PINTURA ANTIGUA
 

Martirio de los franciscanos en Nagasaki

Pintura al óleo sobre lienzo. La obra es una copia fiel de la obra maestra homónima de Tanzio da Varallo (1580-82/1633), realizada por el pintor de Valsesia para el convento franciscano de Santa Maria delle Grazie en Varallo, y actualmente conservada en la Pinacoteca di Brera. La pintura representa el martirio ocurrido en 1597 en Nagasaki de veintitrés frailes franciscanos, que posteriormente fueron beatificados en 1627, fecha que permite situar la obra en los últimos años de actividad del artista. Tanzio da Varallo probablemente se inspiró para su creación en el texto "Vida y hazañas de los mártires del Japón" del franciscano español Marcello di Ribadeneira; Del cuadro de Brera conocemos un dibujo preparatorio parcial (conservado en la Pinacoteca di Varallo), un dibujo sanguíneo publicado por Testori (1964) y un lienzo (procedente de una colección privada de Borgosesia) publicado por Ferro. La réplica que aquí se propone es fiel al original, incluso en tamaño, sólo unos centímetros menos en altura, probablemente perdida durante el revestimiento de la obra. Si bien se trata de una copia de notable calidad, donde destaca especialmente la riqueza de reflejos que resaltan sobre los tonos más cálidos y oscuros de las carnaciones, respecto al original se nota una menor finura de ejecución, una tendencia a la simplificación y una patética acentuación, que atestiguan de la mano de un copista preocupado por reproducir el modelo en cada detalle, sin concederse ninguna licencia. Además, este copista parece haber conocido muy bien el estilo de Tanzio, hasta el punto de imitar a la perfección sus manos ganchudas. Se puede pensar, por tanto, en un alumno de Tanzio o en su taller (que fue continuado por su hermano Melchiorre tras la muerte de Tanzio), o en un artista que vio y apreció sus obras, como por ejemplo Pietro Francesco Gianoli, que trabajó sobre todo en iglesias de Valsesia y de la zona de Novara y de las que se conocen otras réplicas de obras de Tanzio da Varallo, como el David con la cabeza de Goliat. Además, dado que la obra aquí presentada, antes de ser adquirida por un coleccionista privado, permaneció ubicada durante siglos en un convento franciscano de Lombardía, es posible que se trate de una copia de la de Tanzio encargada por la propia Orden, para otro monasterio, a un pintor estilísticamente cercano a Tanzio y capaz de mirar al original. La pintura ha sido revestida y restaurada. Se presenta en una ambientación de finales del siglo XIX y principios del XX.

Escuela flamenca del siglo XVI.

Óleo sobre la mesa. Escuela flamenca del siglo XVI. La obra tiene una placa en la base que la atribuye a Lambert Van Noort (1520 -1571), justificada por la cercanía a sus métodos pictóricos que se puede encontrar en los rostros de Jesús y Magdalena, pero no confirmable en el resto de partes del cuadro. . La obra relata el episodio del Evangelio de Juan en el que los escribas y fariseos llevaron a Jesús a una mujer acusada de adulterio, para comprobar su observancia de la ley de Moisés, que incluía la lapidación. Pero Jesús, inclinándose hasta el suelo, comenzó a escribir con el dedo en el polvo, luego, cuando se le instó, pronunció las palabras "Cualquiera de vosotros que esté libre de pecado, que tire la primera piedra", salvando a la mujer y posteriormente perdonándola. El gran escenario está lleno de un grupo numeroso y compacto de personajes. Jesús en el centro, es la única figura inclinada en el suelo, distanciada del resto del grupo y fija en su gesto de escribir con un dedo; detrás de él, con una precisa alineación vertical de su rostro con el de Cristo, está la mujer acusada, que cubre su cuerpo con su manto observando el gesto de Chrsito, mientras espera la sentencia; Alrededor de los escribas, los fariseos, algunos soldados, que en cambio hablan animadamente entre ellos, están agitados, enfrentándose unos a otros, indicando lo que Jesús está haciendo. El tema estuvo ampliamente representado en la pintura flamenca, con diferentes métodos interpretativos. Si en este cuadro la escuela flamenca se percibe claramente en los rostros de rasgos duros y en los cuerpos más bien rígidos en los movimientos de los escribas y fariseos, así como en la representación del edificio al fondo y en la minuciosa representación del zapatos en primer plano a la derecha, los dos Las figuras de Jesús y la mujer están en cambio afectadas por la influencia italiana, que suavizó los rasgos de los rostros, dio a los movimientos del cuerpo mayor compostura y gracia, y con la ayuda de un color más brillante. los hizo destacar entre las demás figuras. El panel del cuadro fue sometido a restauración y entarimado en la primera mitad del siglo XX. El cuadro se presenta en un marco antiguo adaptado.

