PINTURA ANTIGUA
 

Temple sobre papel, sobre grabado impreso. Escuela francesa c. 1750-1770. Color refinado de un estampado francés contemporáneo. El tema oriental ve a un joven chino insinuando pasos de baile en un camino al aire libre, debajo de una planta con frutas exóticas. La calidad de la obra recuerda la producción del rococó francés, como la de François Boucher (1703-1770) o Jean Pillement (1728-1808), que contribuyeron a la difusión del gusto por la chinoiserie en Europa; Del Pillement en particular, se recuerda que fue autor de numerosos dibujos y grabados de estilo chino, reunidos en dos volúmenes (1767-71) y ampliamente distribuidos en Europa como modelos. El diseño propuesto necesita limpieza y restauración. Se aplica sobre cartón y se presenta en un marco.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela romana del siglo XVII. La gran escena representa el famoso episodio a medio camino entre la historia real y la leyenda, contado por primera vez por Tito Livio en su "Ab urbe condita libri" (los libros de la "Historia de Roma desde su fundación"). Para poblar la recién fundada ciudad, Rómulo, fundador y primer rey de la ciudad, recurrió a una estratagema: invitó a los sabinos, que vivían en la cercana ciudad de Curi, a la fiesta de la Consualia, en honor al dios Neptuno, y secuestró a sus mujeres. La pintura representa el momento en que los romanos secuestraron a las sabinas, alejándolas por la fuerza de sus compañeras, ante la mirada del rey, que permanecía escondido detrás de las columnas del templo de la divinidad, el dios Neptuno, reconocible por el tridente. . En el centro, detrás, se encuentra el obelisco, que para los romanos adquirió un significado simbólico como botín de guerra y testimonio de la fuerza imperial. Las numerosas figuras se entrelazan, se persiguen, se superponen, creando juegos de cuerpos y efectos cromáticos. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco antiguo.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Italia del siglo XVII-XVIII. La gran escena está repleta de figuras con antiguos trajes orientales, situadas en un paisaje nórdico, rico en vegetación y con picos montañosos a lo lejos. La mitad izquierda está ocupada principalmente por San Juan Bautista, de pie y representado según la iconografía tradicional: viste una pobre túnica hecha de pieles de animales, pero envuelve un manto rojo, símbolo del martirio; con una mano sostiene el palo en forma de cruz, alrededor del cual se enrolla el rollo con la inscripción "Ecce Agnus Dei", símbolo de su papel de precursor y heraldo de Cristo, y a sus pies el propio cordero, víctima del sacrificio y por tanto símbolo del sacrificio de Cristo. Con la otra mano Juan señala a alguien a su derecha fuera del marco de la escena, pero que obviamente es Cristo: este gesto cataliza las miradas de toda la multitud situada a la derecha de la escena, una multitud variada que representa géneros, clases sociales y razas diferentes, lo que indica la universalidad del mensaje del Bautista. La obra, previamente restaurada y revestida, presenta una pátina generalizada que requiere limpieza. Se presenta en un marco antiguo.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Italia del siglo XVII. En el retrato de esta mujer ya no joven, vestida con un austero vestido negro que se funde con el fondo, el encaje blanco del cuello y las mangas y el peto desmontable, o más bien el babero ricamente bordado que simula una joya, inventado al final del '600 para cubrir los profundos escotes de los vestidos femeninos, siguiendo la influencia moralizadora católica de la corte francesa; Luego, la mujer exhibe un fino brazalete de oro en su muñeca. Restaurada y revestida en el siglo XIX, la pintura se presenta en un marco de finales del siglo XIX y principios del XX.

