PEINTURES EN LIGNE | GALERIE D'ART ANCIEN ET CONTEMPORAIN

Sestante 14 1989

Sérigraphie couleur sur papier. Signé au crayon en bas à droite, numéroté n. IV/XV en bas à gauche. Il est accompagné d'une photo d'authentification de la maison d'art "Il borghetto" de Milan. L'œuvre faisait partie de la série « Sestante », composée de 16 sérigraphies différentes. En 1982, Alberto Burri crée Sestante, un grand cycle de dix-sept violoncelles et une sculpture en fer, exposé de mai à septembre de l'année suivante dans l'espace des anciens chantiers navals de la Giudecca à Venise. L'évocation de l'ancien instrument nautique, qui servait aux voyageurs pour établir la position d'un point donné par rapport à l'horizon, est un hommage au destin maritime de Venise. Les peintures sont le énième défi de Burri : dans leurs combinaisons les formes et les couleurs du « sextant » créent un cycle inépuisable où il n'y a pas la moindre répétition. Au sein d'un même tableau, ou dans la juxtaposition des unes aux autres, le kaléidoscope des formes fait cohabiter des structures carrées et curvilignes, ainsi que de grands fonds chromatiques et des motifs visuels denses. En 1989, l'artiste propose à nouveau le cycle comme œuvre graphique, créant la série "Sestante". L'historien de l';art Bruno Corà a déclaré que « dans le cas de Burri, parler de graphisme ne signifie pas parler d'une production moindre par rapport à la peinture, mais seulement d'une modalité artistique différente et parallèle, dans la conception et l'exécution, en bref de manière à pouvoir être inclus avec une importance absolue dans la production du grand peintre, aux côtés de toutes ses autres déclarations révolutionnaires et innovantes". L'œuvre est présentée dans un cadre.

Plaque en bronze avec figure en bas-relief. La figure d'un homme nu est représentée, tenant une flèche et la pointant au centre d'une cible : le symbolisme est évident, c'est-à-dire l'exaltation de la détermination de l'homme qui doit aller droit au but ; cette signification convient bien à la période fasciste à laquelle remonte la plaque, tout comme la référence au classicisme. La plaque est insérée et présentée dans un cadre en bois contemporain.

Sans Titre, 1961

Technique mixte sur papier et carton. Signé et daté '61 en haut à droite. La composition - car telles sont les œuvres de l'artiste originaire de Bari mais ayant vécu à Paris - présente quelques objets du monde des jouets (les deux bouteilles en plastique) assemblés entre eux avec des clous, du ruban peint, du papier ciré, des passementeries, sur une base de du papier et du carton, pour créer un paysage imaginaire, une sorte de scénographie d'un monde enfantin. L';œuvre est présentée dans un cadre.

Peinture à l'huile sur toile. École française du XVIIIe siècle. Le sujet mythologique de la déesse Diane au bain était largement répandu dans la peinture du XVIIIe siècle et, notamment dans la région flamande, également au siècle précédent. Il fut proposé sous différentes variantes, avec la déesse seule, ou accompagnée de nymphes, ou avec Actéon ; dans ce cas, la belle divinité, reconnaissable au carquois accroché à la branche de l'arbre et au chien de chasse qui l'accompagne. elle s'apprête à se baigner dans un plan d'eau tandis qu'un faune malicieux l'épie derrière elle. Le corps féminin légèrement vêtu occupe toute la scène, central et d'une blancheur qui se détache au milieu des ombres de la forêt feuillue, avec toutes les autres figures et éléments qui l'entourent. Le petit tableau a été restauré et rentoilé au début du XXe siècle.

Huile sur toile. La grande scène au sujet vériste se déroule dans un bois touffu où, près d'une source, une petite famille s'est arrêtée pour se reposer : après avoir laissé la charrette avec leurs affaires (sans cheval, donc tirée à la main !), un homme, une femme et un grand groupe d'enfants se reposent, mangent, se rafraîchissent à la source ou jouent. Un rayon de soleil filtre à travers les arbres, en haut à gauche, et éclaire le groupe de personnages au centre, en bas, les protagonistes de la scène. Le tableau est présenté dans un cadre doré de la fin du XIXe - début du XXe siècle.

Peinture à l'huile sur toile. Une délicate composition de fleurs est placée dans une sorte de berceau en bois, avec des champignons et des fruits au sol ; le fond est extérieur, mais mal défini par diverses taches. L'œuvre, sur la première toile, est également présentée dans un beau cadre du début du XVIIIe siècle, en bois de tilleul sculpté d'une couronne feuillagée maintenue par des rubans, et doré à la gouache.