Óleo sobre la mesa. Escuela central italiana de la segunda mitad del siglo XVI. La escena sagrada de la Anunciación ve a las dos figuras protagonistas colocadas en primer plano en un interior que corresponde a la habitación de María. La joven está sentada frente a un pequeño escritorio de madera, sostenido por figuras de ángeles, sobre el que descansa el libro de oraciones y un pequeño jarrón con flores; a sus pies, el costurero. El cuerpo de María está parcialmente girado hacia atrás, en un movimiento retorcido, casi como si intentara escapar, como si quisiera alejarse de la otra figura, la del Arcángel Gabriel. Está de pie a la derecha, majestuoso y elegante, con una mano sosteniendo un lirio y la otra apuntando hacia arriba, sobre él, donde la paloma blanca, símbolo del Espíritu Santo, emerge de un hueco de luz. Al fondo, altas columnas con cortinas coronan la plataforma sobre la que descansa la cama de Mary. La composición remite, en el estilo figurativo y en las elecciones cromáticas, a la pintura ya manierista de las escuelas del centro de Italia: en particular, hay una fuerte concordancia de estilo y composición con algunas obras del mismo tema del pintor Bastiano Vini Detto. Bastiano Veronese (1525/1530 - 1602), que vivió y trabajó en Pistoia hacia 1540. Es en esta ciudad donde se encuentran algunas de sus Anunciaciones: en particular la de la Iglesia de Santa Maria delle Grazie (un retablo de más de dos metros de altura), muestra claras similitudes a nivel formal y compositivo con la que aquí se presenta. . Hay concordancia en la ambientación de la escena sagrada: una habitación, al fondo de la cual hay una cortina que cubre parcialmente una cama, amueblada con los elementos esenciales para la narración, el atril y la silla ricamente decoradas con cariátides de querubines o ángeles. que parecen tallados en la madera. El esquema compositivo se corresponde, aunque con ligeras variaciones, con las dos figuras dispuestas "a modo de friso" en el mismo plano de colocación, y también se corresponden los rasgos somáticos de la Virgen y el Arcángel. Sin embargo, difiere el suelo, que si bien en nuestra mesa es homogéneo, en Pistoia se presenta con colores alternados en forma de damero, pero parece que este diseño del suelo se añadió en una época posterior, con motivo de la reconstrucción de el altar en 1637 -1639, junto con el de otra obra del mismo Sebastiano Vini en la misma iglesia, una Conversación Sagrada. Por tanto, parece bastante seguro que nuestro panel fue pintado siguiendo la obra de Bastiano Veronese, probablemente por petición expresa del cliente, y antes del cambio de suelo, por lo que se remonta a la segunda mitad del siglo XVI. La pintura ha sido restaurada, con la aplicación de dos refuerzos en la parte posterior del panel. Se presenta en una ambientación de finales del siglo XIX. (Referencia del retablo de Pistoia: Catálogo del patrimonio cultural https://catalogo.beniculturali.it/detail/HistoricOrArtisticProperty/0900035285)

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela napolitana del siglo XVIII. La escena, ubicada cerca del mar, está dominada por un gran complejo de ruinas arquitectónicas, con estatuas, arcos, jardines colgantes y animado por numerosas figurillas de plebeyos dedicados a diversas actividades. Restaurado y revestido, el cuadro se presenta en un marco antiguo.

Paisaje invernal con figuras sobre hielo

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela flamenca del siglo XVII-XVIII. En el marco hay una etiqueta que atribuye a Thomas Heeremans (pero con fecha incorrecta). La gran escena ofrece un paisaje invernal propio del territorio holandés, ya que se caracteriza por un canal helado, cerca de un pueblo, poblado por numerosas figuras de patinadores, absortos en sus actividades cotidianas: el trineo tirado por caballos para el transporte de personas, el hombre el que empuja la "carretilla" llena de leña, el niño que se empuja a sí mismo en su cajita; otras figuras pasan por el terraplén a lo largo del canal. El cielo gris y frío de un día de invierno se cierne sobre todo. El tema fue recurrente en la producción del pintor holandés Thomas Heeremans, quien pintó principalmente paisajes invernales de su tierra, replicándolos en varias ocasiones debido al éxito obtenido, e induciendo a numerosos otros artistas a imitarlo; por lo tanto, se cree que este trabajo se remonta a un imitador de los Heereman, en lugar de a él directamente. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco de época.