Óleo sobre cobre. Escuela flamenca del siglo XVII. La pintura, atribuida por tradición oral a Frans Francken el joven (1581 -1642), representa una curación milagrosa realizada por Jesús: mientras va con sus discípulos, se encuentra en el camino con un hombre enfermo, probablemente de lepra, enfermedad que involucra aislamiento y destierro de la ciudad; el hombre invoca a Cristo que hace el milagro y lo sana. El cuadro sitúa el acontecimiento en el borde izquierdo de la escena, en primer plano, donde destacan por sus vivos colores las figuras vestidas según el estilo típico de los tiempos de Cristo; además, el paisaje que llena el resto de la escena es decididamente nórdico, con un río lleno de agua que fluye en un campo lleno de vegetación, y una ciudad al fondo bajo los picos de las montañas. La descripción pictórica de la vegetación es minuciosa y precisa, rica y bien definida en los detalles: el tronco roto en primer plano, las frondas del gran árbol detrás de los personajes, los pájaros volando alto en el cielo, las pequeñas flores en la orilla , los matices del El agua en la que se reflejan las plantas y las nubes están pintados con un refinamiento pictórico propio de la pintura flamenca, de estilo similar al del gran artista de Amberes. La pintura se presenta en un marco antiguo reutilizado.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Europa del siglo XIX. Retrato de familia de tres niñas, cuyo marcado parecido en rasgos faciales, sonrisa y mirada ingeniosa y pícara, queda subrayado por la ropa casi idéntica que visten, cuyos vivos colores animan la escena y sobre la que destacan los encajes de los escotes, exquisitamente pintados; la más joven del centro, todavía una niña, tiene un vestido un poco menos trabajado y un peinado menos elaborado, acorde con su edad. El cuadro se presenta en un marco de finales del siglo XIX que ha sido adaptado y redorado.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela lombarda del siglo XVII. Se retrata a una joven sonriente con un elegante vestido negro, adornado con encaje en el escote y un juego de cordones y lazos rojos y verdes en las mangas, a juego con la enagua roja bordada; lleva sus joyas al cuello, muñecas, orejas, en el peinado de su cabello, donde la austeridad de las perlas se aligera con cintas de colores; sostiene un ramo de flores en la mano, lo que enfatiza su gracia y gracia. Restaurada y revestida, en el segundo lienzo está escrito, probablemente una copia del original en el primer lienzo, que indica quién es la joven: "Margh.a D. Gridonia Gonz. Agnella - Soada Maffei - D'etta Anni XVIII ", seguido de un escudo de armas con las iniciales C FAS Este escrito, además de definir el nombre y la edad, destaca la pertenencia de la joven al Colegio de las Vírgenes de Jesús en Castiglione delle Stiviere, fundado en 1608 por la marquesa Guidonia Gonzaga junto con las dos hermanas Cinzia y Olimpia, todas sobrinas de San Luis Gonzaga. Este colegio tenía el propósito de impartir una educación a jóvenes nobles o jóvenes de buenas familias, quienes, con la dote donada al colegio, contribuían al sustento del mismo. El retrato tiene pequeños defectos. Se presenta en un marco antiguo, no coetáneo, con pequeñas deficiencias.

Pintura al óleo sobre lienzo. De sabor bucólico y sereno, la escena ambientada en el campo a las afueras del pueblo que se vislumbra a la izquierda, ve a una mujer y su hijo que, cerca de un arroyo, esperan al pastor con su rebaño con una canasta de comida. Restaurado y revestido, el cuadro se presenta en un marco antiguo.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela italiana del siglo XVIII. Composición rica con cuenco lleno de flores jaspeadas, frutero con melocotones, una calabaza cortada y un jilguero que recoge los granos del racimo de uvas colocado sobre la mesa. Forma parte de esa vasta producción de naturalezas muertas compuestas que en el siglo XVIII, desprovisto de todo sentido alegórico o simbólico, tenía como finalidad puramente decorativa; tomó múltiples objetos inanimados, compuestos, vivos, a menudo flanqueados por un elemento vivo, un animal como el jilguero en esta obra, que mantenía el vínculo con la vida y la vida cotidiana. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco de época.

