Tableau Ancien Portrait d'un Enfant Huile sur Toile '800

Technique mixte (crayon, plume, encre brune et craie blanche) sur papier. École italienne du début du XIXème siècle. La scène représente la rencontre entre un grand prêtre et un chef : s'il est suivi par toute son armée, avec des soldats sinistres et armés de différents grades, le prêtre est suivi par tout le peuple qui loue le vainqueur, tandis que deux jeunes femmes sur leur à genoux, ils offrent des couronnes de fleurs. Derrière la scène, les puissants murs avec la porte d'entrée d'une ville, vers laquelle le prêtre montre du doigt, presque comme s'il la remettait au chef. L'habillement du prêtre, notamment la présence du pectoral dit « Décision » qu'il porte, fait référence à un prêtre israélite, et donc la ville pourrait être Jérusalem ; en revanche, les vêtements du chef victorieux, avec le casque surmonté de deux chevaux, font référence à Alexandre le Grand, qui conquit la ville en 332 av. Le dessin est présenté dans un cadre en bois sculpté de la fin du XIXème siècle.

Les adieux de Ludovico le Moro à sa femme..

Technique mixte (crayon, plume, encre brune et craie blanche) sur papier. École italienne du début du XIXème siècle. Ludovico Maria Sforza pleure sur la tombe de sa jeune épouse Béatrice d'Este (1475 -1497) ; autour de lui les frères de Santa Maria delle Grazie et à sa gauche Bramante et Leonardo. Sur le petit côté du dais en marbre du tombeau se trouvent les armoiries des Sforza, avec deux serpents et deux aigles. Il Moro a été profondément ébranlé par la mort prématurée en couches de sa très jeune épouse Béatrice, sa compagne dans sa vie privée mais aussi politique, ainsi que celle de son mari, mécène des génies artistiques de leur cour, comme Léonard de Vinci. et Bramante, auteurs de nombreuses œuvres picturales et architecturales de la cour Visconti-Sforza. Différentes versions de cet épisode sont connues, notamment à partir du XIXe siècle, depuis celle de 1815 de Giovanni Battista Cigola à la Pinacothèque Ambrosiana, jusqu'à celle d'Alessandro Reati vers 1850. Le tableau est présenté dans un cadre en bois sculpté de la fin du XIXème siècle.

Peinture à l'huile sur toile. Au dos se trouve un cartouche d'époque avec l'écriture en français "Paysage académique ; Le bain des nymphes dérangé par les satyres" et attribution à Hippolyte Lebrun (peintre français travaillant en Italie durant la première moitié du 19ème siècle). La grande scène est cadrée, comme un décor, depuis l'intérieur d'une grotte rocheuse au milieu d'un vallon verdoyant et ombragé. Une rivière y coule pour former des mares d'eau, dans lesquelles se baigne un groupe de nymphes, dérangées par quelques satyres, qui les poursuivent et les menacent. La scène a en effet un caractère très ludique, comme un divertissement espiègle entre les différents personnages. Les personnages, petits par rapport au paysage, sont un élément supplémentaire qui renforce son caractère de sérénité et de plaisir ; la référence à la culture classique s'inscrit dans la période du néoclassicisme. Le tableau présente des traces de restauration. Il est proposé dans un cadre élégant.

Le Quatuor Joachim 1904

Gravure à l'eau-forte. Signée en bas à droite ; signature supplémentaire et date dans le coin supérieur de la partition musicale. Il s'agit d'un célèbre portrait exécuté par le photographe et graveur viennois Ferdinand Schmutzer, du quatuor de musique dirigé par le maestro Joseph Joachim (1831 -1907), le célèbre violoniste, compositeur et chef d'orchestre hongrois. Parmi les portraits célèbres de Schmutzer figurent ceux d'Albert Einstein, de Sigmund Freud et de Richard Strauss. L'œuvre est présentée dans un cadre.

