Tableau Ancien avec Sujét Sacré Huile sur Toile XVIIe Siècle

Peinture à l'huile sur toile. La scène se déroule à proximité d'un camp militaire : devant une tente à gauche un chef d'armée, probablement grec, reçoit les offrandes d'un groupe d'hommes pauvres et en haillons qui se prosternent devant le nouveau maître ; le premier tend des miches de pain, un autre sort quelque chose d'un sac, le troisième montre les blessures de son corps pour demander grâce ; derrière eux, d'autres figures de mendiants s'approchent, formant une ligne éparse sur le chemin qui s'efface au loin sur la droite. Au fond à gauche, la vie dans le camp militaire est trépidante. Le tableau a été restauré et rentoilé.

Peinture à l'huile sur toile. Un petit monogramme JDB est visible en bas au centre. Le tableau est attribué à Johannes Van Der Bent, artiste flamand travaillant dans la seconde moitié du XVIIe siècle, et spécialiste des paysages avec scènes de vie pastorale, placés dans de grands paysages nordiques, comme celui présenté ici. Dans un paysage plutôt désolé et aride, un groupe de bergers avec leurs troupeaux se reposent, tandis qu'une femme au centre traire une chèvre. Restauré et rentoilé au début du XXème siècle, le tableau est présenté dans un cadre d'époque (dégâts récupérés)

Peinture à l'huile sur toile. École de l'Italie du Nord du XVIIe siècle. Le grand tableau présente comme sujet un thème bien connu de l'Ancien Testament, la richesse du roi Salomon, raconté dans le Premier Livre des Rois : « Le roi Salomon surpassa donc, en richesse et en sagesse, tous les rois de la terre. partie de la terre pour s'approcher de Salomon pour écouter la sagesse que Dieu avait placée dans son cœur. Chacun lui apportait, chaque année, des offrandes d'objets en argent et en or, des vêtements, des armes, des épices, des chevaux et des mulets". Dans le tableau, le roi, richement vêtu des symboles de la royauté (la couronne, le sceptre, le manteau d'hermine), écoute debout les postulants qui viennent à lui pour recevoir les conseils dictés par sa proverbiale sagesse, et en échange ils lui apportent des offrandes, à la mesure de leur rôle social : certains agriculteurs apportent en cadeau des sacs de céréales, fruits de leur travail dans les champs, un autre lève haut une coupe, pour attirer l'attention du roi. Les couleurs et le style pictural du tableau font référence à la production de l'Italie du Nord, notamment vénitienne. Le tableau a été restauré et rentoilé.

Huile sur toile. Représentation traditionnelle du Crucifix, entouré des saints liés au culte du patron. En l'occurrence, il s'agit de Madeleine, embrassant le poteau de la Croix, à gauche de saint Paul, reconnaissable à son épée, à droite de saint Barthélemy, tenant sur son bras sa peau écorchée, signe du martyre auquel il a été soumis. Le tableau, restauré et réencadré, est présenté dans un cadre ancien réaménagé.

La Madeleine pénitente et saint Jean-Baptiste

Huile sur ardoise. Voici deux exemples de peinture à l'huile sur pierre, genre pictural particulièrement populaire dans la République de Venise entre le XVIe et le XVIIe siècle, sous la forme de peinture à l'huile sur tableau noir ou pierre de touche. Le choix d'une pierre aussi sombre comme fond n'est pas seulement lié à des raisons pratiques (la proximité des mines de Brescia et du Val Brembana), mais, comme le démontrent clairement nos deux œuvres, l'émergence des figures sur le fond sombre répond à la lumière aussi pleine des nouveaux besoins de la peinture de l'époque, qui dans le climat de la Contre-Réforme, tendait à exprimer non seulement les certitudes existentielles idéalisées de la pleine Renaissance, mais aussi les angoisses et l'ouverture à de nouvelles phases, tendant déjà avec le Tintoret vers une plus grande attention à la réalité et aux contrastes lumineux, pour se diriger ensuite massivement vers la recherche du XVIIe siècle fortement axée sur la combinaison contrastée de la lumière et de l'ombre. Les deux œuvres présentées ici, bien dans la production de l'espace vénitien des premières décennies du XVIIe siècle, proposent deux figures de saints, tous deux ermites, placées sur un fond naturaliste sombre et à peine visible. La figure de Madeleine émerge de l'obscurité, penchée pour suivre la courbe du support en pierre ; elle est représentée regardant d'un air interrogateur vers l'obscurité, comme dans une attitude d'écoute, la main gauche levée et l'autre posée sur le "memento mori" remarquablement raccourci. Devant elle un fléau et le pot de pommade. Peint en pendentif, Saint Jean-Baptiste est représenté jeune homme, avec un agneau à ses pieds, à la main la croix de procession avec l'étendard "ecce agnus dei", tandis que de la main droite il puise à la source d'eau, rappelant l'épisode qui verra Jésus-Christ baptisé. Dans les deux tableaux, les personnages se détachent de manière forte et incisive grâce au noir qui caractérise la plaque d'ardoise sur laquelle ils sont représentés. Les deux tableaux, de format ovale, sont présentés dans des cadres en bois noir, de la fin du XIXème siècle.

Peinture à l'huile sur toile. École napolitaine du XVIIe-XVIIIe siècle. Il s'agit d'une scène traditionnelle de la déposition du Christ sur la Croix, avec le corps inerte et pâle déposé dans les bras de sa mère Marie, à son tour embrassé et soutenu dans sa douleur par le disciple Jean, et autour, partageant le deuil, deux femmes pieuses et deux disciples. La scène se caractérise par une linéarité diagonale descendante, qui suit le corps de Jésus, en partant du poteau de la Croix dressé à gauche et en terminant par la femme accroupie pour embrasser les pieds de Jésus à droite. Tout autour, un fond nu et gris, qui souligne le drame et le vide qu'il crée. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre du début du XXe siècle.

