Pintado con Género Escena - El pintor y la niña

Vistazo del templo en ruinas

Pasteles sobre papel. Firmado abajo a la izquierda a lápiz. Sugerente obra del artista danés Arild Rosenkrantz, de estilo simbolista, que fue pintor pero también maestro vidriero, escultor, ilustrador. Su producción se inspiró en las teorías antroposóficas de Rudolf Steiner y en la filosofía de Goethe. WJ Goethe en su "Teoría de los colores" espera que los pintores atesoren la acción moral de los colores, revelada por él, para hacer sus obras más vivas y palpitantes. Incluso Rudolf Steiner vislumbró en la lección de Goethe una mina de conocimiento muy útil para lograr una renovación de la pintura. En particular, debemos a Steiner el importantísimo descubrimiento de esas sensaciones íntimas que se podrían definir como "movimientos del alma" y que, en la contemplación de los colores, se experimentan en lo más profundo del subconsciente. Rosenkrantz traslada a sus obras esta búsqueda de sensaciones íntimas, convirtiendo un paisaje como el aquí propuesto en una experiencia del alma, mediante el uso de colores y luces casi impalpables, enrarecidos, que introducen una dimensión onírica. La obra se presenta en un marco.

El enfrentamiento

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela francesa del siglo XIX. En la sabrosa escena se presenta un episodio satírico ligado a la revolución francesa: sobre un carruaje que lleva en la puerta los tres lirios de Francia con las iniciales LR, en alusión a la dinastía real (¿Louis roi?), algunas personas parecen querer para irse apresuradamente, mientras un posadero que tiene la cuenta intenta que le paguen, pero un guardia lo detiene. Arriba a la izquierda, el cartel de la taberna reza "L'agneau a moderé", o "El cordero se ha moderado", expresión irónica que significa que hasta entonces se toleraba (al régimen) gracias al sacrificio de alguien, pero el ha llegado el momento de rendir cuentas. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco de época.

Pintura al óleo sobre lienzo. Firmado abajo a la derecha. María amamantando a su pequeño hijo, bajo la mirada amorosa de santa Ana: este es el tema de carácter sagrado pero propuesto en clave muy humana, que subraya la dulzura de la relación madre-hijo y de la familia. Giuseppe Ghiringhelli fue principalmente un paisajista y retratista, pero en su producción también hay varias representaciones de la Maternidad sagrada que, como esta que aquí se propone, están impregnadas de intimidad y dulzura y caracterizadas por intensos efectos lumínicos: en esta obra en particular es sugerente el efecto de la luz que emana de la cabecita del niño colocada en el centro, sobre los rostros inclinados sobre él de las dos mujeres, y luego reverbera sobre la ropa y en el fondo, donde se vislumbran las sombras creadas . La obra se presenta en un marco de la primera mitad del siglo XX.

Pintura al óleo sobre lienzo. Lo más probable es que sea una representación pictórica de un trágico episodio antisemita. A la derecha, un soldado con uniforme ruso, herido al regresar a casa, encuentra ante sus ojos la dramática escena de la familia asesinada, que el rabino observa en oración. La ventana rota y los cajones saqueados indican la incursión forzosa de los asesinos. A la izquierda del espejo encontramos una inscripción en hebreo que podría sugerir la ubicación o la huella que propone el artista. La palabra podría traducirse como "Ciro", y podría referirse a la zona de Georgia y Azerbaiyán atravesada por el Kura, un río que desemboca desde Turquía en el Mar Caspio, conocido precisamente en el siglo XIX como Ciro. La pintura, restaurada y revestida, se presenta en un marco del siglo XIX.

Compuesto por láminas xilográficas, cosidas y parcialmente coloreadas, con figuras y textos a juego. El grupo consta de 23 cuadernillos, de los cuales dos en tres ejemplares y uno en cuatro ejemplares; otra pareja tiene la misma portada pero diferente contenido. Los folletos pueden considerarse como "manga" del siglo XIX: la palabra "manga" todavía hoy puede designar muchas producciones diferentes, como dibujos animados individuales, dibujos dispersos, ilustraciones más elaboradas, tiras cómicas, libros de historietas, así como dibujos animados. . Por lo tanto, partiendo del supuesto de que no existe una "forma manga" sino diferentes formas de concebir objetos y formas gráficas todas denominadas con esta palabra, el término manga puede ser atestiguado en el uso literario y ensayístico en Japón ya en el siglo XVIII para indicar , como se mencionó anteriormente, dibujos y bocetos. Pero es a partir de la primera mitad del siglo XIX que los 15 volúmenes de ilustraciones, estudios, entretenimiento gráfico y detallados grabados bicromáticos de Katsushika Hokusai se asientan, gracias a la progresiva publicación, a partir de 1814. Si, por el contrario, queremos darle a la palabra el significado más específico de “historias dibujadas en secuencia”, entonces el debut debe situarse en la segunda mitad del siglo XIX, de manera similar a lo que sucedió en Europa y Estados Unidos. para historietas Los cuadernillos están en buen estado.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Europa del siglo XIX. El sabor romántico impregna este paisaje nocturno, iluminado por la luz de la luna llena, apenas velado por finas nubes dispersas; en el camino rural, que discurre junto al curso torrencial de un río, se vislumbran dos figuras de caminantes, un niño de la mano de una mujer. El cuadro se presenta en un marco dorado de finales del siglo XIX.