Poésie à la Nature 1962

Technique mixte, avec applications métalliques sur toile. Le nom de l'artiste, le titre et la date figurent au verso. James McClintock est un artiste américain qui a adhéré au Post Painterly Abstraction, un mouvement qui s'est développé aux États-Unis dans les années 1960-70 et qui revendique fortement sa filiation avec l'expressionnisme abstrait américain et le travail des action painters du groupe de Pollock, en coupant toute dépendance à l'égard de l'Europe depuis les années 1940. McClintock a également travaillé en Europe, notamment à Florence où, entre 1961 et 1967, il a collaboré avec la Galleria Numero de Fiamma Vigo, un lieu non-conformiste créé par la galeriste argentine pour présenter et promouvoir des œuvres novatrices. L'œuvre est présentée encadrée.

Le Broyeur d'Orgue

Peinture à l'huile sur toile. Signé en bas à droite. Trace d'une date, non lisible. L'artiste de Coni Ottavio Steffanini a eu une vie en mouvement constant, partagée entre l'Italie, l'Europe, l'Amérique (en particulier le Venezuela). Artiste agité et imprévisible, il concentre avant tout sa peinture sur des figures féminines, représentées avec une sensualité placide et une opulence influencées par les maîtres espagnols avec lesquels il a étudié. Mais dans sa production, les autres sujets ne manquent pas, unis par une exaltation incessante de la vie, de la nature. Ici cependant, une figure masculine est proposée, portrait en pied d'un accordéoniste, digne et fier dans sa pose et son regard. L'œuvre est présentée dans un cadre d'époque.

Peinture à l'huile sur toile. Signé et daté à droite "Rivoire 1884". C'est le portrait d'une femme, encore jeune mais très sérieuse dans sa pose droite, dans son regard sans sourire, peut-être en deuil comme le suggère l'austère robe noire qu'elle porte, ainsi que le fond monochrome assez sombre. L'œuvre est présentée dans un cadre contemporain, avec quelques défauts qui nécessitent une restauration.

Huile sur toile. La Vièrge est représentée en gloire, debout dans les cieux et entourée d'anges. L'œuvre, encore en première toile, a été appliquée sur un cadre moderne : ce fait, ainsi que la figure incomplète de Marie, suggère que le tableau faisait partie d'une toile plus grande. Le tableau est présenté dans un cadre stylisé.

Huile sur toile. Dans cette composition, une femme et son enfant, vêtus à l'ancienne et flanqués d'un bœuf, agenouillés sur un terrain escarpé, tendent les bras vers le haut dans un geste de supplication ou peut-être de contemplation. Il pourrait s'agir d'une interprétation de Marie accompagnant l'enfant Jésus pour contempler son destin, le bœuf rappelant la naissance et la vie pastorale simple de la Sainte Famille. Restauré et retouché, le tableau présente quelques traces de décoloration. Il est présenté dans un cadre élégant.

Huile sur toile. Le tableau représente un portrait en pied d'un jeune homme déshabillé qui allume sa pipe en tirant du feu avec un bâton de la bougie placée devant lui sur la table où repose également une épée : il s'agit peut-être d'un jeune chevalier dans un moment de repos. C'est précisément la bougie, seule source de lumière de la scène, qui suggère que l'artiste s'est inspiré de la production de Georges De La Tour (1593-1652), peintre français de style caravagesque qui s'est fait connaître par ses scènes "nocturnes", caractérisées par des personnages, généralement de rang inférieur plutôt que des modèles historiques ou des personnalités de haut rang, éclairés par la lumière d'une bougie, ce qui crée une atmosphère particulière d'intimité. Le tableau, restauré et ré-encadré, est présenté dans un cadre élégant.

Huile sur toile. École du sud de l'Italie, XVIIe-XVIIIe siècle. La scène, pleine de personnages, voit au centre la figure d'un condottiere, bien défini dans les détails de l'armure, du cimier et de l'anatomie, qui accompagne avec bienveillance, d'un mouvement des bras, un homme agenouillé qui, avec sa compagne, rend hommage à un empereur, tout en montrant de sa main tendue le groupe de six enfants, tenus à droite par des soldats. L'empereur s'est levé de son trône, à gauche, et va à la rencontre du couple prosterné, mais lui aussi semble presque dans une attitude de révérence à l'égard du chef central. La scène semble faire référence à un épisode historique de clémence d'un condottiere qui, par son âge, ses traits et le type d'armure qu'il porte, pourrait être Alexandre le Grand, un personnage qu'il est cependant difficile de faire correspondre à l'autre figure couronnée de laurier qui descend de son trône dans le somptueux palais. L'épisode (historique ou légendaire ?) de référence ne peut donc être identifié précisément. On peut cependant apprécier la richesse compositionnelle de la scène, avec de nombreux personnages bien détaillés et des couleurs vives qui en soulignent le dynamisme. L'œuvre, restaurée et réencadrée, est présentée dans un cadre ancien.