Peinture à l'huile sur toile. École romaine du XVIIe siècle. Le paysage, vaste et aéré, imprégné d'une atmosphère "classique" intemporelle, s'inscrit dans le courant classicisant des vues idéales tirées de la campagne romaine, introduites à Rome avec beaucoup de succès au XVIIe siècle à l'instar de Carracci, Domenico, Albani. et les français Poussin, Dughet, Lorrain, et s'est poursuivi au siècle suivant avec des artistes tels qu'Andrea Locatelli. Ce type de peintures paysagères visait à exalter les principes de beauté, de raison, d'ordre et de mesure typiques du monde classique, à célébrer la valeur de l'histoire, la confiance héritée des anciens dans les vertus de l'homme et ses possibilités. Dans la nature de ces paysages, qui n'est pas abandonnée au chaos, mais composée, ordonnée, non perturbée par des éléments violents ou désordonnés, se placent des figures humaines, habillées à l';ancienne comme dans ce tableau, dans lequel un couple vêtu de costumes classiques tuniques, elle converse aimablement assise (ou plutôt à moitié allongée presque comme sur un triclinium) au milieu d'une campagne ombragée et verdoyante, près d'une rivière tranquille ; au loin, vous apercevez les bâtiments d'une ville et votre regard se perd alors dans la continuité ordonnée et paisible des collines du Latium. Le tableau, restauré et rentoilé, est présenté dans un cadre d'époque.

Huile sur toile. La Vièrge est représentée en gloire, debout dans les cieux et entourée d'anges. L'œuvre, encore en première toile, a été appliquée sur un cadre moderne : ce fait, ainsi que la figure incomplète de Marie, suggère que le tableau faisait partie d'une toile plus grande. Le tableau est présenté dans un cadre stylisé.

Huile sur toile. École du sud de l'Italie, XVIIe-XVIIIe siècle. La scène, pleine de personnages, voit au centre la figure d'un condottiere, bien défini dans les détails de l'armure, du cimier et de l'anatomie, qui accompagne avec bienveillance, d'un mouvement des bras, un homme agenouillé qui, avec sa compagne, rend hommage à un empereur, tout en montrant de sa main tendue le groupe de six enfants, tenus à droite par des soldats. L'empereur s'est levé de son trône, à gauche, et va à la rencontre du couple prosterné, mais lui aussi semble presque dans une attitude de révérence à l'égard du chef central. La scène semble faire référence à un épisode historique de clémence d'un condottiere qui, par son âge, ses traits et le type d'armure qu'il porte, pourrait être Alexandre le Grand, un personnage qu'il est cependant difficile de faire correspondre à l'autre figure couronnée de laurier qui descend de son trône dans le somptueux palais. L'épisode (historique ou légendaire ?) de référence ne peut donc être identifié précisément. On peut cependant apprécier la richesse compositionnelle de la scène, avec de nombreux personnages bien détaillés et des couleurs vives qui en soulignent le dynamisme. L'œuvre, restaurée et réencadrée, est présentée dans un cadre ancien.

Disciple de Peter Paul Rubens

Huile sur toile. Le tableau dérive de l'œuvre de Rubens (1577 -1640) conservée au musée du Prado à Madrid, reproduite comme contrepartie dans la gravure de Paulus Pontius (1603 -1658), qui apparaît également dans cette version. Au centre de la scène, à la verticale, se trouve la figure de Marie, dont le visage est inspiré de celui d'Isabel Brandt, la première épouse du peintre flamand, décédée en 1626 à l'âge de 35 ans. La Vierge tient dans ses bras l'Enfant Jésus, qui la regarde tendrement mais gravement dans les yeux, tandis qu'une petite main se pose sur le sein découvert de sa mère, dont il vient d'être nourri ; derrière, debout, sainte Anne entoure les épaules de sa fille et de son petit-fils d'une étreinte tendre et protectrice, en souriant avec complaisance : Sur le côté gauche, un peu à l'écart et dans l'obscurité, Joseph observe, pensif et inquiet : c'est la seule figure humaine qui ne s'intègre pas dans la lumière émanant du visage de l'Enfant, rayonnant sur celui de Marie et, par réflexion, également sur celui de Sainte Anne. Par rapport à l'œuvre du maître, la composition des figures est respectée, mais plusieurs détails varient, notamment dans les vêtements de sainte Anne, de Marie et dans la draperie qui entoure les hanches de l'Enfant, ce qui renforce l'hypothèse qu'il s'agit de l'œuvre d'un suiveur du maître flamand. La peinture, restaurée et reteinte, est en bon état, avec seulement une éraflure dans la couleur en haut au centre.

Huile sur toile. École d'Italie centrale du XVIIe siècle. Cette représentation inhabituelle et particulière présente à gauche les trois personnages de la Sainte Famille, avec Jésus déjà enfant, assis à table et bénissant le simple repas qu'ils s'apprêtent à prendre (composé de fruits et de pain). La scène, un sujet représenté plutôt rarement et habituellement avec un caractère plus sacré en raison de la présence d'anges servant la nourriture à la famille, a ici plutôt la saveur d'une intimité domestique très normale et très simple. D'autre part, tout autour de la Sainte Famille se détache majestueusement un aperçu d'une ville de la Renaissance, avec de hauts bâtiments dotés de loggias et de colonnades, présentés dans un bel effet de perspective qui mène, à l'extrême droite, au mur d'entrée d'une ville richement touffue, probablement Jérusalem. Restauré et réencadré, le tableau est présenté dans un cadre de la fin du XIXe siècle.