Pintura al óleo sobre lienzo. Sin firmar pero agradablemente hecho, el gran retrato muestra a una niña al aire libre, en un sendero en la ladera cerca de un lago, rodeada de flores de primavera; ella está vestida de rosa, sostiene una mandarina en una mano y una pequeña sombrilla en la otra que hace juego con los calcetines y los lirios anaranjados que florecen a lo largo del camino, alrededor de su cuello lleva un collar con grandes cuentas amarillas. A pesar de la vivacidad de los colores y del escenario, la niña está extremadamente seria y serena, casi triste. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco de época.

Aceite sobre la mesa. Escuela italiana de la segunda mitad del siglo XIX. El cuadro, una guirnalda de flores multicolores y abigarradas, retoma efectivamente las formas pictóricas del siglo XVII. La madera tiene grandes aberturas y cortes en las juntas de las tablas. La pintura se presenta en un marco dorado de principios del siglo XX.

Jarrón, excavaciones romanas, 1860

Pintura al óleo sobre lienzo. Firmado y fechado abajo a la izquierda. Más firma, fecha y título en la parte posterior. En el marco hay un sello de una importante colección privada. La obra propone una composición de ánfora y plato de cerámica pintada, rodeada a la derecha por rosas. Pintor y decorador milanés, Luigi Scrosati asistió inicialmente a la Academia de Brera, que pronto abandonó para dedicarse a numerosos viajes al extranjero, en particular a París. Ya desde el comienzo de su actividad, en la década de 1940, trabajó como pintor de naturalezas muertas fuertemente influenciado por ejemplos franceses, en particular de la escuela de Lyon. Junto a la producción de caballete y acuarela, dominada por la especialización de bodegones de flores, Scrosati fue muy activa como decoradora de interiores, a menudo trabajando en equipo con arquitectos y directores de proyectos, pero siempre con una gran autonomía y un estilo característico, sustancialmente ecléctico y dirigida a una reinterpretación de los estilos del pasado. El debut en esta zona, a finales de 1842, consiste en un ciclo de frescos en la residencia de San Fiorano (LO) propiedad de Giorgio Guido Pallavicino Trivulzio, para el que Scrosati decoró una sala gótica, un salón rococó y una pequeña entrada compartimiento. Sus frescos se pueden encontrar en numerosas villas de Milán y sus alrededores, obras en las que Scrosati hace referencia a los estilos del pasado, re-proponiendo sugerencias del siglo XVIII, pero también del Barroco. Las decoraciones en el Gabinete de Dante primero y luego en otras salas del Palazzo Poldi Pezzoli de Milán (ahora sede del Museo del mismo nombre) fueron en cambio de gusto neomedieval, realizadas con el equipo Bertini del que formaba parte Scorsati. La enfermedad que afectó a Scrosati en los miembros inferiores en 1857, enfermándolo, probablemente le impidió continuar su actividad como decorador, obligándolo a recurrir a la pintura floral de caballete, lo que lo llevó a realizar bodegones de flores, pero también retratos. o falsos bajorrelieves con guirnaldas de flores o incluso interiores y escenas de género, en las que se deja influenciar por la producción alemana y vienesa de tipo Biedermeier y la francesa de la escuela de Lyon. En 1862 Scrosati recibe el encargo de dirigir un nuevo curso de Ornato en la Academia de Brera, con especial referencia a la pintura de flores y las relaciones con la industria, curso creado por la institución Braidense para ampliar la ya floreciente escuela de pintura ornamental. El trabajo se presenta en un marco de estilo.

María Dolente

Bajorrelieve en mármol. Firma grabada en el margen izquierdo. Nacido en Cannobbio (en el lago Maggiore), Giulio Branca fue iniciado en el arte por el escultor cannobio Bergonzoli, y posteriormente asistió a la escuela de desnudos y esculturas de G. Strazza en la Academia de Brera. Nacido en Cannobio el 13 de diciembre. 1850 de Ludovico, iniciado en el arte por el escultor cannobio Bergonzoli, asistió a la escuela del desnudo y la de escultura de G. Strazza en la Academia de Brera. Creó alrededor de cuatrocientas esculturas, entre monumentos conmemorativos, monumentos funerarios y bustos de retratos. Branca también participó, a raíz de un concurso, en la finalización de ese alto muro de la catedral de Como que permaneció inacabado durante siglos, esculpiendo varias figuras de mármol blanco en la fachada y el altar entre 1897 y 1900. La obra presentada es un bajorrelieve que muestra, de medio cuerpo, la Virgen de los Dolores flanqueada por dos piadosas mujeres. Se presenta en un marco de soporte de madera coetáneo de finales del siglo XIX y principios del XX.

Pintura al óleo sobre lienzo. El paisaje romántico ofrece un campo verde cerca de un río, bajo un cielo plomizo lleno de nubes grises; en el camino en primer plano unos cazadores, recién desembarcados del barco amarrado, siguen a sus perros hacia el matorral. La pintura, en buen estado, se presenta en un marco coetáneo, decorado con frondosas volutas en las esquinas, con algunas carencias y signos de restauración.