Copia de Guido Reni

Pintura al óleo sobre lienzo. La obra es una de las numerosas réplicas, con algunas variaciones, del famoso tema creado por el famoso pintor boloñés Guido Reni (1574 -1642) y su taller. La composición, que ve a la Virgen en oración inclinada a adorar al Niño dormido, se considera una invención de la genial vena de Reni, que, tras el gran éxito entre los coleccionistas de la época, fue retomada luego por otros autores del siglo XVII. , entre los que destaca el nombre de Giovan Battista Salvi conocido como "Il Sassoferrato". Las dos variantes más famosas de esta fascinante escena ven a la Virgen con las manos juntas en oración, adoptada por Salvi, o la de las manos sobre el pecho, como esta, típicamente de Reni. Otras variaciones se refieren a la posición de la cabeza del Niño Jesús dormido, vuelta hacia arriba como en esta versión, en lugar de reclinarse hacia un lado; finalmente las telas de fondo cambian. Sin embargo, la intensidad de la escena también se destaca en esta réplica: está ocupada transversalmente por el cuerpo abandonado en reposo del niño, donde la naturaleza divina se sujeta a la humana en el sueño; sobre ella, inclinado en gesto protector y al mismo tiempo contemplativo, el cuerpo de María, que expresa toda la ternura materna pero también, en el gesto de las manos, la adoración del misterio encarnado representado por el pequeño hijo. Los colores vivos de las telas -el almohadón sobre el que está reclinado Jesús, la cortina detrás de él, los vestidos de la Madre- resaltan la luminosidad de las tonalidades de la carne. Restaurado y revestido, el cuadro se presenta en un marco de finales del siglo XIX.

Óleo sobre lienzo, aplicado sobre aglomerado en la segunda mitad del siglo XX. El cuadro retoma las formas pictóricas del siglo XVIII, con un corte decorativo. En un paisaje apacible, con una estructura arquitectónica a la derecha y el valle verde con la desembocadura del río a la izquierda, dos figuras caminan por el sendero, una mujer con su fardo de ropa y el caminante con una alforja y un bastón. La obra se presenta en estilo de crónica.

Pintura al óleo sobre lienzo. La escena representa un concierto de cámara: en el centro, el espinetista, detrás de él el flautista y en el lado derecho el maestro que dirige, que escucha atentamente y mueve la mano derecha para acompañar los movimientos musicales; detrás del trío, damas y caballeros escuchan sonriendo y participando. Restaurado y revestido, el cuadro se presenta en un marco del siglo XIX.

Pintura al óleo sobre lienzo. El cuadro lleva en la parte superior el nombre del artista (Giovani Piana) y la fecha de creación 1616. Representa a San Simón con un libro y una sierra en la mano, su atributo iconográfico que indicaría el martirio sufrido. Restaurada y rebasada, la pintura muestra huellas de la restauración a lo largo de los márgenes.

El milagro de Soriano

Pintura al óleo sobre lienzo. El lienzo relata el milagro de Soriano: en esta localidad de Calabria, la Virgen con María Magdalena (reconocible por el frasco de ungüento) y Catalina de Alejandría (portando la palma del martirio), se aparecería en 1530 a un joven dominico, para entregarle una imagen de San Domenico para que la colocara en el convento que construyó. Una bella versión del cuadro es la de Grechetto, de 1654-1655, conservada en Génova: la nuestra parece estar inspirada en esta obra, que vuelve a proponer la composición tensa de las figuras. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco de época.

Pintura al óleo sobre lienzo. El episodio bíblico representado hace referencia a la historia de Daniel, el profeta de la corte del rey Darío el Medo que, por haber orado a su Dios, fue condenado a ser arrojado al foso de los leones. Pero Dios salvó a Daniel, enviando un ángel para cerrar las fauces de las bestias, y el rey perdonó a Daniel condenando a los que lo habían denunciado. El tema ha sido representado varias veces en el arte, por la fascinación ligada a la historia pero también por su sabor exótico debido a la presencia de bestias salvajes; en particular recordamos la versión de Rubens de 1615, donde el profeta es representado desnudo en el pozo subterráneo, mientras ora ardientemente, rodeado de una multitud de feroces leones. La obra que aquí se presenta propone en cambio una versión centrada en el diálogo entre el profeta y el ángel, quienes se enfrentan, destacándose con los vivos colores de sus túnicas sobre el fondo oscuro de una prisión; hay un solo león, mansamente agachado a los pies del ángel, y por eso prevalece la dimensión espiritual y salvífica del acontecimiento bíblico. Según el célebre historiador del arte Maurizio Marini, especialista en la pintura de Caravaggio y el arte barroco, que tuvo la oportunidad de contemplar el cuadro años atrás, la obra podría atribuirse a Antonio Maria Vassallo (1620 -1664) por la composición y elecciones cromáticas. El cuadro, restaurado y reasentado, se presenta con marco de listelo.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela italiana del siglo XVIII. En el retrato de este caballero destaca especialmente la bata confeccionada en un elegante tejido floral, en tonos rojo ladrillo que recuerdan el color de la peluca. La severidad de la pose y la mirada austera del personaje casi contrastan con la elegancia casi frívola de su vestimenta. El cuadro, restaurado y reasentado, se presenta en un marco de principios del siglo XX.