Pintura al óleo sobre lienzo. Zona lombarda de finales del siglo XVIII. Los cuatro lienzos muestran escenas de Orlando Furioso, el famoso poema épico escrito por Ludovico Ariosto y publicado por primera vez en 1516. En el marco, en el reverso, hay escritos manuscritos en italiano antiguo, que dicen el título de la escena y dan la referencia de la canción y la estrofa. Las cuatro escenas representan episodios tomados de las dos primeras canciones del poema y parecen ser secuenciales. Los títulos atributivos son los siguientes: 1- “Esta pintura representa a aquel paladín galiardo (Rinaldo) hijo de Amone sig. di Monte Albano, que describe a Ariosto en el canto 1 al verso 12 ”: representa el momento en que Rinaldo, a pie de su caballo Baiardo, ve a Angélica escapar del campamento de Namo di Baviera en el bosque. 2- "Este cuadro representa a Angélica y Ferraù cuando ella acude en su ayuda, lo que Ariosto describe en el canto 1 verso 14": Angélica huyendo de Rinaldo, se encuentra en el bosque con Ferraù, un noble caballero sarraceno que también está enamorado de la muchacha, quien ayuda a escapar oponiéndose al caballero cristiano. 3- “Este cuadro representa a Rinaldo y Sacripante que caen, Angélica huye de su furia. Ariosto lo describe en el Canto 2 verso 10”: Rinaldo y Sacripante pelean para competir por el amor de Angélica, quien entretanto se da a la fuga. 4- “Esta pintura representa a Rinaldo y Sacripante en el acto en el que se enamoraron de Angélica y fueron detenidos por un espíritu en forma de Valetto. Ariosto lo describe en el canto 2 verso 15”: mientras los dos caballeros luchan, Angélica se encuentra con un ermitaño, quien, con un hechizo, evoca un espíritu con apariencia de lacayo, que interrumpe el duelo entre los dos contendientes. Las pinturas pertenecen, por tanto, a un único ciclo pictórico, atribuible a finales del siglo XVIII y que, de acuerdo con el gusto neoclásico, representa a los personajes con ropajes clásicos -guerreros vestidos de antiguos soldados, Angélica vestida con túnica romana, zapatos y pulsera - , pero insertada en un paisaje del norte de Italia, un bosque umbrío y denso. El Orlando Furioso tuvo la particularidad de proponer el tema bélico asociado al amoroso (en particular se prefirió la historia de amor entre Angélica y Medoro, que se convirtió en tema de numerosas obras de artistas de todos los siglos) y obtuvo gran popularidad y éxito: numerosos fueron sus representaciones en todas las gamas del arte pictórico visual, en elegantes frescos, pinturas, cerámicas, hasta jarros de boticario, copas, medallas, péndulos, candelabros. Comenzó en la tierra emiliana, patria del poema creado por Ariosto para el cardenal Ludovico D'Este, para llegar a las cortes de los Medici, en Lombardía, donde más tarde se desarrollaron los ciclos pictóricos de Ariosto en numerosos palacios y casas señoriales. Los lienzos se presentan en marcos de estilo dorado.

Paisaje con Arquitectura y Figuras

Pintura al óleo sobre lienzo. El gran paisaje está dominado por una imponente estructura arquitectónica con columnas que miran al mar, que ocupa toda la parte central del lienzo, mientras que a la derecha se perfila una fortaleza. La escena es animada luego por numerosas figuras de plebeyos dedicados a las actividades cotidianas: en primer plano a la izquierda, en el muelle, un grupo de hombres espera la carga de numerosos cajones y baúles. El monograma D.G. Esta abreviatura, junto con la modalidad estilística barroca, hace referencia a la atribución a Domenico Gargiulo, nombre artístico del pintor napolitano Micco Spadaro (1609/1612 - 1675). Activo principalmente en Nápoles, especialmente en las dos décadas comprendidas entre mediados del siglo XVII, el Gargiulo se consagró principalmente como paisajista y sobre todo por haber documentado los tumultuosos acontecimientos de Nápoles en el siglo XVII (erupciones, epidemias, la revuelta de Masaniello ). La progresiva especialización en la representación de paisajes o escenas de la ciudad, llena de figuritas presentados con breves descripciones minuto y con la atención a la realidad social popular, hecho que a su comisión era principalmente de naturaleza privada, que recibe encargos de numerosos notables napolitanos, regidores, caballeros y hallazgo sus obras en todas las colecciones napolitanas más importantes de la época. Entre sus principales clientes se encontraba también el gran coleccionista flamenco Gaspare Roomer, a quien el Gargiulo debía su fortuna. Gargiulo a menudo insertaba sus abreviaturas en sus obras, pero rara vez las fechaba; sólo fue posible establecer la datación de su producción gracias a la realización de una serie de obras para los monjes de la Certosa di S. Martino, que tuvo lugar entre 1638 y 1646, entre las pocas obras religiosas que realizó pero las únicas en ser documentado con cierta exactitud. El gran lienzo propuesto aquí se presenta en un marco elegante.

