Deux Figures

Encre de Chine sur papier. Signé en bas à droite. Accompagné d'une authentification sur photo par son épouse Matilde Sironi datée de septembre 1963 et d'un certificat sur photo des archives JA PF. avec le numéro 031 et les données de l'œuvre. Mario Sironi s'est beaucoup consacré au dessin et à l'étude des figures, et sa production comprenait de nombreux dessins, études de figures, esquisses pour des peintures ultérieures. On retrouve déjà toute la puissance et la force expressive des corps de Sironi dans ces dessins, dont l'esprit, forge incessante d'idées et de projets souvent réalisés à grande échelle (il réalise de nombreuses fresques), utilise souvent des supports papier de fortune pour dessiner, même de petites dimensions, sur lesquelles il a tracé, en quelques centimètres à peine, de grands projets, des idées provocatrices et des images poétiques. L'œuvre provient d'une importante collection privée milanaise. Il est présenté dans un cadre.

Figure Féminine à Cheval

Huile sur panneau. Signée en haut à droite. Maurizio Goracci, dit Mago, est un peintre romain de sujets figuratifs. L'œuvre représente une femme nue enveloppée dans un drapé rose, assise sur un cheval qui broute. Les figures de Mago, bien que bien définies, sont toujours placées sur un fond surréaliste, nuancé par des gammes de couleurs acidulées, qui donnent une impression de fantastique. L'œuvre est présentée dans un cadre.

XIX Siècle / 1801 - 1900

Christ crucifié en buis finement sculpté monté sur un panneau recouvert de tissu jaune.

Philosophe

Huile sur carton. Signé en bas à droite. Provenant d'une collection privée de Pavie. Le tableau propose un sujet repris à plusieurs reprises par Primo Carena, aussi bien avec des groupes de plusieurs personnages insérés dans un paysage, qu'avec une figure solitaire comme apparaît dans ce tableau, qui appartient à la production des années 1950. L'homme sur la plage, dans la pose assise, appuyé avec son coude sur un chapiteau de marbre, et dans le tissu reposant sur ses jambes, rappelle le personnage âgé assis dans une œuvre de De Chirico, le Salut des Argonautes, et sous-tend bien le référence à la métaphysique de la peinture que le peintre de Pavie a voulu exprimer dans ses peintures de figures des années 1950 et 1960. L'œuvre est présentée dans un cadre.

Huile sur contreplaqué

Charles Moody (1979), huile sur contreplaqué. Signé au dos. Le œuvre a été exposée à l’exposition solo « Borderland » à la Galerie de 8 à Milan Corso Venezia, comme en témoigne le papier à l’arrière lable. Charles Moody a obtenu son diplôme en 2003 au Art Institute de Boston et, après trois ans à Milan, choisit de vivre à New York. Dans son art que l’accent au procès (l’art conceptuel, art de processus) plutôt que dans le contenu de l’image et c’est dans cette ferraille que la peinture est à son meilleur. Un art qui a été créé par la réception des images de la télévision (films, presque jamais) et en particulier de feuilletons populaires. Travail de Moody va au-delà de l’image de médias de masse en personnalisant la sélection d’images spéciales qui, selon lui, offrent un potentiel narratif ; sont les images de transition, des moments de transition d’une scène à l’autre. L’artiste utilise une peinture à l’huile manuelle pour reproduire la qualité médiocre de l’image télé vantant le « flou » de blur. Nous sommes confrontés à une perte de dimension spatiale, dans une temporalité confondu-diffuser-immatériel qui est difficile de reconnaître les limites (« Borderland »). Ces distorsions perceptives, dans laquelle se dilate se dilate, chaque toile représente une « indiscernibilità » dans laquelle la reconnaissance de l’objet qui prend la deuxième place. Le temps de Moody est ni chronique ni histoire mais suspension. (De « Charles Moody, zone frontalière », organisée par Gianni Romano, exhibition catalogue, CorsoVeneziaOtto, novembre-décembre 2009)

