie supérieure de la scène, plante sa lance dans la proie terrifiée et agonisante ; tout autour, la meute de chiens participe. Le cavalier, qui occupe la partie supérieure de la scène, plante sa lance dans la proie terrifiée et agonisante ; tout autour, la meute de chiens participe, courant autour du cavalier et de la proie. Le chien du centre inférieur se distingue de tous les autres, le seul à avoir un pelage clair : la luminosité intense qui émane et fait ressortir le dessin précis de son pelage, les muscles en mouvement, l'expression exaltée de l'animal, en font le protagoniste de la scène, attirant le regard, tandis que toutes les autres figures, y compris le cavalier, deviennent le contour, précis et exact, mais pas le protagoniste. C'est précisément la précision dans la peinture des animaux qui rapproche cette œuvre de la production de Philip Peter Roos, dit Rosa da Tivoli. Originaire de Francfort, puis installé à Rome, où il est resté jusqu'à sa mort, cet artiste a été très actif surtout comme peintre d'animaux, représentés au premier plan sur des fonds paysagers et exécutés avec des couleurs riches et des effets de lumière intense. Le grand succès qu'il a connu et la très grande production qui en a découlé (parfois au détriment de la qualité des œuvres), justifient l'attribution fréquente à ce peintre d'œuvres dont le sujet et la technique picturale sont proches des siens, comme celle présentée ici, qui n'est cependant pas documentée et validée. Restauré et ré-encadré, le tableau est présenté dans un cadre de la fin du XIXe siècle.

Esquisse d'une Porte 1982

Bronze, fonte à la cire perdue. Signé et daté ci-dessous. Au dos se trouvent le cachet de l'artiste, dédicacé, et une étiquette avec les données de l'œuvre, qui a été éditée en seulement deux exemplaires. Silvana Maisao, artiste génoise et élève d'Edoardo Alfieri, a réalisé plusieurs croquis de portes.

Aperçu de la Campagne

Huile sur carton. Signé en bas à droite. Mario Acerbi, fils du peintre de Pavie Ezechiele, s'est consacré à une peinture réaliste d'origine impressionniste, dans laquelle la couleur joue le rôle principal associé à une habile capacité à moduler la lumière. Sa production paysagère, comme celle de son père, se tourne avant tout vers la ville et la campagne de Pavie, ses lieux d'origine et de vie. Le tableau est présenté dans un cadre.

Paysage avec Bergers et Ruines

Huile sur panneau. Signée en bas à droite. Antonio Oberto, peintre post-impressionniste de Pavie, s'est consacré aux paysages mais aussi à la décoration des bâtiments publics de sa ville. Il a principalement peint des vues de Pavie et de la campagne de Pavie le long du fleuve Ticino, représentées par des coups de pinceau rapides dans un style de la fin du XIXe siècle. Un grand paysage le long du fleuve, le Tessin dans sa partie basse, précisément celle qui entoure la ville de Pavie, est représenté ici ; au premier plan, à droite, les vestiges de structures néoclassiques, à gauche, deux bergers avec leurs troupeaux. L'œuvre est présentée dans un cadre élégant.

Vue de Venise

Peinture à l'huile sur toile. Signé en bas à droite. Plusieurs vues vénitiennes de cet artiste anglais sont connues, avec des vues du Grand Canal peuplé de bateaux aux voiles triangulaires oranges ; les tons pastel, délicats et lumineux prédominent.L'œuvre est présentée dans un cadre élégant.

Jeu d'angelots

Huile sur toile. Dans la scène de trois putti jouer dans le théâtre, le port d'un masque de rires, et par effrayer le compagnon, tandis que le troisième est fanciullescamente déguisé comme le voyageur. Restauré.