Huile sur toile. Aulus Vitellius Germanicus Augustus est l'un des onze empereurs romains représentés en demi-teinte dans une série exécutée par Titien en 1536-40 pour Frédéric II, duc de Mantoue. Passées d'abord à la maison royale anglaise, puis à la cour d'Espagne, les peintures ont toutes été détruites dans un incendie catastrophique à l'Alcazar royal de Madrid en 1734 et ne sont plus connues que par des copies réalisées par divers graveurs flamands à la fin du XVIe siècle et au début du XVIIe siècle. Parmi celles-ci, nous avons la gravure du portrait de Vitellius par Aegidius Sadeler (1570 -1629), d'après laquelle notre copie présente quelques différences mineures, comme c'est souvent le cas lorsque des œuvres d'autres grands artistes sont copiées. L'empereur, qui se distingue par son nez proéminent, ses lèvres minces, ses joues potelées et son double menton, tient le bâton de commandement et porte une armure recouverte d'un manteau rouge. La peinture a été restaurée et retouchée.

Huile sur toile. Au dos figure une dédicace avec la date de 1862 et la signature "Per Monsignor F. di Mombello, divotamente Petrus Lucatello fecit". Le paysage extrêmement serein et paisible montre une étendue de côte rocheuse, habitée par des pêcheurs et des gens du peuple, avec la ruine d'une arche en pierre. Le tableau est présenté dans un cadre de la fin du XIXe siècle.

Peinture à l'huile sur toile. Ecole nord-européenne du XVIIIe siècle. Caratacus était un roi celtique de la tribu britannique Catuvellauni et chef de la résistance anti-romaine et célèbre comme combattant de la liberté. Pendant huit ans, il résista à l'invasion romaine de la Grande-Bretagne à partir de 43 après J.-C. Pendant huit ans, il fut l'homme le plus recherché de l'Empire romain, traqué sans relâche, de combat en combat, de forteresse en forteresse, dans les montagnes du Pays de Galles, jusqu'à ce qu'il ne fut pas trahi et remis aux Romains en 51 après JC par Cartimandua, reine des Brigands du Yorkshire, à qui il s'était tourné pour obtenir de l'ide. Vaincu, il fut amené enchaîné à Rome avec toute sa famille : amené devant l'empereur, le roi britannique parla avec une telle sagesse et une telle fierté (avec le discours rapporté par Tacite dans ses Annales) que Claude, frappé par ses paroles, accorda la grâce à lui, à sa femme et à ses frères, leur permettant de passer le reste de leurs jours à Rome. Le tableau présente le moment de la péroration de Caratacus, au centre de la scène enchaîné, plaidant avec ferveur sa cause devant l'empereur : il est assis sur son trône, flanqué de son épouse et entouré de sénateurs et de soldats. Le tableau, restauré et rentoilé à la fin du XIXème siècle, présente de légers dégâts.

Peinture à l'huile sur toile. La scène, en extérieur, au pied d'une pente, montre deux figures féminines affalées sur elles et derrière elles un pèlerin, avec le bâton et les coquillages traditionnels sur son manteau. La femme au premier plan tient un chapelet dans une main et un enfant endormi est allongé sur ses genoux. La scène rappelle un moment de prière douloureuse et contemplative. Le tableau, déjà restauré et rentoilé, présente plusieurs gouttes de couleur et taches. Il est présenté dans un cadre élégant.

Statue de divinité indienne en bois sculpté grandeur nature, représentant une divinité féminine avec un enfant dans ses bras.

Huile sur toile. Milieu du XIXe siècle. La grande scène raconte un épisode historique non identifié, se déroulant à l'époque de la Renaissance, dans lequel un archevêque écoute la supplique d'un jeune homme en armes, accompagné de sa mère, qui soutient sa supplique. Le décor est à l'intérieur de la salle de réception du haut prélat, vraisemblablement dans le palais épiscopal, qui de la loggia en arrière-plan donne sur la cathédrale, dont on aperçoit le dôme ; l'évêque est entouré de ses subordonnés et de ses gardes, tandis que différentes personnes du peuple assistent. Particulière est la présence de l'homme assis au premier plan à gauche, qui regarde vers le spectateur et pointe la scène, comme s'il la racontait. L'atmosphère se joue sur les contrastes entre lumières et ombres, entre les couleurs vives des personnages dominants par rapport aux tons ternes et feutrés des personnages environnants, qui ont littéralement tendance à disparaître dans l'ombre aux limites de la scène. L'œuvre s'inscrit dans cette grande production du XIXe siècle qui s'appuyait sur le sujet historique ou littéraire, le reproposant dans une tonalité romantique. Le tableau, restauré et rentoilé, est présenté dans un important cadre de la seconde moitié du XIXe siècle, avec quelques manques.