Figure au repos 1969

Stylo sur papier. Signé en bas à droite. Accompagné d'une photo d'authentification des archives de Mario Tozzi. Dans l'importante production du maestro Tozzi, il existe de nombreux dessins, comme celui présenté ici, réalisés avec différentes techniques (encre, pastel, crayon, sanguine), dédiés à la figure humaine : dans son style sec et stylisé, Mario Tozzi trace des contours stylisés, raffinés figurines dans leur géométrie silencieuse et discrète, favorisée par l'absence de couleur, qui fait ressortir les formes sur le papier blanc.Même dans sa production picturale, les sujets de prédilection de Mario Tozzi sont, classiquement, les figures et les natures mortes, mais aussi bien les figures que la mort sont un ensemble d'éléments géométriques solides, la sphère, le cylindre, le cône, etc. Les corps sont élémentaires, essentiels dans les lignes et les détails, puissants, sculpturaux, composés de solides juste modélisés, tandis que les natures mortes sont une célébration de la géométrie euclidienne comme les cruches, bols, flacons qui sont des paradigmes de volume et de rigueur géométrique. Les compositions de Mario Tozzi sont influencées par le Cubisme pour certaines coupes, par la Métaphysique pour certaines insertions architecturales et par l'Abstraction pour l'insertion de figures géométriques. L'oeuvre est présentée dans un cadre.

Paire de dessins à l'encre

Encre sur papier. L'un des deux est signé en bas à droite. Les œuvres de l'artiste russe Vyacheslav Sawich Mikhailov sont exposées dans des musées prestigieux tels que la galerie Tretiakov ou le musée d'art moderne de Moscou, le musée national d'art russe, le musée d'art non conformiste de Saint-Pétersbourg. Considéré comme un auteur expressionniste, il crée des scènes de drame intense avec différentes techniques. Le dessin proposé ici fait partie d'une série de scènes pleines de personnages dramatiquement entrelacés dans des contorsions du corps, avec des éléments allégoriques et des taches de couleur souvent rouge, évoquant le sang. Dans le cadre.

Italie Fin XVIe - Début XVIIe Siècle

Sculpture maniériste en noyer sculpté, Italie fin XVIe - début XVIIe siècle. Sujet représentant une figure masculine au bras gauche replié sur la poitrine en haut relief qui émerge d'une demi-colonne, tandis qu'à ses pieds un enfant agenouillé en ronde-bosse. A l'origine la partie supérieure d'un pilastre fait hypothétiquement pour un cabinet.

Amharique (figures éthiopiennes) années 1930

Crayon sur papier. Signature, titre et localisation en bas à droite. Dans la seconde moitié des années 1930, Contardo Barbieri part comme volontaire pour la campagne en Afrique de l'Est. De cette période subsistent quelques œuvres qui proposent des sujets orientaux, comme ces personnages du peuple éthiopien appelés amhariques car originaires d'Amhara, une région du centre-nord de l'Éthiopie où se trouve la ville de Dessié. Dans le cadre.

Figures, 1963

Encre de Chine sur papier. Signé et daté '63 en bas à droite. Au dos se trouve une déclaration d'authenticité dédicacée datée "Milan 31-3-1980". Petit dessin des années 1960, dans lequel Ennio Morlotti propose l'étude de quelques figures nues, dans laquelle il a déjà dépassé la phase Picasso et s'oriente vers un expressionnisme informel. L'œuvre est présentée dans un cadre.

Plaque en bronze avec figure en bas-relief. La figure d'un homme nu est représentée, tenant une flèche et la pointant au centre d'une cible : le symbolisme est évident, c'est-à-dire l'exaltation de la détermination de l'homme qui doit aller droit au but ; cette signification convient bien à la période fasciste à laquelle remonte la plaque, tout comme la référence au classicisme. La plaque est insérée et présentée dans un cadre en bois contemporain.

Fille dans un fauteuil

Sculpture en terre cuite. Signée en bas à droite. Marco Cornini, artiste milanais formé à l'Académie des Beaux-Arts de Brera, travaille principalement la terre cuite, avec laquelle il crée des figures humaines, masculines et féminines, hommes et femmes, ou mieux encore garçons et filles plus ou moins de sa génération, dans des moments de leur intimité, souvent en couple mais aussi individuellement, avec des connotations sentimentales, érotiques et passionnelles. Ici, une femme nue est représentée assise dans un fauteuil dans une pièce, dans une attitude de désespoir intime.