Copia de Peter Paul Rubens

Pintura al óleo sobre lienzo. Se trata de una copia del famoso cuadro de Peter Paul Rubens, realizado entre 1632 y 1635, actualmente conservado en el Museo del Hermitage. La gran escena bucólica presenta un amplio paisaje que empuja la mirada hacia la lejana costa del mar; en él el cielo se va abriendo paulatinamente, revelando destellos de azul a la izquierda, mientras que a la derecha, entre las nubes más oscuras que quedaron de la tormenta, se revela un gran arco iris. En primer plano, un grupo de pastores y pastoras disfrutan de juegos amorosos, discretos y festivos, en medio de sus rebaños, que descansan y beben del cercano arroyo. Toda la escena está animada por una dimensión de gozosa relajación y refrigerio, como si el arco iris hubiera devuelto la serenidad al ambiente, trayendo luz y con ella serenidad al mundo. En comparación con la pintura de Rubens, algunos detalles han cambiado aquí, en particular el arco iris que aquí está desplazado hacia la derecha en lugar de ser central; y las dimensiones también son mayores que las de la obra original. En el marco hay una etiqueta que atribuye a Jacob Joardens, pintor flamenco seguidor de Rubens, pero la atribución no está validada. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco dorado de época.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela flamenca del siglo XVII. Ya atribuida a Jan Peeters (1624 -1677), la pintura se enmarca plenamente en el estilo y el género del autor que, trabajando en el taller de su padre y luego en el de su hermano Bonaventura, se especializó en la marina, sobre todo en la "Fortune di mare". , es decir, los accidentes debidos al mar, y a cualquier otro suceso causado en el mar por hechos fortuitos u obstáculos insalvables, que por tanto en la pintura se convierten en representaciones de tempestades con barcos y tripulaciones a merced de los acontecimientos. Precisamente de eso trata la pintura que aquí se propone: unas naves, llenas de hombres, están a merced de las altas olas de una tormenta nocturna, cerca de la costa que, con sus salientes rocosos, ya ha provocado el naufragio de algunas pequeñas embarcaciones. . Se percibe la lucha de los hombres, pequeños e indefensos, contra las fuerzas de la naturaleza, dominante, violenta, lúgubre y hostil, que domina y ataca a las embarcaciones tanto desde el mar como desde el cielo, oscuro y negro. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco de época.

Amor y Psique

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Italia del siglo XVII. La escena se refiere, con algunas variantes pero de tamaño muy cercano, a una parte del gran fresco titulado "Banchetto degli dei" en la Cámara de Cupido (o Cámara de Cupido y Psique) del Palacio Té en Mantua, una gran representación de más de nueve metros realizados por Giulio Romano con su taller en el siglo XVI. La escena propuesta (que en Mantua se ubica a la derecha del gran banquete) muestra a Cupido y Psique acostados en un triclinio, mientras una pequeña figura alada los corona de laurel y dos ninfas le lavan la mano a Cupido; al fondo, a la derecha, un grupo de sátiros sacrifica una cabra al altar de una deidad, mientras que en el centro, a lo lejos, arde una ciudad. El banquete de los dioses es el momento final del mito de los dos amantes que, tras muchas pruebas y vicisitudes, obtienen el permiso de Venus para casarse. La obra, restaurada y revestida, se presenta en un marco antiguo.

bodegón con flores frutas un loro y juego

Pintura al óleo sobre lienzo. La gran composición es rica en numerosos elementos diferentes: en el centro destaca una gran composición floral, de múltiples variedades en vivos colores; a la izquierda de las flores, descansando sobre un capitel dórico, hay un periquito de vivos colores que contrastan con los apagados de los pájaros que yacen en el suelo, junto a unas calabazas y un jarrón de peltre. Según el experto en arte dr. Gianluca Bocchi (cuya experiencia se adjunta), la obra se remonta a la producción de Carlo Antonio Crespi, pintor activo en Como a mediados del siglo XVIII, de la misma familia Crespi a la que también pertenece el homónimo boloñés. A Crespi de Como le encantaba crear composiciones con los productos de la fértil tierra de Po, en compañía de pequeños animales, cerámica o cestas de mimbre, floreros, todo en el contexto de elementos arquitectónicos barrocos o clásicos. Sus lienzos, a menudo de gran tamaño, remiten al mundo de las villas y palacios de la campiña lombarda del siglo XVIII. La pintura, restaurada y revestida, se presenta en un marco de época. Procede de una importante colección (en el reverso se menciona al Commendatore Arturo Stucchi, empresario de Como).