Scène de siège

Huile sur toile. A l'extérieur des fortifications d'une ville, un chef, entouré de ses soldats, s'apprête à allumer la mèche du canon. L'armée défend la citadelle en dehors des murs et les soldats scrutent l'horizon à la recherche vers le bas: ce qui nous conduit à placer la scène sur les fortifications d'une ville, en particulier ceux de Gênes qui montent sur les montagnes derrière et à partir de laquelle les Génois défendait la ville des attaques de la mer; l'emplacement à Gênes est attesté par la bannière qui flotte au-dessus des murs, le drapeau Croce di San Giorgio (croix rouge sur fond blanc) de la République de Gênes. La forme de l'armure, des armes et des vêtements ferait référence au siège de Gênes en 1522. Il s'agit donc de la représentation au XIXe siècle d'un épisode historique, qui fait donc partie de cette production picturale répandue en Italie au XIXe siècle, inspirée par le nouveau roman historique proposé par la littérature. Au dos du cadre se trouve le nom G. Boni, accompagné d'un numéro faisant référence à la participation à une exposition officielle. Giovanni Boni fut un élève de l'Académie de Brera, en particulier un disciple de Giuseppe Sogni, un artiste qui, parmi les premiers, privilégiait la peinture historique dans ses déclinaisons romantiques innovantes. On ne sait pas grand-chose de Boni, ni du point de vue biographique ni de sa production. De son attribution certaine, nous ne connaissons que le Nu d'homme (académie peint) avec lequel il remporta le premier prix de la Scuola del Nudo de Brera en 1852. L'œuvre exprime les figures et le pathétique de la scène avec une efficacité expressive ; les personnages au premier plan sont très bien caractérisés dans leurs poses, leurs expressions, dans les détails des vêtements et des armes, tandis que les autres personnages se fondent dans l'arrière-plan, suggérant la présence d'une grande armée. Le tableau, toujours sur la première toile, montre de petites gouttes diffuses de couleur. Il est présenté dans un cadre élégant.

Peinture à l'huile sur toile. Signé en bas à gauche. Dans une cuisine rurale, une famille paysanne s'accorde un moment de fête : le père joue de la mandoline, écouté par la petite fille qui semble vouloir danser, assistée par sa mère, et par les autres femmes de la maison, souriantes comme ils accomplissent leurs tâches domestiques. La production du peintre napolitain Giuseppe Giardiello s'est toujours tournée vers le folklore de la vie rurale et paysanne napolitaine, peignant, avec des tons intimes et délicats, aussi bien des scènes de la vie domestique que des paysages animés par des personnages. L'œuvre est présentée dans un cadre contemporain.

Intérieur d'un Ferme

Peinture à l'huile sur toile. Signé en bas à gauche. L'œuvre avait déjà été acquise lors de la vente aux enchères Sotheby's à Milan le 12/10/2007. Il a été exposé en 1991 dans l'exposition "Giovanni Sottocornola. Images d'une collection" organisée à Milan à la Galerie Silbernagl. Après une première phase picturale consacrée aux portraits et aux natures mortes, Giovanni Sottocornola aborde dans les années 1880 des thèmes sociaux, qui deviennent les sujets de prédilection des jeunes peintres lombards attentifs aux aspects les plus misérables de la société, liés à l'adoption de techniques artistiques originales. Sottocornola embrasse la pratique de la peinture pointilliste, à propos de laquelle il écrit en 1895 : « Pour l'instant, c'est certain, je suis convaincu qu'il n'y a pas d'autre tableau plus propre à transmettre certaines sensations que celui-ci ». Cependant, ce type de peinture est resté entièrement axé sur la lumière par l'artiste, sur ses vibrations tonales incertaines, comme c'est le cas dans l'Intérieur Stable, réalisé vers la fin des années 1980, où le jeu d'ombre et de lumière joue et crée les effets visuels dans les touches de couleur jouées sur quelques gammes chromatiques, celles des bruns, exprimées dans une grande multiplicité de nuances. L'œuvre est présentée dans un cadre d'époque.