Pintura al óleo sobre lienzo. El tema mitológico que retrata juntas a las dos divinidades, símbolo del amor profano, ha sido ampliamente ilustrado en el arte: como en esta obra, Venus suele ser representada en actitud lánguida, mientras exhibe su Belleza desnuda; Cupido, vestido de putto alado, está empeñado en sacar de la aljaba uno de sus dardos que inducen al enamoramiento, uno de los cuales ya está clavado en el baúl detrás de la diosa. Al fondo un paisaje italiano, con una pequeña estructura arquitectónica. La forma de la pintura se refiere a un marco con forma original. Restaurada y revestida, la pintura se presenta actualmente en un marco de época.

paisaje con figuras

Pintura al óleo sobre lienzo. La gran composición propone un paisaje con un gran árbol en el centro. para coronar con sus escasas ramas el campo de abajo, atravesado por un arroyo y animado por varias figuras de plebeyos en actividad o en reposo; en la parte superior derecha se encuentra una fortaleza, que domina el valle. Ya atribuida a Peruzzini de las Marcas, la pintura ciertamente se remonta a su círculo, debido a los trazos pictóricos rápidos y mal agregados. Antonio Francesco se especializó en pintura de paisaje, bajo la influencia de Salvator Rosa y de paisajistas como Pietro Montanini y Pandolfo Reschi, y también recibió influencias de pintores nórdicos activos en Italia, sobre todo de Pieter Mulier conocido como il Tempesta. En sus primeras obras ya se distingue la originalidad de su pintura dada una rápida redacción y un timbre cromático intenso y brillante. El largo vínculo artístico entre Antonio Francesco Peruzzini y Alessandro Magnasco comenzó a principios del siglo XX, luego de su encuentro en Milán, donde se había establecido Peruzzini; a partir de este período su pintura parece desmoronarse, a través de formas que se vuelven más dinámicas y ligeras, casi fantásticas, para finalmente llegar a un estilo marcado por una desintegración cada vez mayor de las formas de la naturaleza y su movimiento. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco de época.

Alegorías de la prudencia y la justicia

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela italiana del siglo XVII. Las dos pinturas son probablemente parte de un grupo que representa las cuatro virtudes cardinales, a saber, Justicia, Prudencia, Templanza y Fortaleza. Las alegorías están representadas en figuras femeninas, portando algunos de los símbolos atributivos de las virtudes que representan. La justicia se reconoce por los dos atributos más comunes, la balanza, símbolo de la equidad y el equilibrio, y la espada, signo del poder distributivo. La prudencia también lleva consigo dos símbolos: un espejo, símbolo de la circunspección que nos permite evitar las trampas del mal (nos permite mirar hacia atrás) o incluso un símbolo del autoconocimiento; y una serpiente, símbolo de la eternidad y del tiempo, pero también símbolo de la prudencia (en el Evangelio Jesús dice: "Os envío como ovejas en medio de lobos; sed, pues, prudentes como serpientes y sencillos como palomas"). Los dos lienzos, previamente restaurados y reasentados, se encuentran en buen estado. Se presentan en un marco antiguo de madera tallada y lacada, con pequeños desperfectos y desperfectos actuales.