Óleo sobre pizarra. Pintada sobre una gruesa losa de pizarra, la escena presenta el momento dramático en el que María, rodeada de un grupo de piadosas mujeres, llora sobre el cuerpo de su Hijo bajado de la Cruz: se abandona dramáticamente en los brazos de las dos mujeres. detrás de ella, mientras en su vientre descansa el cuerpo inerte del Hijo, en cuya mano llora una tercera mujer; arriba, un grupo de ángeles que asoman desde el cielo abierto, de donde brota la Luz divina, participan del lamento. María es la única figura que viste ropas de colores vivos, que contrastan con el color ceroso del cuerpo de Cristo que descansa sobre su regazo, mientras que las demás mujeres visten ropas de colores apagados, igual de neutros son los cuerpos de los angelitos. Las figuras se sitúan sobre un fondo oscuro, en el que apenas se aprecia la abertura del sepulcro: el efecto cromático se consigue gracias también al soporte pictórico utilizado, la pizarra, piedra también conocida como "pizarra", como la más importantes canteras de pizarra se encuentran cerca de la ciudad de Lavagna en Liguria. La modalidad pictórica recuerda las obras de Pietro Mera conocido como el flamenco, pintor originario de Bruselas que vivió entre los siglos XVI y XVII: activo durante mucho tiempo en Venecia, trabajando desde 1570 hasta 1603 al servicio del cardenal d'Este, Mera hizo un amplio uso de la pizarra como soporte pictórico de algunas de sus obras. El material con su característico color oscuro permitió al artista crear intensos contrastes lumínicos y realzar las figuras, representadas con una brillante gama cromática e iluminadas por brillantes toques de luz. En buen estado, el cuadro se presenta en un marco antiguo.

Erminia entre los pastores

Pintura al óleo sobre lienzo. El gran lienzo narra un episodio extraído de la Gerusalemme Liberata de Torquato Tasso, en el que la joven Erminia, princesa de Antioquía enamorada en secreto de Tancredi, presencia cómo hieren en duelo a su amado. Impulsada por el amor, toma las armas de la guerrera Clorinda, su íntima amiga, y de noche sale a buscar a su amado Tancredi y curarlo. Pero en el campamento cristiano un rayo de luna la ilumina y, confundida con Clorinda por los centinelas, se ve obligada a emprender una precipitada huida: así sucede en un pueblo habitado por pastores que viven lejos de la guerra en un espacio idílico. , donde pide y consigue ser hospedada por un tiempo con la (vana) esperanza de olvidar su desdichado amor. La obra, ya atribuida a Carlo Loth, es más bien atribuible a la producción de Louis Dorigny, el pintor parisino que vivió durante mucho tiempo en Italia, en Roma, en Venecia y finalmente definitivamente en Verona, donde obtuvo numerosos encargos de Veronese pero también de clientes venecianos y lombardos, extendiendo su actividad como pintor de frescos de Bérgamo a Udine. En Verona desde principios de siglo, las preferencias en el campo de la pintura se dirigieron hacia un lenguaje clasicista complejo en la composición, pero sosegado y elegante, incluso en las grandes obras decorativas. A esta pintura se ajusta Dorigny, que combina en este lienzo el equilibrado clasicismo de Simon Vouet (de quien era nieto) con el claroscuro aprendido en Roma y la sosegada elegancia veneciana. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco de principios del siglo XX.

Día de fiesta en el pueblo

Pintura al óleo sobre lienzo. En el reverso de la pintura hay algunas etiquetas: una de un mercado inglés (probablemente una subasta de principios del siglo XX) que lleva el título; una segunda de una galería milanesa de via Montenapoleone (años 30) y finalmente una etiqueta de una importante colección privada. La escena propone un momento de celebración en un pueblo nórdico: en el centro de la calle hombres y mujeres bailan y charlan, mientras otros se sientan a las mesas bebiendo y jugando, niños y animales se persiguen; el ambiente es animado y alegre. El estilo pictórico y los métodos de ejecución son compatibles con la producción de David Teniers III (hijo de David Teniers II el Joven), pintor flamenco que incluye en su producción diversas escenas de fiesta y vida pueblerina. Restaurada y revestida a finales del siglo XIX, con marco de la misma época.