Huile sur table. Le paysage pittoresque a un large chemin au premier plan sur la droite qui serpente entre les frondaisons et les vertes prairies, où paissent les troupeaux ; une petite famille de paysans passe le long du chemin, tous engagés dans le transport de marchandises : même la fille porte un gros paquet sur la tête, tandis que la mère porte le panier avec son fils nouveau-né de la même manière ! Au fond, la plaine s'étend largement pour s'estomper vers les collines lointaines et dans le ciel clair et raréfié, qui dégage une lumière presque rose. Le tableau en sapin du tableau a fait l'objet d'une restauration et d'un parquetage. L'œuvre est présentée dans un cadre du milieu des années 1900.

Huile sur toile. École italienne des XVIIe-XVIIIe siècles. Marie et l'Enfant Jésus, debout à genoux, sont déjà représentés dans la gloire du ciel, avec de petits anges à leurs côtés. Les colliers et bracelets de corail portés par l'Enfant sont particuliers : dans la symbolique chrétienne, la couleur de ce matériau représente le sang que Jésus devra verser ; de plus, depuis l'Antiquité, le corail était également considéré comme un talisman de protection contre le mauvais œil et les forces du mal, et les petits enfants en étaient ornés pour les protéger du malin. Le tableau est sur première toile et présenté dans un cadre ancien contemporain.

Huile sur toile. La scène représente l'épisode raconté dans le livre biblique de la Genèse, de l'expulsion d'Adam et Ève du jardin d'Eden, après avoir commis le péché de manger le fruit défendu, fruit de l'arbre de la connaissance du Bien et du Mal. Conscients de leur nudité, l'homme et la femme sont chassés par un archange, l'épée de la justice à la main et entourés d'une nuée de feu, ils s'en vont honteusement et pudiquement dans le monde, représenté dans un paysage nordique. Le tableau, restauré et rentoilé, est présenté dans un cadre du début du XXe siècle, avec des décorations et des frises en bois sculpté et appliqué.

Peinture à l'huile sur toile. La grande scène représente Marie, déjà Assomption au ciel et soutenue sur les nuages ​​par de petits anges, recevant la couronne de la Sainte Trinité. Ce couronnement exprime l'apothéose de Marie, qui en devenant « Reine du Ciel » devient l'intermédiaire entre la terre, l'Humanité, et le Ciel, la Divinité : ce qui n'est pas donné à l'homme de voir devient possible à travers Marie qui dans cette glorification est plus que toujours le fil tenace qui nous lie au Tout-Puissant, la véritable « porte du ciel », telle que la définissent les Pères de l'Église. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre du début du XXe siècle.

Peinture à l'huile sur toile. L'identification de la sainte est donnée par la présence de la grande roue en bois, symbole de l'instrument de son martyre. Habituellement, la sainte est représentée avec une couronne sur la tête et vêtue de vêtements royaux pour souligner ses origines princières. Nous avons ici plutôt une représentation atypique d'elle, les cheveux détachés, recouverts uniquement d'un grand manteau rouge (couleur du sang, donc de l'humanité mortelle) qui tombe de ses épaules et l';oblige à couvrir ses seins avec ses mains ; son regard est tourné vers le haut, où le ciel s'ouvre et un ange descend, tenant d'une main la palme du martyre et de l'autre posant une couronne de fleurs sur sa tête, symbole de son mariage mystique avec le Christ. Il s'agit donc d'une représentation qui la voit au moment du passage à la vie éternelle, semblable à une Madeleine pénitente en adoration mystique, qui s'offre au Christ sans aucune reconnaissance humaine. Les choix chromatiques ressortent dans le tableau, qui sur un fond sombre et lugubre font ressortir le rouge du ciel ouvert et du manteau, et la blancheur de la chair, tant de la femme que de l'ange. La toile, déjà restaurée et rentoilée, est présentée dans un cadre travaillé de la fin du XIXème siècle, présentant quelques défauts.