Broderie en tissu. La broderie représente une jeune fille à mi-corps en costume populaire avec un masque, dans le style comédie de l'art. Il est monté sur un châssis en bois à deux poignées latérales, commandant un attelage arrière, constituant probablement un panneau de fermeture.

Figure Féminin 1993

Sculpture en bronze polychrome sur socle en pierre. Signature et date sur le socle. Guido Lodigiani, sculpteur milanais encore actif aujourd'hui et professeur passionné à l'Académie des Beaux-Arts de Brera, disait de son art : "Je crois que l'artiste est appelé à montrer la racine de l'expérience humaine et, par cette voie, à exciter à nouveau. Et la racine de l'existence, sa matrice, c'est la femme, que Lodigiani considère comme la Femme de l'Annonce, expression de la tension inquiète et intime vers le mystère de la création. La sculpture de Lodigiani extrait la forme, comme du ventre d'une mère, à partir d'un noyau originel de matière dans lequel elle creuse des vides et des tensions, Cette tension plastique est bien exprimée dans cette figure féminine nue, assise mais tordue, comme si elle venait d'émerger de la matière indistincte et tendait vers le haut, vers la vie, vers la lumière.

Sans titre 1990

Encre sur papier. Signé et daté en bas à droite. Les œuvres de l'artiste russe Vyacheslav Sawich Mikhailov sont exposées dans des musées prestigieux tels que la galerie Tretiakov ou le musée d'art moderne de Moscou, le musée national d'art russe, le musée d'art non conformiste de Saint-Pétersbourg. Considéré comme un auteur expressionniste, il crée des scènes de drame intense avec différentes techniques. Le dessin proposé ici fait partie d'une série de scènes pleines de figures dramatiquement entrelacées dans des contorsions du corps, avec des éléments allégoriques et des taches souvent rouges pour évoquer le sang. Dans le cadre.

Femme au Rouet

Tempera sur papier. Signé en bas à gauche. Probablement une esquisse, en raison du tracé rapide et des contours inachevés, cette œuvre présente une jeune femme assise tournant autour d'un rouet. L'artiste Gino Simonetti, peintre mais aussi écrivain, né dans la région de Plaisance, a vécu et travaillé principalement à Turin. l'œuvre est présentée dans un cadre d'époque.

Sculpture en terre cuite représentant Madame du Barry.

Sans titre

Technique mixte : photographie retravaillée avec applications de cire et superposition de panneau de plexiglas peint. Eva Petrič, une artiste d'origine slovène qui travaille actuellement entre New York, Vienne et Ljubljana, crée des photographies, des vidéos, des performances et des installations, dans lesquelles le but est de "créer un espace", qui peut être un espace physique, plutôt qu'un , imaginaire. ou métaphorique plutôt que réel. Dans ses productions c'est souvent elle-même, son corps ou son ombre, le personnage sur lequel elle élabore alors une « vision » particulière, un thème, superposant d'autres éléments différents pour créer une nouvelle dimension spatiale. Attaché à l'œuvre, extrait du catalogue relatif à l'exposition d'Eva Petrič à la galerie Suppan à Vienne en 2007

Trois Figures

Peinture à l'huile sur toile. Signé en bas à gauche. Au dos se trouve un cachet de la Galleria Palmieri historique de Milan (aujourd'hui n'existe plus). L'œuvre propose les personnages typiques de la peinture satirique de Franz Borghèse : ce sont des figures qui rappellent, dans leurs gestes et leurs vêtements, les sujets de 1910, représentés avec des traits et des poses presque caricaturales et sarcastiques. La production de Borghèse en effet, après une période initiale caractérisée par une peinture sombre et profonde, presque dramatique, du XVIIIe siècle transformée en une peinture de satire et de sarcasme, accentuée par une palette chromatique lumineuse, qui s'adressait en particulier à la bourgeoisie du tournant du siècle. le siècle. Les trois personnages de cette œuvre, deux hommes et une dame, sont représentés de côté marchant en file indienne dans leurs élégants vêtements de ville : les expressions sérieuses, les regards lointains, semblent souligner l'indifférence mutuelle, ainsi que l'ennui et la vacuité des personnages. leur vie qui contraste avec les couleurs vives et vives. L'œuvre est présentée dans un cadre.